レバノンのデザインデュオ、Bokjaは、アラブの世界を刺繍した地図を制作した。それは、変化して行くアラブ社会の政治や伝統をタペストリーで表現している。

2点の作品のうち一つめのタイトルは「アラブの秋」、一方、二つめは「アラブの春」というタイトルをつけられており、それは2010年にアラブ社会で始まったデモや抗議活動の広がりを指す名前に因んでいる。

「アラブの秋」の地図では、インポートジーンズの生地で海が描かれ、輸入文化の繁栄が、いかに母国の伝統に取って替わっているのかを示している。

「アラブの春」の地図は、古いカーペットの中央に編み込まれており、それは、古めかしくはあるものの、大切にされてきたアラブ文化の価値を象徴している。

それぞれのタペストリーの中には、ファーストフードを食べている魔人ジーニーや、空を飛ぶ象といった、象徴的なイメージが配置されている。

Bokjaのホダ・バロウディとマリア・ヒブリは、ビンテージの中東の織物をよく作品に用いる。他の作品はこちらから。

以下、デザイナーからの詳細

Bokjaが制作した「アラブの秋」の地図は、輸入された流行やファーストフードによって、不朽の伝統や母国の優雅さが置き換えられてしまったアラブ社会の悲しい現実を表すため、背景にはインポートのジーンズを織り合わせている。空を飛ぶ象は、様々な地域の、批判的な目をもった市民達の世代に無理やり押しつけられてきた、全ての空虚なスローガンを思い起こさせる為の役割を果たしている。

Bokjaによる「アラブの春」の地図が描写しているのは、こうした目覚めなのだ。背景に用いているのは古くて貴重なカーペット（私達の価値観の核を表現しているもの）で、それはすべての新しい作品のベースとなる。カーペットは、まるで私達が放棄してしまった沢山の理想のようにぼろぼろの状態で、再生を必要としている。

楽観主義的で、元気を取り戻せるような雰囲気を持っている。地図には象徴するシンボルが沢山あり、中でも、馬に乗っている女性は、未知なる世界への旅の途中だ。

ウィルコックスは自分の手を使って粘土のモデルを作りました。一方ディープピンクという名前の３ＤプリンターはイタリアのWeFabという組織により運営されているMakerBotでした。

９０分後、ジャーナリストであり審判でもあるジョセフ・グリマはウィルコックスを勝者と宣言しました。しかし、再試合がロンドンのV&A（ヴィクトリア・アンド・アルバート）博物館で次の日に行われている予定になっています。

Hacked Labはミラノのデパート、ラ　リナシェンテで４月１７日から２２日まで行われています。

Hacked Labに関するDezeenの記事はこちらをご覧ください。または水曜日のＴＶ番組で管理者であるBeatrice Galileeへのインタビューご覧になるにはこちらをクリックして下さい。

ロンドンに戻りますが、ドミニック・ウィルコックスはハックニーのWells Streetにスタジオがあります。ウィルコックスに関するDezeenの記事はこちらをご覧ください。

主要な場所：
青＝デザイナー
赤＝建築士
黄色＝ブランド

地図の大画面はこちらをご覧ください

Designed in HackneyはDezeen主導の世界クラスの市で創られた建築とデザインを紹介するものです。ロンドン２０１２の５つのホスト市の１つで、同様にDezeen事務所の本拠地でもあります。ハックニーでデザインされた建物、インテリア等を今年の夏、競技が始まるまで毎日お知らせしていきます。

www.designedinhackney.comでは、どのように関わっていくかに関しての詳細な情報をご覧になることができます。

ベルギーの建築事務所Govaert & Vanhoutteによるガラスの家は５０メートル長さの壁が後ろにあり、前方には床より低いところに作られたプールがあります。

ブルージュを囲む森に位置するこの住宅は細長い作りになっており、床より低いところに降りるよう、調整した階があります。

プールは一番低いところにあり、建物のくぼんでいる角の箇所にしまい込まれています。

住宅に入るドアは壁と同じ高さにあり、閉じている時に気づかないようになっています。

中に入ると、メインのリビングルームとダイニングルームから上の半階にある子供の寝室に向かう昇りの長い斜面があります。一方片持ち梁の階段は第二のリビングルームと寝室へとつながります。

建物の外にあるもう一つの斜面は、下の方にある駐車場につながります。

Dezeenでは過去に、ほぼガラス張りの家を何度か記事にいたしました。ドイツの家はこちらを、スウェーデンの住宅はこちらをご覧ください。

Photography is by Tim Van de Velde.

Govaert & Vanhoutteからの情報は以下のとおりです：

Villa Roces（Rocesの住宅）

Rocesの住宅は長さ７０メートル、幅３０メートル範囲の長方形にまとめてあります。ブルージュを囲む森の中にあります。

コンセプトは長さ５０メートル、高さ４．２メートルの木の壁で幅６メートルのガラスのボックスに隣接して配置している構成となっています。

この家は壁沿いに建てられています。光不足に対応したり、森の存在や木々が垂直に立っている状態を現すことを目的としてます。

長さ５４メートルの壁は前方の透明さの背景として機能しています。

壁は外において見えることができるだけではなく、内部も途切れることなくみることができます。

透明な箇所はボックスと考えているため、内部スペースははっきりと決められたボックス量があり、建設面の要素に組み込まれています。

ガラスのボックスは３つの側において、デコボコがあります。

•地下にある駐車場へ行く場所

•反地下にあるプールのある場所 

•上の後ろ側にある主要な寝室と離れにある寝室へ行く場所 

この計画のコンセプトは非常にシンプルです：

１． 庭のある場所には入口、キッチン、ダイニングルームと暖炉があります。キッチンはダイニングルームと大きなスライド型のドアで分割することができます。

２．子供の寝室と主要の寝室は上下階に位置しており、　一階と半二階にあるリニングルームと乱平面造りになっています。

３．主要の寝室の前には第二の居間があり、空間的広がりが改装を取り扱えるようにしています。

４．坂がリビングルームと子供の寝室とのつながりを確かなものにしています。

５．説明した基準位置と高さを取り扱うことにより、絶え間なく平面な箱を維持することができました。このことは木々の垂直性と対比を置くのに重要な箇所でした。

６．居間とキッチンの下には地下駐車場があります。駐車場を地下においたのはまた重要なポイントであり、地上の建設物量を減らすためです。この量は自由に使えるスペースと関係していて、見た目、大きなパビリオンのような印象をうけます。

ミラノ 2012：スウェーデンのデザイングループ、フロントによるこのランプは、数秒おきにシャボン玉を膨らませることで、LEDライトを取り囲む透明なシェードを形づくっている。

電球の寿命は5万時間を超えるので、300万個以上のシャボン玉のシェードがつくられる計算になる。

オランダの新しい照明器具ブランド「Booo」の為に提案された、この「表面張力ランプ」は、Spazio Rossane Orlandiで紹介されている。

サローネ・インテルナツィオナーレ・デル・モービル（イタリア国内見本市）が、4月17日から22日まで開催されている。2012年のミラノに関連するすべての記事は、こちらから。

こちらから、Frontに関する全ての記事がご覧いただけます。
以下、Frontからの詳細情報：

Surface Tension Lamp （表面張力ランプ）

シャボン玉は短命で、触れると消えてしまう。しかしそれが持続している間は、シャボン玉が光をとらえて部屋の中を反射させ、その場を一時的に極彩色の空間に変える。私達は、もっとも短命なランプシェードと、5万時間持続するLEDライトの光源とを合わせ持ち、絶え間なく変化していくランプを作りたかった。LEDの寿命が燃え尽きる時には、このランプは300万もの異なるシェードを作り出していることだろう。

ミラノ２０１２：　このテーブルトップにある木製の細長い板で出来ている机はマウリシオ・アフォンソ作成のものです、大きくしたり、小さくしたり、広げて円の形にすることもできます。

樺材（かばざい）をベースにしてできており、テーブルについている足は、形が変わるたびに折りたたんだり、たくし込んだりいています。

扇のテーブルはロンドン王立芸術大学院からの作品展示でParadiseの一部としてVentura Lambrateで展示されております。

Ventura Lambrateのデザイン部門は４月１７日から２２日まで展示されています。地図とガイドの無料ダウンロードはこちらになります。 Ventura Lambrate 2012に関するDezeenの記事はこちらをご覧ください。

アフォンソからの詳細な情報は以下のとおりです：

マウリシオ・アフォンソによる扇のテーブルは、Ventura LambrateのParadise展示の一部としてミラノ家具見本市で展示されます。この展示は王立芸術大学院により計画され、展示期間は２０１２年４月１７日から２２日までです。

扇のテーブルは、テーブルの役割を社会的な交流の基盤として探求しています。テーブルの表面は自由に広げたり、縮めたり、回転させることが簡単にできます。まるで手で動かしている扇のようです。

マウリシオ・アフォンソが興味を持っているデザインは、家具が世界における自分自身を見つけるような状況を深く理解することです。この場合は、彼が掻き立てられたのは、テーブルと背景の間にある相互関係を調査するというアイディアでした。「家具はときどき制限があるのです」と、アフォンソは説明します。「私はテーブルが静止した物体であるという考えをなくして、自在に形を変えるテーブルを作りました。これは自然にテーブルが状況に合わせて変化することができ、状況の素材として新しい役割を演じることができるということです。

そのため、扇のテーブルは様々な異なった形やサイズに形を変えることができ、内容や使用に合うようにすることができるのです。

テーブルの表面は４００以上の幾何学的な基盤で置かれている細長い板でできています。どちらも樺材で作られています。

Paradiseの特徴は王立芸術大学院（ＲＣＡ）の作品であり、Design Products Programeのリーダーで教授であるトード・ボーンチェと個人指導教員のオンカー・クラーにより選ばれているということです。

「ＰＡＲＡＤＩＳＥが考えているのは、何か、どこかでもっと素晴らしいものを発見することです。変化を求めて集まり、現状に満足できない気持ちに駆り立てられて、ＲＣＡの生徒が自分自身のParadiseの地図を書きます。より良い未来を求めて異なった道により作り上げます。

マウリシオ・アフォンソはブラジル生まれのカナダ人デザイナーです。キャリアの始まりは、ＯＣＡＤ大学で産業デザインの学位を取ってからです。トロントに基盤を置きつつ、家庭用品のインテリア企業であるアンブラでクリエイティブ責任者として働きました。

マウリシオは国際的に自身の作品を展示し、世界規模での主たるデザイン出展を特徴としてきました。また名前を上げればカンパーナ・ブラザーズやパトリシア・ウルキオラのような著名な多くのデザイン作業場に参加しました。

マウリシオは最近ロンドンに移転しました。王立芸術大学院において著名なプロダクトデザインのプログラムから修士号を取ろうとしている場所です。

ミラノ2012：今週、ミラノのヴェントゥーラ・ランブラーテ（Ventura Lambrate）に英国のデザイナー、リー・ブルーム（Lee Broom）が手掛けた家具と照明がブリティッシュパブ風に展示されている。

古いイングリッシュパブから持ってきたオークパネルやエッチングガラスの窓が壁を作り、再生オーク材のバーカウンターが反対に置かれている。

吊り下げ型の照明には、ウィスキーデキャンタのようにカットされたクリスタルの電球が使用されている。これはブルームが今回初展示したものだ。ブルームの照明についての過去のDezeen記事はこちら。

ヴェントゥーラ・ランブラーテ・デザイン地区は4月17日から22日まで開催。無料ガイドマップのダウンロードはこちら、またヴェントゥーラ・ランブラーテ2012関連Dezeen記事はこちらから。

以下はブルーム氏による解説です。

リー・ブルーム　パブリック・ハウスのスタート
サローネ・デル・モービレ 2012
2012年4月17日～22日

高い評価を得ている英国人デザイナー、リー・ブルームは、今月、サローネ・デル・モービレ期間中にミラノで初の個展を開催します。パブリック・ハウスと銘打たれたこの個展は、リー・ブルーム・ブランドの5周年を記念するものとなり、ブルームの手掛けた数々の素晴らしい作品が初めて一度に展示されます。

ブリティッシュパブという古い名物にヒントを得て、さらに多次元で超現実的なひねりを加えたパブリック・ハウスの出現で、このヴェントゥーラ・ランブラーテ・デザイン地区に本物の英国を感じる空間が登場します。ブルーム作品に共通のテーマを反映して、展覧会で使用される材料は古いパブから持って来て再利用され、本当の英国生まれになります。解体されたオークパネル、エッチングガラス、そして華やかな装飾が施された木製のバーカウンターは、英国で設計・製造されたブルーム作品の折衷的な表現の背景となっています。

「古いもの」×「新しいもの」というこの文化の出会いは、展示中のブルームの作品に反映されています。新しい作品の中には、既存製品へスポットを当てワクワクするような新しいモノに変身を遂げた作品もあり、彼の作品の意図やその多様性を示し、ブルームの作品のコアとなる部分を引き立てています。

またパブリック・ハウスは、世界的に有名なスコッチウイスキー、オールド·バランタイン12年とブルームのコラボレーションのスタートに華を添えるものとなるでしょう。ブルームは、ヴィンテージのクリスタルウィスキーデキャンタの影響を受け、それに非常に現代風のアレンジを加えて他にはない“英国式パブ”を設計し、それを展示会で発表する予定です。

「今回初めてミラノで展覧会が出来るのでとてもワクワクしています。自分の作品を本格的な英国の雰囲気の中で展示したいと考えていました。来た人が、本当なら英国でしか体験できない雰囲気を別の場所でも体験できるようにしたいのです。」‐リー・ブルーム

ドイツのJ. マイヤー H. 建築事務所による、グルジア、メスシャのシビックセンターと警察署の建物の、表面に質感を持ったコンクリートの形状は、背後を取り囲む山々にインスピレーションを受けて設計された。

非対照的な4つの六辺形が、House of Justiceと名付けられた2階建てのシビックセンターの外観を形成し、コーナーの2カ所にガラス張りのエントランスを設けている。

近くにある5階建ての警察署は、 平行して広がる道路に向かって折れ曲がるような、湾曲した外形を持っている。

まるでゼリーのようなガラス張りの内装は、建物の正面に空間を設け、別々の部屋やフロアにまたがって広がる窓の役割を果たしている。

昨年、 J. マイヤー H. は、同じこの山岳の街にユニークな飛行場を完成させた。併せて彼らの他のプロジェクトを見るのはこちらから。

写真：Beka PkhakadzeとJesko M. Johnsson-Zahn.

以下、それぞれのプロジェクトに関する建築事務所からの更なる詳細。

HJM－「House of Justice」シビックセンター、グルジア、メスシャ
「House of Justice」は、文化的遺産が根強く残る村であるメスシャの住民のための、2階建てのシビックセンターだ。そのコンクリート構造は、コーカサス山脈の壮観な風景を象っている。この建物は、中心部にあるメインのパブリック・プラザの周囲に新設された、公共の建造群の一部分を成している。

プロジェクトチーム：Juergen Mayer H., Jesko M. Johnsson-Zahn, Danny te Kloese, Hugo Reis
プロジェクト：2011年 
完成：2012年 
床面積：350平方ｍ 
クライアント：グルジア法務省 
現場建築： Ltd. Alioni 99

グルジアのメスシャ警察署

このプロジェクトは、メスシャの旧市街の中心部にあり、新しく建設されたシティホールに隣接している。塔のような形は、メスシャの山腹地域にある伝統的な中世の石塔へのオマージュだ。

正面入り口は、プレハブ式の質感を持ったコンクリートと、最大限の透明性を提供する大きな開口部から成っている。

チーム：Jürgen Mayer H., Christoph Emenlauer, Hugo Reis, Danny Te Kloese
初期設計：2011年 
完成：2012年 
機能：警察署 
クライアント：グルジア内務省

Dezeen promotion: Cubitによる可動式システムの棚は音楽や本という、よく使われるサイズで、具体的にデザインされています。

それぞれの棚には後ろに溝があるので、簡単につなげることができます。はめ込むだけで道具は要りませんし、取り付け用の金具を壁に取り付けるだけのシンプルな方法です。

オンラインで「コンフィギュレータ」の助けを借りて、購入した人は自分でレイアウトをデザインします。またCubitはインテリアデザイナーと連絡を取るようにすることができます。

customers’ photosをご覧になるとCubit のウェブサイトで、買った人がどのように組み立たのかわかります。

Cubitからの詳細な情報は以下のとおりです：

賢く収納―Cubitによる交換できるシステムの棚

Cubitは可動式収納システムで特許を取っています。シンプルで、昨日的で、簡単に取り付けができ、価格は非常に抑えています。Cubitの形は２１サイズと８種類の奥行があります。総てのタイプは組み合わせることも単独で使うこともできます。１つだけや１００１個買うこともできます。Cubitの収納は、階段の下のような収納の難しい場所に最適です。また、壁全体を使って、大胆な収納をすることもできます。Cubitは高品質なドイツのコンセプトで、値段は可動式ＣＤ２４で２２ユーロからです。

使いやすく、無限の可能性を持っている世界です。自分でアレンジし、オーダーメイドの配置がすぐにできることができます。最小のスペースを使って無駄のない直線的な収納をすることも、予測できない形でビンテージコレクションを収納することができます。

Cubitは既製品となっていますので、自分で組立する必要はありません。Cubitsを組み合わせるのに道具を必要としません。

Cubitの箱の配置は、予算に合わせてどのように組み立てることもできます。最初は１つから始めて、コレクションを作ったり、または自分自身の収納スペースをデザインすることもできます。自宅でも事務所でも使うことができます。Cubitは収納を必要とするいかなる場所でも使うことができます。

Cubitのウェブサイトでは、多くの購入した人のインスタレーションを見て、アイディアを得ることができます。また、どのくらいの数が自分の部屋に必要なのかを決める助けとなる、段階的な計画があり、ついていくことが簡単になります。これがなければ計画を立てるのは難しいでしょう。

Cubitはドイツで２００８年１０月に設立し、大きく成功しています。現在まで５５，０００ユニットを売り上げています。

Cubitは２０１１年４月に建築雑誌ＤＥＴＡＩＬにより第３回ベストインテリアデザイン設計解を受賞しました。

Cubitの箱はいろいろなサイズで、値段は２２ユーロから（Cubit CD24の場合は幅２４cm×高さ１６cm×奥行１７．２cm）、それぞれ購入することができます。

www.cubit-shop.com

ミラノ2012：日本のデザイナー吉岡徳仁は、ミラノで開催されるミラノサローネ国際家具見本市で、ほとんど目に見えないテーブルを発表した。

Luminusと名付けられたその無垢のガラスのテーブルは、イタリアのブランドであるグラスイタリアのためにデザインされた。

吉岡は透明でほとんどそこにないかのようなデザインを得意とする：彼の作品に関するすべてのDezeen記事はこちら。

ミラノサローネ国際家具見本市は4月17日から22日まで開催。今年の様子についての全記事はこちら。

以下は吉岡徳仁からの解説。

吉岡徳仁によるグラスイタリア”Luminus"

2012年、ミラノサローネ国際家具見本市で"Luminus"を発表します。

グラスイタリアは長い歴史と伝統を持つイタリアのガラス家具メーカーです。今回はグラスイタリアと吉岡徳仁の初のコラボレーションになります。”Luminous”は無垢のガラス構造によって完成した透明なガラスのテーブルです。

このテーブルは光によって生みだされ、まるで物質世界から解き放たれているようです。光の屈折によって姿を現し、ミステリアスな存在感を放ちます。

グラスイタリア：ホール20 -スタンドC12

ガラス張りの壁を開けるとL字型のリビングルームと奥の中庭がつながる。シドニーにあるこの家のリノベーションを手掛けたのは現地のトライブ・スタジオ（Tribe Studio）。

House Eadie プロジェクトは、遺産に登録された労働者の家のステンドグラスの窓に付いてしまったペイントやデタラメに敷き詰められたブロックといった長年積み重ねられた過去の痕跡を残しつつ、1970年代にDIYで手を加えた部分を取り除くプロジェクトだ。

子どもを育てるのに必要なものの収納は、可能な限りあらゆる場所に仕舞込まれており、大人が楽しめるスペースを確保している。

折り畳みのできる木製の雨戸が、横に長く広がる上階の高窓を覆っている。

オーストラリアの建築についてはこちら、リノベーションについての記事はこちらからご覧いただけます。

写真撮影：Katherine Lu

以下は建築事務所からの情報です。

House Eadieはシドニーのサリー・ヒルズ（Surry Hills）の連邦遺産として登録された労働者の家です。クライアントからのご要望は、子どもが過ごしやすくなおかつ大人が楽しめる素晴らしい家を作り出すことでした。

家は酷く老朽化が進んでおり、1970年代に行われたDIYリノベーションの後は遺産である基礎部分がほんの少ししか残っていませんでした。

トライブ・スタジオの戦略は元の建物の基礎部分の不規則性を表に出し、長年にわたる改造に尊敬の念を示すことでした。

家の前面にあるオリジナルの装飾的なレンガは、ペイントの層を少しはがすことでその一部が見えてきました。

過去のペイントのしずくがステンドグラスの窓に残っています。デタラメに敷かれたレンガがあらわになりました。この家はもともとは上品なもので、それが時間によって手荒に扱われてきたというロマンティックな雰囲気を残しています。新しい要素がこの遺産を引き立てています。

もともとの素材の部分はまったく未加工のままです。この家は全然気取ったところがありません。

居住部分はもともとあった中庭を取り囲むように作られ、北側からの光が家に入るようになっています。収納は、バトラーの食料庫やワインセラー、ベビーカー置き場を含めて全て仕舞い込まれています。

建築年：2011年
プロジェクトチーム：Hannah Tribe、Ricci Bloch
施工：JLS Construction
構造工学技術者：Damian Hadley (Cantilever Engineers)
敷地面積：143 ㎡

使用建材・商品
Klip-lok Lysaght Colorbond
外壁：Scyon Axon James Hardie および過去のレンガ（塗装除去）
内壁：石膏ボードCSR および既存のレンガを塗装
窓枠：Victorian Ash
フローリング：アクリルの下塗り付きフィブロセメントシートCSR
吊り下げ灯：Nelson Bubble Lamp
キッチン：白ラミネートベンチと石灰塗料の合板
ウッドデッキ：ブラックバット
家具：Great Dane社 Moller オークテーブル #26、Great Dane社 オークベットサイドテーブル、Han Wegner社 シルバー／グレイ　プランクチェア、Eames社 ダイニングチェア、In Your Room 社　合板キッズテーブル

ロードアイランド・スクール・オブ・デザインの学生、ジョセフ・ゲーラ（Joseph Guerra）は、CNC-カットしたコルクを使った懐中電灯をデザインした。

シンプルな立方体をカットして持ち手部分が作られ、そこにON/OFFスイッチも付けられている。

この懐中電灯は半分に分ることができ、内部の電気構造が見える。CNCミリング加工したキャビティにきっちり収まるような感じだ。

標準的な電気部品とコンピュータを使用したカッティング過程の制御により、懐中電灯の製作が簡単になる。

Dezeenでは、ワインボトルのコルクから動物のキャラクターに作り変えられたピンのセットや、ユーザーが自分のペーパーシェードを付けられる照明器具など、コルクから作られた製品について取り上げました。記事はこちらからご覧いただけます。

ここ数週間Dezeen では、建築家が建築上の制限を独創的な方法でくぐり抜ける方法を考えだしたいくつかのプロジェクトを紹介してきた。今回はDezeenで取り上げた中でも人気のあった建築のまとめで、隠したり壁が動いたり、はてはスキーを使ったりして建築上の制約を逃れている建物の紹介。

リストの１位はポーランドにあるプラスティックで覆われたデザインの家。この家は設計上の規定にあったファサードにするために付けられた壁に特徴がある。

2位の家はスライディング・ハウス。外側にある50トンの可動式の構造をスライドすることで典型的な英国風の納屋に姿を変えることのできるガラスのはまった家。

次は、建築家のJack Woolleyが隠したこちらの家と作業場で、ここにあることに誰も気づかないよう、レンガの壁と秘密のドアで隠されている。 

4位はかつて闘牛場であった建物の内部にできたレジャー複合施設。建築家のRoegers Strick Harbour +Partnersは、歴史の影響を受けてきたファサードを地面から浮かせることで保持できるようにした。 

5位に来るのは銅で覆われた増築部分のある家で、建築家は建物がひとつであるかのようにデザインして、傾斜のある屋根をつけるという規定に対応した。

6位は電動で制御できる石の壁のある家。本来なら許可されない大きな窓を、石の壁がファサードを横切って隠している。

7位に付けたのはスキーのついたそりようなサウナで、湖の上に引っ張ることができるようになっている。依頼主がここに常設の建物をつくることが認められなかったために建てられた。

8位にくるのは近代的な四角形の住居で、切妻屋根の家のシルエットのような形をしたレンガの壁の後ろに隠れている。

９位に来るこの家は、英国の建築保存リストに入っているこの地の石造りの塔を中心とした景観を維持するために、地下に隠された。

最後だが同じく注目すべきなのは切妻屋根の家が並んでいるように見えるデザインのエネルギーセンター。

次のトップ10はまた来月!

dezeen's top10をもっと見る

スペインの建築家Pedro Scattarellaは、バルセロナ、ガバで倉庫のように見えるピザ店を完成させました。

３メートル高さの運送用コンテナを壁に置き、ディスプレイ用の棚、食器棚、トイレの機能を果たしています。

明るい赤タイルの棒がレストランの１階を占め、一方倉庫の表記は周囲の壁に現れることで装飾しています。

階段で２階のダイニングルームに行きます。この場所は梱包用の木箱と相反する赤と緑の椅子が備わっています。

Dezeenは以前の特集で出荷用の倉庫に見えるホテルを取り上げています。記事はこちらをご覧ください。

Pedro Scattarellaからの詳細な説明は以下のとおりです：

デザイン概要

このイタリア料理のピザ店/レストランは２つの工場からできています。キッチンはお客様から見えるようになっており、アクセスプラントにあります。

バーは工場全体を占めており、使用目的により形状は異なります（ウェイターの通り道や、テーブル、昔ながらのバー）。小さなホールは外のテラスへの景色が見えます。工場のトップにはレストランホールがあります。

デザインの挑戦

キッチンの位置は、総ての場所の中心となり、料理のアイディアを見せることを強めるために開放し、高い場所にあります。ピザ作りは人目に付く状況で、ステージのように、料理しているところが皆に見られるのです。

２つの工場を一緒にするために、建物の角は吹き抜けにデザインしました。この場所が主な入口となり、視覚的に工場の上部とつながります。スペースの中心に円を描いているバーと、デスクランプから作ったスパーダーランプが２つの工場を垂直に１つにします。

デザインの成果

このレストランはニューヨーク港にある倉庫からインスピレーションを得ました。このアイディアは客がコンテナに入る瞬間に思いつきました。製品が入っている箱や工業用ランプが見られます。一番上の階にいると、客は自分が本当の商品を移送している埠頭の場所にいるように感じます。

４つの実際と同じサイズのコンテナが一番上の階ホール全てを占め、それぞれ事務所、トイレ、ＶＩＰルーム、展示ショーケースと、それぞれ異なった使い方をしています。

ウェイターの家具もまた商品を移送するための箱です。結果としてモダンな雰囲気で訪れる人を驚かせます。

ブロックの切妻はそれぞれ異なっており、屋根の局面は不規則で建物は折り紙のように見える。

建物の中央には空間があり、1階のバルコニーからは広々とした中庭が見渡せる。

中の部屋はデンマークのインテリアを取り入れたようなスタイルで、フォローアップ治療を受ける患者がリラックス出来るように配慮されている。

Dezeenでは過去に何度か英国のマギーズがんケアセンターについて取り上げています。記事はこちらからご覧いただけます。

以下はノード・アーキテクツによるプロジェクトの解説です。

回復のための場所

背景
がんにかかるのは、まるで終点の分からない旅に出るようなものです。がん患者という新しい立場を引き受け、病気に立ち向かう強さが必要となります。建築物は、病気から回復中の人に良い影響を与えるという研究結果が出ています。ヒューマンスケール（人間にとって快適な空間の規模・物の大きさなど）と温かい雰囲気は、病気からの回復をサポートします。にもかかわらず、ほとんどの病院は快適とは言い難いものです。受付から食堂へと向かう通路を探すだけでも大変な場合もあります。自分たちの病院で人々に健康になって欲しいと願うなら、施設の殻を破って快適なヘルスケア環境を作り出す必要があります。ノード・アーキテクツ・コペンハーゲンの設計したがん患者のためのヘルスケアセンターは、まさにそれを実現しています。

デザインコンセプト
コペンハーゲンがん患者ヘルスケアセンターは、患者に汚名を着せることなくがんの認識を深めている象徴的な建築物と考えられています。センターはたくさんの小さな家を1つにまとめたデザインで、各空間の快適な規模を損なうことなく、最新の医療施設として必要な場所を確保しています。それぞれの家は日本の折り紙のような形の屋根でつながっていて、この建物の特徴となっています。

入口から入ると快適なラウンジエリアがあり、ボランティアスタッフが働いています。ここから瞑想のできる中庭やエクササイズスペース、ヘルシーな料理を学べる共用キッチン、患者グループのミーティングルームといった他の場所へと移動できます。

周辺の様子
この建物はコペンハーゲン市中心部の近く、コペンハーゲン大学病院（Rigshospitalet）と同じエリアにあります。そのため患者は病院での治療の後、ヘルスケアセンターに立ち寄ることができます。道路の反対側にはパヌム研究所（the Panum Institute of Medicine）があります。

クライアント：コペンハーゲン市
場所：デンマーク、コペンハーゲン
建築年：2009-2011年
広さ：2500㎡
予算：5600万クローネ
建築事務所：コペンハーゲン、ノード・アーキテクツ
エンジニア：Wessberg
景観設計：コペンハーゲン、ノード・アーキテクツ
クライアントアドバイザー：Moe og Brødsgaard

メルボルンにあるデザインスタジオのライト・アングルとフールスキャップは、かつてのピアノ工場で、最近までオーストラリアTV放送のチャンネル９の本拠地であった場所に期間限定の食堂やマーケットと映画館を作った。

リッチモンド・ウィークエンダーと名づけられたその場所では、3月中毎週末イベントが開催され廃墟の中庭といくつかの部屋が利用されている。

カフェには廃材、OBS(配向性ストランドボード)や薄い木材で作られたテーブルやベンチが備えつけられ、天井には黄色いケージに入った電球が吊り下げられている。

映画館内では、木枠がフェルトカーペットでくるまれ、快適な座席となっている。

入居期間終了後、デベロッパーであるレンド・リースが一棟のマンションにする予定。

Photography is by Martina Gemmola.

下記はデザイナーからの解説。

リッチモンド・ウィークエンダー

シドニーでのドッグハウスプロジェクトでの成功後、ライト・アングル・スタジオと フールスキャップ・スタジオが再度組み、リッチモンド・ウィークエンダーのコンセプトを具現化しました。

3月の一ヶ月間、急に出現したこの空間は、かねてから周囲の小売業施設と融合した高級マンションを建設中で、この場所の活性化を望んでいたオーナーのレンド・リースの販促により、結果的にエキサイティングで活気のある仮設スペースとなっています。

入居スペースとプロジェクトが仮設的なものであることを表現し、壁には建設と梱包、荷ほどきのアイデアについての参考文献が並んでいます。

映画館の座席は特注で、床にはフェルトカーペットが敷かれゆったりともたれて快適に映画を見ることができます。

OSB（配向性ストランドボード）や廃材はカフェでカフェテリアスタイルの座席とテーブルに用いられています。廃材で出来た映画館スペースの周囲の床には青いゴムのカーペットが敷かれています。

映画館には天井から落ちてきたような青い幾何学的なブロブの装飾が土のような香りを漂わせ、さらに五感を呼び覚まします。

映画館の外壁には植物を入れる小さなポケットがついたへシアン（厚手の荒い麻布）がかけられています。

デザインディレクター：Adela Winteridge
インテリアデザイナー：Linda Raimondo
インテリアデザイナー：Kate Archibald
学生インテリアデザイナー：Natalie Ailima

四角い木製ブロックで装飾された壁を前にあかりの灯ったビンが吊り下げられている。ブロックは昔ながらの肉屋のまな板に似せてデザインしたもの。

木製のテーブルの周りにミスマッチなイスがたくさん並び、グレーのタイル張りのバーカウンター前にはスツールが並ぶ。

最近のDezeenで、意図的にミスマッチの家具を使ったレストランを取り上げました。同じ家具や陶器類が2つとないレストランについての記事はこちらをクリック。

写真撮影：Vangelis Paterakis

以下はK-studioによる解説です

barQue

barQueはNea ErythraiaのHarilao TrikoupiとStrofiliouの角にあります。

焼いたお肉の周りを料理がまわる。これがデザインとブランディングコンセプトの出発点でした。

バーベキューは社交的な場ですから、開放的なキッチンを設計して、シェフの動きが食事の楽しみの一部になるようにしました。調理台の前にも何席か用意されていて、そこで食事することもできます。

バーベキューグリルを思わせる鉄格子はつり天井となって、天井の高さを強調し、空間にダークな重厚さを演出しています。

ダイニングエリアの内装と外装の統一感を邪魔しないように、昔ながらの肉屋のまな板の象徴としてのパイン材ブロックの装飾が施されています。

木製のブロックの装飾の輝きは様々な木製家具や大きなガラスビンのシャンデリアと組み合わさって空間に温かな雰囲気を与え、粗い黒鋼の天井とオープンキッチンからのグリルの炎とバランスを取って、柔らかく繊細な質感を作り上げています。

DGGDとのコラボレーションによるブランディングでは、ブランド肉を吊るすために使用する器具からレストランのロゴデザインに至るまで同じフォントを取り入れ、この雰囲気を完成させました。"Taste the Fun（楽しみを味わう）"という標語のネオンを見れば、バーベキューが社交的な場であり、品質の良い肉を調味してグリルし頂くことは祝うべきことだと皆さんに思い出して頂けるでしょう。

建物名：barQue
建設場所：アテネ、Nea Erythraia
設計：K-studio
ブランディング：DGGD、K-studio
照明：Halo
現状：2011年完成

シンガポールとバルセロナに拠点を置くデザイナーチーム、Outofstockは、今月のシンガポール国際家具見本市の開催期間中に、しわを寄せた銅と苔から作られた浮遊する島を紹介した。

ジョナサン・スウィフトの「ガリバー旅行記」に出てくる架空の浮遊する島、ラピュータに着想を得たこの物体は、都市の中央通りに設置されたタイベックのテントの中にある、「ワークショップギャラリー」と呼ばれる彼ら独自のショーケースに展示された。

苔は、都市の片隅にある木の幹や排水溝など、あまり人目につかず気づかれないような場所で採取された。「作品の意図は、 来場者達に間近でこの苔を観てもらい、私達の目に触れないところで育っている自然を認識してもらうことです。」と、Outofstockのガブリエル・タンは言う。

Dezeenに掲載された、Outofstockによる他の作品はこちら。

写真： Ng Xin Nie

以下、Outofstockからの更なる詳細。

思索的な空間、あるいは自己の内面への旅。私達が作った架空の風景は、ありふれた都会の日常からの逃避をもたらす。

この作品は、「ガリバー旅行記」に登場する、教養のある数学者や天文学者、音楽家達による小さな文明社会によって作り出された架空の空飛ぶ島、ラピュータにインスパイアされている。街の中心部に設置することで、ラピュータは、その比喩でもあった近代都市と並びあうことになる。私達は、物質や情報で溢れかえった社会に生きている。欠陥のある価値基準システム、終わりの無い物質の追求、無秩序な音や映像の氾濫。もしかすると、ますます不合理さを増してゆく現実のなかで、最終的に意味をなすのは、このような架空の風景だけなのかもしれない。

吊り下げられる作品はすべて、それぞれ特有の形を持ち、しわをつけていくことで多くの断面や「非統一性」が生まれるほど、ミニチュアの丘陵や渓谷に、驚くほど類似していく。銅は加工を施していないので、自然の要素によって変質し、さびなどの変化も生じる。このようにして、銅と苔の双方は、お互いに並んで絶えず成長し続ける。

ワークショップギャラリーは、Outofstockによって、彼らのハンドクラフト作品への情熱を捧げるための場として創設された。

美術家ブルーノ・ムナーリは、かつて言った。「もし、我々が日頃使うものが芸術を伴って作られていれば、また偶然や気まぐれの寄せ集めのようなものでなければ、私達には隠すものなど何もなくなるだろう。」ワークショップギャラリーは、私達が日常の中で長い間失っていた芸術へのふれ合いを、再び取り戻させるような作品を私達に届けようと、熱意を持って取り組んでいる。

この円柱型のセンターと同じ場所でローマ軍がガリア人連合軍に対して歴史的な戦いが行われました。木製の外観は、かつてこの近くで建設されたであろう木材の要塞を引用しています。

第二の博物館の建物は、対比的に石で覆われており、戦場から１キロメートル離れた場所に建設されています。この２つの建物が一緒になり、アレシア博物館複合施設が成立します。

ビジターセンターの内部にある展示物では、アレシアの戦いと戦後を表現しています。一方、第二の建物では、この場所から発掘された遺物が展示されています。

ビジターセンターの庭にある芝生と屋根を覆う木材、そして訪れる人たちに身近にしています。

ベルナール・チュミに関するDezeenの記事はこちらをご覧ください。a bright red pedestrian bridgeの記事も掲載されています。
上部の写真はChristian Richters撮影です。下部の写真はIwan Baan撮影です。

ベルナール・チュミからのメッセージは以下のとおりです：

アレシア博物館開館への第一段階として

この博物館の一部はベルナード・チュミによりデザインされました。アレシアの戦いが行われた歴史的な場所の資料館が２０１２年３月２３日に公式オープニングの式典が行われます。

フランス、ブルゴーニュに位置するこの建物はユリウス・カエサルが指揮するローマ軍の陣地にあります。そして紀元前５２年、この場所はベルキンゲトリクス率いるガリア人連合軍を包囲しました。この建物は３月２６日に一般公開の予定です。

チュミのデザインの特徴は円柱型の建物で、外部を覆っている木材です。この木材はアレシアの戦いのとき、ローマ軍の要塞として作られたものを引用しています。要塞の一部はこの建物から歩いてすぐの場所に再建されています。

この建物の天井は低潅木と低木が植えられており、建物の視覚的な印象が上の丘（ガリア人軍の歴史的な陣地）から見たときに最小限になるようにしています。

この建物の物質性と持続可能性の要素が意味するのは、訪れた人が周囲の景色に気づいてもらうことにあります。この景色が2000年前のように現れることです。

第二の建物はガリア人軍の陣地である丘の上にあります。同じような形状はしていますが、石に覆われています。堀で囲まれた場所を呼び起こします。


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資料館にはアレシアの戦いと戦後に関する展示と、その状況に応じて双方向性のディスプレイが含まれています。

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展示物は博物館よりより広い人にまで行き渡るようにしています。総ての年齢層のメディアやプログラムが含まれています。

第二の建物はより従来の博物館としての役割を担い、この場所から発掘された遺品や発見された物を展示する予定です。第二の建物は２０１５年に完成する予定です。

ロンドンのThe Print House Galleryにて、ハックニーに活動拠点を置く写真家、カーチャ･メイヤー氏とアートディレクター、ピーター･チャドウィック氏によるペイントボールの煙に包まれた廃棄車両や廃墟と化した建物をテーマにした共同写真展がオープニングを迎えた。

山中に広がるペイントボール競技場にて撮影された写真の数々。ペイントボールに興じるプレイヤー達は、廃棄された車両や廃墟と化した建物を隠れ家として用いる。

写真展が開催されるハックニー地区には、2012年ロンドンオリンピックのための5ヶ所の競技会場のうちの1つがあり、”Dezeen”のオフィスもある。そこで、今週から、ハックニーでデザインされたクリエイティブなプロジェクトを紹介していこう --- 一部の記事はこちらから

以下、The Print House Galleryからの説明。

「Days Lost / 忘れ去られた日々」

The Print House Galleryにて、ロンドン初のカーチャ･メイヤー氏とピーター･チャドウィック氏の共同写真展「Days Lost / 忘れ去られた日々」を開催できますことを光栄に存じます。

今回の写真展では、煙に覆われ廃墟と化した名もない建物や廃棄車両が生み出す仮想の世界 -- 「美しさ」と「危うさ」が共存する世界 -- が描かれています。その2つの要素は、人間と、自然や誘惑、さらには、不気味な静けさに内在する恐れとの関係性にも見て取れます。リアリティとフィクションの境界が曖昧ゆえ、フレームの枠を超えた壮大なストーリーが広がります。おどろおどろしい色の煙のみが、その場に人間がいたことを物語り、写真に宿る喪失感を深めるのです。

カーチャ･メイヤー氏はドイツ出身でロンドンを活動の拠点に置く写真家 兼 アーティスト。最近、ロンドン･カレッジ･オブ･コミュニケーションにてフォトグラフィーのMAを取得。ピーター･チャドウィック氏は、ロンドンに生活と仕事の基盤を置くイギリス人アートディレクター 兼 グラフィックデザイナー。現在、チェルシー･スクール･オブ･アートにて教鞭を執っている。サンダーランドのノーザン･ギャラリー･フォー･コンテンポラリーアートにて開催されたグループ展”The Wonders of the Visible World”において、２人の共同プロジェクトが発表された。

写真１枚１枚に、”Dazed Digital”と”AnOther Magazine”でアートディレクターを務めるジョンポール･プライヤー氏によるフィクショナルなメッセージが添えられています。

チリのスタジオElemento Diseñoが手掛けたこのコーヒーテーブルは、一枚の合板を使用しており、テーブルの脚は合板の角を切り取ったパーツで出来ています。

V字型をした脚2本を十字型に組み合わせてテーブルの中央にはめ込みます。そのため、ノリを使わずに全てのパーツを組立てることが出来ます。

テーブルについてのDezeen記事はこちらからご覧いただけます。

以下はバルセロナのブランドQuattariaによる詳細の解説です。

コーヒーテーブルの合板は白く塗られています。注目すべき点は、板1枚で出来ていて、組立が簡単なようにあらかじめカットしてある点です。

コーヒーテーブルVICの最大の意義は環境パフォーマンスです。製造段階で無駄が殆どなく、全てのパーツを使用して調和のとれた全体を形作るのです。

VICは道具を使わずに組立てられます。

隈研吾氏の設計したスターバックスの話題は評判となりましたが、それに続き、一大コーヒーチェーンがアムステルダムの歴史ある銀行の金庫室の中に完成させたコンセプトストアをご紹介します。

デザイン・ディレクターのリズ・ミュラー（Liz Muller）は地元のアーティストと職人のチームを集め、リサイクル品のオーク材家具やアンティークのデルフトタイル、中古自転車のタイヤのチューブを再利用した壁のデコレーションといったインテリアを作り上げました。

1800以上の木製ブロックは波がうねったような天井を作り出し、金庫室の大理石とコンクリートの床は修復されてそのまま使用されています。

ベーカリーコーナーはお店の後ろ側に設置され、一段高くなったステージは音楽のライブや詩の朗読などのステージとなります。

写真撮影：Rien　Meulman

隈研吾建築都市設計事務所が手掛けたスターバックスについての記事はこちらからご覧いただけます。

以下はスターバックスによる解説です：
スターバックスコーヒー 体験「ラボラトリー（＝実験室）」アムステルダムに新たなコンセプトストアを開店。

スターバックスは、あと数週間でアムステルダムに新しいコンセプトストアを開店します。地元のデザインをふんだんに盛り込んだこの店には‘スロー’コーヒーシアターがあり、多目的スペースや焼き立てベーカリーがあります。スターバックス‘The Bank’ではスターバックスの未来のビジョンを垣間見ることが出来るのです。

過去数年間スターバックスはコーヒーや商品の最高品質を高めようとあらゆることをして来た一方で、ひそかにコーヒーを飲む雰囲気の見直しを進めていました。シアトルやニューヨーク、ロンドン、パリ、そして今回のアムステルダムと、スターバックスは米国と欧州でユニークでとても個性的なコンセプトストアをこっそりと展開しています。

スターバックス　The Bank 

有名なレンブラント広場に建つ歴史ある銀行の430㎡の地下金庫室という空間に作られたこの新しいお店は、スターバックスにとってこの3年間で世界で9番目のコンセプトストアとなりますが、公に「ラボラトリー」と呼ぶ初めての店舗となります。広々とした美しい店舗はオランダの文化と伝統に影響を受けており、‘The Bank’はスターバックスがどれだけ革新的であるのかというレベルを引き上げて行くでしょう。

ラボラトリー（実験室）

これまでに培った進歩的という評判を考えれば、アムステルダムは新しい物事を試すのにもってこいの場所かもしれません。スターバックス‘The　Bank’は、‘スロー’コーヒーシアターで革新的な方法で抽出したコーヒーの試験センターとして機能し、欧州大陸の他のどこでも飲むことのできない希少なコーヒーを提供する予定です。また欧州で初めてとなるClover®という抽出システムのお披露目ともなります。Clover®はエスプレッソマシーンの登場以降、コーヒー抽出における最大の革命の一つです。スターバックス The Bank は、店内で焼き上げるパンも含め新しいフードコンセプトも掲げています。The Bank で上手く行ったことは、他の欧州各国でも道が開けていくことでしょう。

リサイクルされる‘超’地元デザイン

すべてのスターバックスのコンセプトストアと同じように、アムステルダムの店舗は急進的美意識の出発点となります。スターバックスのコンセプト·デザイン·ディレクターであるオランダ生まれのリズ·ミュラーの指示の下、35名以上のアーティストや職人が風変わりな地元のデザインの雰囲気と持続可能な素材で地下空間を装飾しています。地元のデザインとは、アンティークのデルフトタイル、自転車のチューブに覆われた壁、木製のジンジャービスケットの型や麻のコーヒー袋、そして‘入れ墨’の入った‘デルフト陶器’の壁画などです。壁画では、世界中のコーヒー輸出に重要な役割を果たした17世紀のオランダ商人に焦点を当てています。

そしてすべての設計や施工は、環境への影響を軽減するため持続可能な建築ガイドラインLeed®に厳格に従い、一方でデザイナーたちはリサイクルされたデザインをまとめるため、あらゆる手を尽くしました。1920年代の金庫室のコンクリートと大理石の床も再利用していて、店舗全体は、ベンチやテーブル、そして1876個のブロックで出来た起伏のある天井のレリーフ など、オランダのオーク材を再利用して飾り付けられています。また、スターバックスのハウススタイルからの大きな変化としては、地元の学校から貰って磨き上げた様々な種類の椅子やスツールがあります。

街のホットスポット

窓際の席にはクッション、部屋の中心に置かれたオークのテーブル、そして段差のあるスペースは、地元のバンドや詩の朗読、その他の文化活動のステージとなります。The Bank はアムステルダムの中心にある文化の中心的スポットと位置づけています。歩いて数分の距離には文字通り何千人もの人々が暮らしていて、この店はソーシャルメディアを遊び心たっぷりに利用して、タイムリーな情報を発信する予定です。例えばベーカリーは「焼きたてクッキー」がオーブンから出てくる時間をツイッターでつぶやくことにしています。

ロンドンのデザイナー、ドミニク・ウイルコックスは、時計の針にのせたミニチュアの人物彫刻のシリーズを、抗議活動や監視社会等の問題に取り組む3種類の新作と共に展開している。

“愛と抗議”（写真上）では、抗議者と兵士がキスをしながら抱き合い、文字盤の上方に伸びる折曲がった秒針に乗って、永遠に回り続ける。

“カリフォルニア大学デービス校でのデモ”（写真上）は、抗議者達の円陣が、巡回の警察官によって催涙スプレーを吹き掛けられている場面を描写している。一方、”キャプチャー”（写真下）では、沢山の監視カメラが、写真やビデオを撮っている3人の姿を捉えている様子を表している。

これら3点の新しい作品は、同シリーズの他の4点の作品と共に、ロンドンのPhillips de Puryに陳列されている。

このシリーズの最初の作品は、昨年Dezeenの依頼を受けたもので、そこには、略奪者がテレビを抱えて走り去るのをただ立って見ている機動隊の警官や、肉屋が宙に浮いている豚を殺すのを止めようとしている少女の作品等があります。全ての作品を見るのはこちらから。

ドミニク・ウイルコックスが、Dezeen Screenでプロジェクトについて語っている映像をご覧ください。以下の文章は、Wilcoxから。

写真上：”カリフォルニア大学デービス校でのデモ” 2011年。権力の立場にある者が、それを乱用し、人間性を失ってしまった時が恐ろしいのだと感じます。私は、カリフォルニア大学デービスで、平和的に座り込みをしているデモ参加者が催涙スプレーを受けている場面の映像を観て、ショックを受けました。私は、この事件をすぐに作品に取り入れなければと感じました。

写真上：”愛と抗議” 2011年。近年行われている非暴力デモでは、武力での鎮圧に対して、抗議者と兵士がキスを交わします。

写真上：”気にかけず快適に” 2011年。ここには、杖をつき、沢山の荷物を抱えてぐるぐると歩き回っている年配の女性に席を譲ることをしない2人の人物がいます。

写真上：”ビューティフルゲーム” 2011年。フットボール選手が、彼の気を引こうと争っている、3人のパートナー候補（WAGs）達に向けて、ポンドの記号 (£)を象ったトロフィーを高々と掲げています。

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日本に拠点を置くトラフ建築設計事務所が手がけたこのデスクは、まるでドールハウスのよう。壁には小さな窓が設けられ、内側にはペンダントランプが吊るされている。

自分だけの空間に身を置き作業に集中したい時は、小窓を閉めきるとよい。開け放つと、棚としても利用できる。

天井には、鉢植えをはめ込める穴が開いている。揃いのスツールの座面の下には収納スペースがある。

「コロロデスク」は、化粧板メーカー‘伊千呂’が自社製品のポリエステル化粧板を紹介するために制作された。

これまでのトラフ建築設計事務所に関するdezeenの記事はこちら

トラフ建築設計事務所からの説明は以下のとおり。

「イチロのイーロ」シリーズは、化粧板メーカー‘伊千呂’のためにデザインされた家具です。

‘伊千呂’では　ポリエステル化粧板に使用する塗料を自社で製造しています。お客様のご希望にきっちりと沿えるよう、一枚のご注文からカスタムメードの色づくりを行っています。

「イチロのイーロ」シリーズのコンセプトは、“自分らしくあるための道具”。“イーロ”はエスペラント語*で「道具」を意味します。

シリーズ最初のアイテムは、「コロロデスク」と「コロロスツール」。

“コロロ”という言葉もエスペラント語です。意味は「色」。‘伊千呂’が得意とするポリエステル化粧板の発色の良さを最大限に引き出しています。

ゆるりと和める巣箱のような「コロロデスク」

「コロロデスク」にはいくつかの窓がついています。解放感を味わいたい時は、どうぞ窓を開け放ってください。閉めれば、誰にも邪魔されない小さなプライベート空間に早変わり。

照明をつけたり、鉢植えを飾ることも可能。小物を置く窓、バッグをひっかけるフック、パソコンを使うとき便利なコードマネージャーも備わっています。

お父さんの書斎でも、子供部屋でも、趣味のスペースでも、どこででも、あなたのお好みのスタイルにアレンジできる「コロロデスク」。

収納力のある「コロロスツール」

「コロロデスク」と揃いの「コロロスツール」は跳馬のような形をしています。柔らかなクッションの座面の下には、おもちゃや雑貨などを収納できるスペースがあります。

*エスペラント語は、世界中の人々が互いに円滑にコミュニケーションをはかることを目的に考案された国際共通語。

今月、Dezeenの読者の意見が分かれたのは、公開してあるWikiGlasses made of 18mm plywood（写真右上）についてでした。ここにメガネとサングラスに関しての最も読まれている記事をまとめました。

ポールポジションにあるのは水牛の角でできたサイアーグラスです。読者は「素晴らしいのと同時に憂慮すべきものです」という表現をしました。

第２位は、 W-eye 読書用メガネです。木とアルミニウムの層で出来ていて、蝶番を使っていません。

ロイヤル・カレッジ・オブ・アート卒業のマルクス・カイザーの作品が第３位です。砂漠でできた日除けで、太陽光の焦点を合わせることによりこの材料を切断しています。

４位は イヴ・ベアールの VerBien range of spectacles（メガネのよく見る範囲）で、このメガネはメキシコの子供たちに無料で配布されます。

５位になったのは今月、物議を醸したLynton Pepperの WikiGlassesです。こちらを読んで、どのように思うかお伝えください。

６位には、この生物分解ができるStudio Swineによる人間の髪の毛でできたフレームです。

次がこの チタン１枚でできたフレームです。ネジも、留め金も、蝶番も使っていません。アイスランドのメガネ会社であるReykjavik Eyesが制作しました。

アイスランドから更にもう１作品です。この手作業で切ったカラーラ産の大理石で出来た日除けです。スルリ・レヒト製作の作品です。

今月のトップ１０で、最後から２番目にあるのはＢＣＸＳＹ製作の薄いプラスチックをアコーディオンのように折りたたんだ日除けです。

そして最後の１０位はビーズ製の日除けでThorunn Arnadottir制作のものです。この特徴は、この日除けを着けている人をスマートホンで撮影したら、ＱＲコードにより写真かとつながり、寄付をすることになります。

その他のDezeenのTOP10記事は、こちらをご覧ください »

グルジアとイギリスに拠点を置く建築事務所、Architects of Inventionによって改装された、グルジアのオリンピックミュージアムにあるこのメイプル張りの階段は、フロアの間をねじれ、回転するような形になっている。

設計者は、 4階建の建物の内部の壁に穴をあけ、展示室と他の階の部屋とを繋ぐ階段を新しく設置した。

モダンなデスクは改装の一部に加えられ、２つに見える大きな亀裂が特徴だ。改装の一環として受付のデスクも新設された。それには、まるでのこぎりで2つに切られたような大きな裂け目が入っている。

Dezeenで紹介した、グルジアでのプロジェクトには他に、「ふしの多い観測タワー」や「新国際空港」等がある。

その他の階段に関する記事はこちらから。

写真： Nakanimamasakhlisi Photo Lab、Nika Mdivani、I. Kopocova

以下の文は、 Architects of Inventionによる。

ナショナル・オリンピック・コミッティーハウス
2011年 グルジア、トビリシ

このプロジェクトでは、抽象的な印象を与える受付のテーブルや階段等が組み合わさることで、スポーツのもつダイナミクスのような概念を表現している。

まず最初に遭遇するものは、内省的なイメージの、端から端へ亀裂の入ったデスクで、そして次に、外向的な印象を持った階段に出会う。 それはまるで、オリンパスへ通じる道のようで、そこは頂点に立つ者が自分自身と向き合う場所であり、 終わることのない挑戦や、人が成し遂げることに限界のないことを暗示している。

この建物は、19世紀末に個人投資家によって建てられ、その後は共産党の指導者達の邸宅として利用された。

後の1960年に政府によって修復され、今年まで手つかずのまま保存されてきた。

建物は基礎の部分が補強され、それによって、 このプロジェクトで重要な開口部を上層階の壁の中に設け、ひとつの場所から他のスペースまで、 まるで建物を貫くように移動できる為の階段を設置することが可能となった。

階段は、鋼鉄のベースにMDFパネルを用いて建設され、メイプル張りで仕上げられた。ステップとサイドの手すりも同じ木材で作られた。

階段は、3ヶ月をかけて完成した。

プロジェクト−オフィスビル内装
状態−竣工

場所− Machabeli 通り22、トビリシ、グルジア
計画−オリンピックミュージアム、 Geonochオフィス

建築面積―3000平方メートル
予算-100万 USドル

協力： Niko Japaridze, Gogiko Sakvarelidze, Nika Maisuradze, Dato Tsanava, Viliana Guliashvili, Ivane Ksnelashvili, David Dolidze, Soso Eliava, Devi Kituashvili PM, Eka Japaridze

もし、どういうことかカップの底で絵を描きたくなったら。後藤史明は鉛筆の芯を作るのと同じ、陶器とグラファイト（黒鉛）の組み合わせでこの器を制作した。制作は泥、グラファイト、水を混ぜたものを型に流し入れ、炭の中に一部を埋め込んで焼成するという工程で行う。

焼成中、一番上の部分は空気に触れるため白くなり、下の部分は空気に触れないため鉛筆の芯になる。

グラファイトの段階的なグラデーションで、白い上部を持つことで手を汚さずに底のとがった部分で線を描くことができる。小さなスタンドがついており、黒い粉を撒き散らしたり黒く汚さずにおくことができる。

陶器について他の記事も見る

下記は後藤史明による説明
鉛筆の芯は陶器の一種

これらの器は泥しょうにグラファイト（黒鉛）を混ぜ高温で焼成することで出来ていて、鉛筆の芯と同じ技法で作られています。そのため陶器であると同時に描くための道具でもあるのです。

特殊な方法で焼成のため普通の白い陶器の部分と鉛筆の芯になる黒い部分が出来、白と黒の混ざったグラデーション部分にはその両方の特性があります。器の白い部分を持ち手を汚すことなく鉛筆として使うことができます。

隈研吾建築都市設計事務所は、スターバックスのコーヒーショップを日本の太宰府にある神道の神社に近づける形で組み込みました。

この店舗のインテリアである２０００以上の木のバトンが、埋め込み式のガラスのファサードから斜めに織り上げるようにして格子模様が飛び出ているような感じを作り出しています。

この店舗の看板は梁の中央に位置しています。一方で葦を植えて「ここが入り口です」と分かるようにしています。

隈研吾建築都市設計事務所によるプロジェクトに関するDezeenの記事はこちらをご覧ください。イギリス、スコットランドにおいてV&A at Dundee国際設計競技で一等となった記事はこちらをご覧ください。

写真撮影：西川公朗

隈研吾建築都市設計事務所からのメッセージは以下の通りです：

スターバックス　太宰府天満宮表参道店

このスターバックスの建設地は、ともかく特徴的なのです。日本の有名な神社の１つである太宰府天満宮への表参道にあるのです。創建９１９年、「学問の神様」として信仰され、成功を望む人達が１年に約２００万人、この神社を訪れます。

表参道沿いには、伝統的な平屋や２階建ての建築があります。このプロジェクトの目的は、このような景観に溶け込んだ建設物を作ることです。細い材木を織物のように斜めに織り上げるというユニークな方法を使っています。

この建物は2,000の小枝のような部分で出来ています。サイズは1.3メートルから4メートルの長さと、6メートルの部分もあります。小枝の長さを合わせると、4.4キロメートルの長さになります。

小枝を織り上げるという方法はChidori（チドリ）とGCプロソミュージアム・リサーチセンターで既に試してみました。今回は斜めに織り上げ、方向性と流動性の感覚を起こしてみました。

ChidoriとGCでは３つの枝が一つのポイントで交わっている一方、スターバックスは斜めに織り上げているため４つのステップが一つのポイントで交わるようになっており、より複雑になっています。支点となる位置を少し変化させ、４つの枝を２つの組み合わせに分けて、一つのポイントで交わらないようにすることで、この問題を解決しました。

地上から細かく積み上がっていくという方法は、日本や中国の伝統的建築において高く発展してきました。今回は、この方法を最先端技術と組み合わせて大きく改良しました。このことによって、人々は建物の奥に引き込まれます。ここは流動性のある、洞窟のような空間なのです。

所在地：福岡県太宰府市宰府3-1196-11
依頼者：Manten Corporation
工事の種類：新築
建築目的：コーヒーショップ
設計・監督：隈研吾建築都市設計事務所
建築材：木材
階数：１階
敷地面積：436.71㎡
建築面積：212.98㎡
延床面積：210.03㎡
天井の高さ：１階　４m
最大高：5.06m
構造：佐藤淳構造設計事務所
設備設計：トーセイ株式会社、株式会社九電工
施工：株式会社松本組
照明：岡安泉照明設計事務所
設計期間：2011年1月～2011年8月

フランスの建築家集団Agence Searchがパリのショッピングモールのために手がけた巨大な楕円体の格子造りのデザインがコンペで優勝を果たした。

ショッピングセンターの両端にそれぞれ１ヶ所ずつ設けられた建物5階分の高さで卵型の構造をしたアトリウム(吹き抜け空間)。

エスカレーターと連絡通路は、宙に浮いた構造物の表面上にある穴を突き抜けている。

建築家 エティエンヌ･ルイ･ブーレー氏が、科学者 アイザック･ニュートンのために200年以上も前にデザインしたコンセプチュアルなニュートン記念堂からインスピレーションを得た。

最近のDezeenの記事、波打つ石のサファードが特徴的なショッピングセンターはこちらから

Agence Searchからの説明は以下のとおり

Agence Searchは、今後新しく生まれ変わるBeaugrenelleショッピングモールのためのインテリアデザインのコンペで優勝しました。激しさが増す現代の競争社会において、「建築」は商業的成功をおさめる鍵となります。「建築」には、買い物環境を非日常感や特別感で彩る力があるのです。空間そのものにブランド力が宿っています。コンペの課題は、Beaugrenelleショッピングモール内の2ヶ所のアトリウムを”Wow効果”あふれる空間へと変化させることでした。

アトリウムエントランスへの流れ

アトリウムのエントランスには素晴らしい演出が施されています。買い物客は、アトリウムの大きさと個性的で堂々とした空間に圧倒されるでしょう。ファサード地点から既に視野に入る建物中央部の格子造りの構造物は、客の関心を引きつけます。建物内に足を踏み入れると、客の視線はまず天井のライトや上の階の店舗へ向けられ、その後、下のフロアのイベントスペースへと移ります。初めてこの建築を目にする人は、概念的な宇宙、環境、独自性を表現したこの建物のスケールをも上回る鮮烈な印象を抱くでしょう。

格子造り

格子造り構造は、建物の中央部を定義し構造内部に人を保有する「包み」のようなものです。その構造によって、既存の建築には手を加えずインテリアを変化させることが可能となりました。木の格子造りは、「ぬくもり」「律義さ」「優雅さ」を演出します。

インターネット取引

改築が買い物スタイルに対して大きな影響力を持っているということを踏まえて、新生Beaugrenelleショッピングモールのインテリアプロジェクトは進められました。インターネット取引が台頭する昨今、ショッピングモールは、その存在感を固持するため、独自性と個性を前面に打ち出していかなければなりません。「買い物は楽しむもの」というムーブメントのなか、店側は商業スペースをエンターテイメント性の高い場に変換させ、客に楽しい空間を提供することが不可欠です。２つのアトリウムを結ぶ連絡通路が加わることで、マルチメディアプログラムやレクリエーション行事開催のための新たな空間が生まれます。

Wow効果

Beaugrenelleショッピングモール内の２ヶ所のアトリウムから”Wow効果”が生まれます。クライアントの要望に応えるため、広がり感のある独創的な空間を設けました。買い物客はこの個性的な建築に魅了されるでしょう。

食品のつぶやカケラをお皿に乗っければ、食品をクレーンやフォークリフト、トラックで持ち上げたり、陸や海や空を運んだりしているような絵が完成です。

ポーランドのデザイナーBoguslaw Sliwinskiは陶磁器のお皿をデザインし、直径20センチまたは26センチのオーダー用に製作しています。

食器についてのDezeenの記事はこちらからご覧いただけます。

以下はSliwinski氏による簡単な紹介です。

朝ごはんのお豆はいくつ食べるかな？貨車2個分ね、ママ！食品が楽しいものになるという事実は、最初から分かっていました。

赤ちゃんがそれを一番よく知っています。そこでポーランドのデザイナー・Boguslaw Sliwinski がデザインしたBSトイ・プレートの登場です。

オーダーにより直径20.5センチと26センチのお皿を、自然由来で環境に配慮した原材料を使用し、800℃以上の高温で焼き上げて製作します。

完成すると、波形にうねったガラスの外観と宙に浮いた球体の周りに3つの劇場が出来ます。

3つのホールのうちの1つ“プロセニアム・プレーハウス（劇場）”は丸い形をしていて、ほんの少し非対称のグランド・シアターと繋げて長さ60メートルの舞台のあるホールにすることも出来ます。

2015年の開業を予定しています。

OMAは2009年にデザインコンペを勝ち抜きました。当時のDezeenの記事をご覧いただけます。

以下はOMAからの情報です：

台北の新しいスーパー・シアターの建築が始まる

本日、台湾の台北にOMAが設計した台北芸術センター（Taipei Performing Arts Center=TPAC）の建設が始まります。馬英九総統は郝龍斌台北市長、地元のデザインパートナーであるArtech建築事務所とともに着工式に出席する予定です。TPACは新タイプのホールで60メートルの舞台のあるスーパー・シアターがあり、とても柔軟で素晴らしく、都会的な建物と密接につながっています。

1500席の劇場1つと800席の劇場2つで構成されるTPACのデザインは、劇場内での働きを調査した結果がもとになっています。各劇場は波形のガラスに囲まれた中央の金属の立方体につながるかたちを取っていて、舞台裏と機械設備を共有しています。3つの劇場のうち2つが60メートルの舞台をもつスーパー・シアターと繋げて、新たな芸術の実験の場になります。中央の立方体部分が宙に浮いているので、建物の下や建物内部に道路を通すことが可能です。それによって、普段は目にすることが無いリハーサルの風景や技術設備といった舞台裏が見える場へと人々を引き込みます。TPACは、もっと幅広い人々を舞台芸術に誘うと同時に、演劇製作の新しい要素を観衆に体験して貰うことを目指しています。

OMAのプロジェクト主任パートナー、レム・コールハース（Rem Koolhaas）とデイビット・ジアノッテン（David Gianotten）は、マネージング・パートナーのVictor van der Chijsとともに着工式に出席する予定です。また、副主任のアダム・フランプトン率いるTPACチーム全員も着工式に参加する予定で、Artech建築事務所の創設者である建築家のクリス・ヤオ氏、シニア・パートナーで建築家のウィリー・ユー、そしてArtechチーム一同も参加します。

「劇場の柔軟に変えられるので、想像もつかないシナリオや常に刺激的な演劇的実験が可能になります。」とレム・コールハースは語っています。

「TPACは、公演のためのスペースを提供するだけでなく、舞台裏の一部を人々に見せることによって、幅広い人々との関係を築きます。一般の人々は、芸術製作と新しい演劇体験を垣間見ることができるのです。」とデイビット・ギアノッテンは言います。

「デザインの前提は、単なるパーツに組み合わせ以上に3つの劇場を組み合わせることです。同様に、台北市、海外や地元の建築家、エンジニア、そして専門家の間でのコラボレーションが、個々の潜在能力を超えた総合的な結果を生み出しました。」と副主任のアダム・フランプトンは言います。

OMAは、世界24カ国からの135件の応募を破って、2009年1月に台北芸術センターのコンペを勝ち取りました。プロジェクトは2015年の完了が見込まれており、推定建設予算は推定5.4億台湾ドル（約1万4千ドル）を予定しています。

現在、香港と北京のOMA事務所は、北京のCCTVの新本社と深セン証券取引所の今年中の完成に向け監督しており、香港の珠海学院は2013年に完成する予定です。

Stockholm 2012: スウェーデンのデザインチームForm Us With Loveは今週のストックホルムデザインウィークの一環で5つの新プロジェクトをスウェーデン建築美術館で発表している。

展示作品は新ブランドのOne Nordic Furniture Company(Dezeenでの記事はこちら） からベント・チェアと、デザインハウス・ストックホルムのペンダントランプ、スウェーデンのブランドAbstractaの間仕切り、スウェーデンの事務所Ateljé Lyktanの照明、 スペインの会社Cosentino Silestone の花瓶となっている。

ストックホルムデザインウィークは２月１２日まで開催中。Dezeenでの全関連記事はこちら。

Photos are by Jonas Lindström.

以下はForm Us With Loveからの詳しい解説。

Form Us With Friends 2012
Form With  Loveは連続3年目となる今年の展覧会のコンセプトであるForm  With Friendsをストックホルムデザインウィークの期間に 展示する。今年のForm Us With Loveは建築、フォルム、デザインの中心であるスウェーデン建築美術館と協力し、ストックホルム中心部にあるシェップスフォルメン島でユニークな展覧会を創りだした。

Form Us With Loveはこの展覧会で、新作の背景にあるクリエイティブなコラボレーションにハイライトを当てたいと考えている。

一年間の集中した制作により、照明、家具、オブジェの個々に特化した分野に新しい次元を加えることとなった。今回の展示はそれらのプロジェクトの背景にあるストーリーとプロセスに焦点を当てている。

Form Us With Loveは以下の５つのメーカーとの新しいデザインを展示している。Abstracta（スウェーデン）のプラッド・ディバイダー（間仕切り）、Ateljé Lyktan （スウェーデン）のプラグ・ランプ、デザインハウス・ストックホルム（スウェーデン）のフォルム・ペンダント、One Nordic Furniture Company（フィンランド）のベント・チェアとテーブル、Cosentino Silestone（スペイン）のスラブ・ベースである。

Dezeenプロモーション：世界最大の北欧デザインのイベント、ストックホルム家具＆照明フェアが2月7日から11日に開催されました。

画面一番上：Beyond Couture by Fredrik Färg
上：Sketch for the Hello! exhibition by Monica Forster

およそ750の出展者が参加し、新しい家具、インテリア雑貨、照明器具がストックホルム・メッセ展示場に展示され、また街中60箇所以上でサテライトイベントが開催されます。

上：lounge by Inga Sempé

今年の特別ゲストはDezeen Wireでもお伝えしている通り、フランスのデザイナー、インガ・サンぺ（Inga Sempé）で、展示場入口のラウンジも彼女が手掛けます。

上：Beyond Couture by Fredrik Färg

若きデザイナーFredrik Färgはレタス、石、動物、テキスタイルをモチーフとしたBeyond Couture という名のバーを制作します。一方、円を基調とした今年のデザインバーはLina Nordqvist が手掛けています。

上：Greenhouse by Jens Fager

Dezeenは来週ストックホルムからレポートをお伝えしますので、是非こちらのページをチェックして下さい。昨年のストックホルム・デザイン・ウィークについてはこちらからご覧いただけます。

クリックして拡大画像を表示

以下は主催者からの情報です：

超満員の北欧の首都のデザイン・ウィークへようこそ！
北欧家具と照明デザインに出会える、第61回目を迎える世界最大級の祭典への扉を開く時がやって来ました！

ストックホルム家具＆照明フェアは、これまで同様、約750の出展者（そのうち8割は北欧から出展）が参加して最新のアイテムを発表し、来場者も多数訪れる展示会となります。展示ホールには、家や公共スペースで使える最新のインテリアデザインや照明器具がいっぱいです。新製品、新素材、新しい情報に新しいトレンド、新しい仕事や新たなつながり、そして新しい環境・技術のソリューションなどなど。アイディアのヒントとなる最大級の展示会で、セミナープログラムも充実しています。さあ新しい製品や仕事、情報やトレンド、そしてインスピレーションに満ちた充実の5日間に備えましょう！

これこそが1週間に開催されるイベントの鍵となります。ストックホルム家具＆照明フェアに展示されている素晴らしい新製品に加え、この展示会と連動して街中で開催されている60もの注目のデザインイベントへの行き方が分かります。もちろん街のおススメショッピングエリア、レストラン、バーなども掲載しています。日中はストックホルム家具＆照明フェアでお仕事、夜はパーティーをして人々と触れ合いましょう。

街でのイベントについてはwww.stockholmdesignweek.comからご覧いただけます。

iPhoneまたはAndroid用の「ストックホルム家具＆照明フェア」のアプリをダウンロードできます。AppストアまたはAndroidマーケットからお探し下さい。

毎年2月に開催される北欧デザインが一堂に会する世界最大級のこのイベント、ストックホルム家具＆照明フェアには、世界50か国以上から4万人以上のバイヤー、建築家、デザイナー、ジャーナリストが参加します。ストックホルムの街全てもこのイベントに協力します。デザイン・ウィークの期間中には約60のイベントやショールーム、パーティーが開催されます。

Stockholm Furniture & Light Fair on Facebook

www.stockholmfurniturefair.com
www.northernlightfair.com

玩具メーカー、レゴのデンマーク事務所。ミーティングから逃げ出すにはメタルのすべり台を降りるのが一番。

2010年にデザイナーのRosan BoschとRune Fjordが完成させたこのオフィスは、ビルンにあります。オフィスはオープンプランで、ブロックのようなディスプレイ台と模型作成台、そしてレゴ作品の資料室を組み合わせたものになっています。

中二階にはそれぞれ違った色でペイントされたガラス張りの会議室が8室、建物の周りをぐるりと取り囲むようにあります。

地上階の休憩スペースにある木製のテーブルには丸い穴が開けられ、足を伸ばせるスペースと植物の置き場を確保しています。また、ワークステーションとディスプレイ棚の間にはあちこちにラウンジがあります。

レゴがお好きなら、建築用ブロックで作られた温室についての記事を是非ご一読下さい。

写真撮影：Anders Sune Berg

以下はRosan Boschによる解説です：

LEGO PMD

レゴのデザイナーたちは世界一幸せ者です。だって一日中レゴで遊べるんですよ！レゴ開発部署、つまりレゴPMDのデザイナーたちは、遊び心に富んだモノに合った仕事場を与えられています。つまり楽しむことや遊び、創造性が何より大切な職場環境で、大人たちにとってはこの建物のデザイン自体が子どもの遊びの一部になるチャンスになっているのです。

「楽しむこと」「調和」「創造性と革新」「イマジネーション」と「持続可能性」という価値観をデザインの基盤として、レゴPMDはデザイナーたちが子どもたちのファンタジーの世界の一部になれるというユニークな開発部署となったのです。

レゴは他の人のための楽しみを作りだしているだけではありません、レゴPMDでは働くこと自体が楽しいのです！

遊び中心という考えに呼応したデザインを作り上げるため、革新と想像力、そしてイマジネーションをどこまでも自由に働かせることが許されています。

既存の通路は特大の休憩場所となって、ライトブルーのフカフカしたものは通路を軽くて柔らかな雲へと変えています。

雲は広がってソファや休憩スペース、すべり台となり、2つのフロアを楽しくて遊び心のある方法でつないでいます。

壁に描かれた巨大な草の絵やレゴの巨人、盆栽の庭を埋め込んだテーブルなどのデザイン要素を使って、物のスケールという概念に挑んでいます。誰が大きくて誰が小さいのか？どこで仕事が終わって、どこからイマジネーションが始まるのか？‐というように視覚と大きさで遊んでいるのです。

実際のデザインを通じ、子どもたちのファンタジーの世界が日常の一部となって、新しいゲームや遊びを生み出す新たなデザインの創造の場を作り出しています。

また、レゴPMDのデザインのお陰でデザイナーたちは一緒になって仕事をすることが出来るのです。地上階の部屋の中心にあるオープンスペースは人の流れを作り出し、カジュアルなミーティングスペースとなって情報交換や交流の場となっています。

両側には、集中して仕事に打ち込めるスペースがあります。ここは表彰台や模型のタワーのような展示手段として特別に設計されていて、デザイナーたちはお互いに自分の仕事を展示する機会が与えられ、部署を越えた知識やアイデアの共有を活発化しています。

1階（日本で言う2階）にはバルコニーが広がり、そこには小会議室が5室、大会議室が3室あり、それぞれ違った色で彩られています。正面はガラス張りで広々としたオープンスペースを見渡すことが出来ます。

黄色いテーブルのバーのような“ファン・ゾーン”はリラックスと交流の場になっています。一方、子ども用テーブルがたくさんあり、そこでレゴの若い社員たちが最新も模型や商品を試すことが出来ます。

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新しいレゴPMDはイマジネーションを無限に働かせることの出来る子どもの世界であり、子どもと子どものようなデザイナーのためのものです！

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プロジェクトタイトル：レゴPMD
クライアント：レゴシステム　A/S
デザイナー：Rosan　Bosch、Rune　Fjord
プロジェクト設置場所：レゴシステム　A/S
住所：Systemvej 6
郵便番号：DK- 7190
都市：ビルン
国：デンマーク
製作年：2010
プロジェクト：デザインと内装
面積：2000㎡
材質：ポリウレタンの床、カーペット、化粧ボード、デザイン入り音響素材、ガラスの仕切り壁、音響天井、家具

イギリスの建築家集団 マークス･バーフィールドは、アマゾンのジャングルに竹でできた横に張り出したデザインの展望タワーと9.6km以上に渡って木々の上部を結ぶ散歩道から成るリサーチセンターを設計した。

研究者や旅行者が、高い位置から熱帯雨林の景観を一望できる。

展望タワーの支柱の周りをらせん状に巻きつく形状の階段を介して、円形の見晴らし台のフロア同士を繋ぐ。建材には地元産の竹が用いられる。

森の中にたたずむ竹製の一軒家のパビリオンは、コンピューターを完備したワークステーション。

この設計事務所では、これまでにも「木の上の散歩道」を設計している。ロンドンのキュー･ガーデンの散歩道に関する記事はこちら

このプロジェクトに関するマークス･バーフィールド･アーキテクツからの説明は以下のとおり。

アマゾンの森の中に建つ先駆的なサイエンス･センター

アマゾン･チャリタブル･トラストとブリティッシュ･チャリティーが立案した先駆的なサイエンス･センターはアマゾンの森の中に建設されます。9.6km以上に及ぶ散歩道と熱帯雨林を見渡せる展望タワーで構成されています。

これまでにロンドン･アイや王立キューガーデンの木の上の散歩道を手がけたマークス･バーフィールド･アーキテクツが、都市から遠く離れたブラジル北東部ロライマに1000万ドル（640万ポンド）規模のプロジェクトを立ち上げました。

ブラジリアン･アマゾン研究所、王立植物園、大学、その他の機関から多くの科学者たちがXixuau保護区内のセンターに集うだろう。また、この施設がブラジル人部族に対して雇用を生みだし、エコツーリスト達の関心を引き付ける場になることを目指します。森林を調査する研究者と壮大な景色を満喫したい旅行者の双方に、木の上の散歩道を利用していただきたい。そのためにも、両者に対してこの施設をアピールしていきたい。

「ジャングルの中に建設される初の科学リサーチセンターです。地元の河川域で生活する部族を雇用することで、彼らは森林の環境を破壊せず収入を得ることができます。このセンターには、世界中の関心が集まることでしょう。」と、アマゾン･チャリタブル･トラストの執行社員 ロバート･パスリー･タイラー氏は語っています。

マークス･バーフィールド･アーキテクツのデービッド･マークスは次のように述べています。「森で育まれた繊細な生態系と人里離れたロケーションゆえ、このセンターの設計・建設には難題が伴うでしょう。都市から遠く離れたこの地域の自給自足の生活を守るには、現在の生態系を維持することが不可欠です。そのためには、何を森に持ち込むかということについて細心の注意を払わなければなりません。」

「センターの大部分に、地元で育てた竹が使用されます。完成には2年ほどかかるでしょう」現在、アマゾン･チャリタブル･トラストは、ノルウェーからの寄付で支えられているアマゾン･ファンドから資金を調達できるかどうか調査中。

アマゾン･チャリタブル･トラストの役員には、ビアンカ･ジャガー氏やジョン･ヘミング氏が名を連ねている。

パリで開催されているメゾン・エ・オブジェから-日本のトラフ建築設計事務所が、フランスのブランド、 リーン・ロゼの為に作成した、広げてボウルや花瓶などにすることができる紙製の器の、２種類の新しいバージョンを出展する。

ユーザーが簡単に望む形に広げられるようにカットされた紙片の両側には、グラデーションやキューブのパターンがプリントされている。

グラデーションのパターンはリーン・ロゼのために作られたもので、キューブのデザインは、サブ・ブランドのシナのためのものだ。

「巻いた粘着テープのようなフック」、「 棚として実用できるボウル」、 「ドン・キホーテの舞台のステージセット」などを含む、 トラフ建築設計事務所の他の作品はこちらから。

メゾン・エ・オブジェは１月24日まで開催された。

 写真：吉次史成

デザイナーからさらなるいくつかの情報
airvase （CUBE PATTERN）
空気の器（キューブパターン）

これは、空気を包み込むような紙の器。広げ方によって、自由に形を変えることができる。

薄くて軽い紙で、器の形に広げると張りと強度がでる。

シナのためにつくられた特別バージョンは、繊細な線によって立体にも平面にも見えるキューブパターンが描かれている。

様々な方法で広げたりしぼませたりして、変化し続ける模様を楽しむことができる。

表側はレッドで裏側はブルー、グリーン、ブラウンといったそれぞれのこうしたメインの色が柔らかい色合いに変わると、叙々に幾何学模様が消えていく。

広げると、空気の器の内面あるいは外面のこうした色彩を選ぶことができる。

販売：かみの工作所
クレジット：パッケージグラフィック：高い山

airvase (GRADATION PATTERN)
空気の器（グラデーションパターン）

空気を包み込むような紙の器。広げ方によって、自由に形を変えることができる。 薄くて軽い紙で、器の形に広げると張りと強度がでる。リーン・ロゼのために作られた特別バージョンは、両面に描かれたいくつもの色の陰影からなるグラデーションパターンが特徴だ。器を開いて違う角度から見ると、色合いが動き出す。

空気の器の両面に描かれたシンプルな色の線は、思いもよらない方向に溶け合い、複雑に変化していく。

広げると、空気の器の内面あるいは外面の異なる種類のグラデーションを選ぶことができる。

販売：かみの工作所
クレジット：パッケージグラフィック：高い山

これらの写真は写真家イワン・バーンが撮影し、日本の建築家、藤本壮介による住宅です。この家は四角の窓が３つの層になっている壁と天井を通しています。

日本の大分にあるHouse Nは2008年に建設されました。夫婦とペットの犬の要望に応えました。

外壁の開閉部分と屋根にはガラスは入っていません。それで中庭やバスルーム、キッチンは壁のむこうに配置しており、外部に開けています。

ベッドルームと畳の部屋は２番目の層の後ろに包まれています。この場所はすべての窓にガラスがはめ込まれています。

層の最も奥の部分は住宅の中心部近くにあり、リビングとダイニングルームを包んでいます。

藤本壮介のプロジェクトに関するDezeenの記事はこちらをご覧ください。４つの家の形が固まっているようなアパートもこちらでご覧になれます。

藤本壮介建築事務所からの詳細な情報は以下の通りです。

House N
日本・大分

この家は夫婦２人と犬のための住居です。家自体の構成は３つの骨組みで進行的なサイズが内部に入れ子のように入っています。最も外側の骨組みでは全体の敷地を包みます。そして覆われた半屋内の庭を作り出します。２番目の骨組みは覆われている外の空間内を包み込みます。３番目の骨組みは小さな室内スペースを作ります。所有している土地の段階的な変化によって、住んでいる人達は自身の生活を作ってゆくのです。

私がいつも疑問に思っていたことがあります。何故家はたった１つの壁で隔たれているのでしょうか。そして豊かな敷地において、段階的に変化することは住宅と街並みの間にある様々な距離感を呼び起こすのではないかと思ったのです。例えば住宅の中にある場所は街並みにかなり近い場所であり、少し遠い場所であり、かなり遠い場所であり、プライバシーが守られているのです。

それで、この住宅での生活が雲の間の生活に似ているのです。はっきりとした境界線は敷地内の段階的な変化を除いてどこにも見当たりません。ある人は、理想的な建築というのは屋外にありながら屋内に感じる空間であり、屋内が屋外にあるように感じる空間であると言うかもしれません。入れ子構造の中では、内部はいつも外部であり、逆もまた同じなのです。私の意味するものは、建設物は空間や形について作り上げるものではないのです。ただ、住宅と街並みの「間」という豊かさを表現するものなのです。

入れ子の３つの層は、最終的に無限の入れ子を意味します。世界全体が無限の入れ子で出来ているからなのです。そしてこの住宅は、その中のほんの３つであり、かろうじて目にすることができる形となっているのです。私の考えでは、街と住宅には本質的に何の違いもありません。ただ一つの物を異なったアプローチでつなげていたり、あるいは同じ物で異なった表現をしているに過ぎません。根本的な空間のうねりで、人間のいる場所なのです。この家は世界の起源から具体的な住宅までが全て一つの方法において一緒になったことを表した究極の家なのです。

デザインチーム：藤本壮介建築事務所
コンサルタント：佐藤淳構造設計事務所
建築士：藤本壮介建築事務所
主任責任者：藤本壮介、野桐 友美子、プロジェクトチーム
コンサルタント：佐藤淳構造設計事務所
建設システム：強化コンクリート
主要材質：強化コンクリート
敷地面積：236.57平方メートル
建築面積：150.57平方メートル
構造：鉄筋コンクリート１階建て
設計期間：２００６年～２００７年
施工期間：２００８年竣工予定

建築家 ピーター･ズントーは、17世紀に魔女の嫌疑をかけられ火あぶりの刑に処せられた人々を追悼するための記念館をノルウェーの島に設計した。（写真：Andrew Meredith）

バルデの海辺に建つ 「スティールネセト記念館」 は２つの構造物で構成されている。１つ目はズントー氏が設計を手がけたもの。2つ目の構造物には、故ルイーズ･ブルジョワ氏(1911-2010）によるインスタレーションが収められている。

ズントー氏設計の構造物の足場にはパイン材を使用。室内の天井からは布が垂れ下がり、床材にはオークが用いられている。

通路エリアには、魔女裁判によって死刑となった人々の魂を再現すべく91枚の窓のそばに１つずつ電球をつるした。

全てのランプのそばには、犠牲者の歴史を記した額が添えてある。

スモークガラスで囲まれた第２の構造物には、ブルジョワ氏によるインスタレーション｢The Damned, The Possessed and The Beloved」が収められている。

インスタレーションの周りを取り囲む複数の鏡には、コンクリート製の円錐形のくぼみスペースに置かれた火を放つ鋼性のイスの姿が映りこんでいる。

ズントー氏は、今年 ｢Serpentine Gallery Pavilion｣ をロンドンに完成させた。来年、｢a holiday home for Devon, England｣ が完成予定。

ピーター･ズントーに関する全ての記事はこちら

ノルウェーにおけるその他のプロジェクトについての記事はこちら

写真提供 ： Icon Magazine

Xは帽子やコートを引っかけたりコートハンガーにしたりも出来る、遊び心たっぷりの目印です。

多目的に使えるこのフック、その名もXハンガー。イスラエルのKfir Schwalbがデザインしました。

Xの形をしたフックはスチール製で粉体塗装されており、色違いもあります。

イスラエルのデザイナーが手掛けた他のプロジェクトをこちらでご覧いただけます。

以下はSchwalbによる解説です。
X Hanger

日々の生活の中でこのアイディアが生まれました。私たちがハンガーを使うとき、2つの機能が必要になります。1つはフックとしての機能、もう１つはハンガーとしての機能です。

その結果、この2つの機能を融合したようなものが生み出されました。

素材：CNC粉体塗装スチール

建築家・岡田公彦氏が支柱で支えられたらせん状の家を広島に完成させました。

金属の柱で地上から引き上げられた2階建ての住居・戸田邸は中庭を取り囲むように建っています。

中庭から１階ロビーへは階段が続いていて、住人は建物の中を歩いて中庭に出ることが出来ます。

ここから部屋は反時計回りに曲がり、上に向かってどんどん続いて行きます。

らせんの両端にバルコニーが設置され、バルコニーからは海が見渡せます。

岡田公彦氏が手掛けたアルミニウムを大量に使用した作品に関する2つの記事を以前に掲載しています。記事はこちらからご覧いただけます。

Photography is by Toshiyuki Yano.

以下は建築家による解説です。
敷地は広島のゆるやかな高台の上にある住宅地で、遠くに瀬戸内海や宮島を眺めることが出来ます。

この地域は段々畑状の高台になっています。

一段下に建つ隣の家の屋根を越えた眺望を確保することや、住宅地の端に位置するので防犯に配慮すること、そして今後小さな店舗を開店する時のために増築分の余地を残すことなどが希望として挙がっていました。

このご要望にお応えするため、家を地面から持ち上げています。

それによりまるで鳥の巣のように、外から守られているという建築が本来もつ安心感が得られています。

この家は開放感がありつつも不安の種や周囲の環境から守られています。

床スラブと屋根は1枚の板で構成されています。

上下を貫通する階段を作ることで、全体の流れに変化が生まれ多様で空間的な関係を生み出すことに成功しています。

板を延長することで将来の増築が可能となり、また地上レベルから見た時の威圧感を低減しています。

床スラブの厚さによってスパンドレル壁の高さも変えられています。

床スラブとスパンドレル壁が、様々な環境に対応しつつも統一感のある空間を作り出しています。

建設地：広島県広島市

用途：専用住宅（店舗増築予定）

構造：2階建て鉄骨

建坪：90.21㎡
延床面積：114.26㎡

構造設計：ストラクチャード・エンヴァイロンメント
設備設計：システムデザイン研究所

建築家Rashed Alfoudariによるクウェートシティーのタイビストロは黒いウッドパネルの並ぶ内装になっています。

白と黒の並びの家具の上には、内側が銅のペンダントランプがこのウボンのレストランの天井から下がっています。

レストラン後方のキッチンはミラーウォールの後ろにあり見えないようになっています。

Dezeenではクウェートの記事を数えるほどしか掲載していませんが、すべての記事はこちらから見ることができます。霧を出す家やジュエリーショップの記事などがあります。

Photography is by AOK.

こちらはAlfoudari1からの紹介文

ウボンはクウェートシティーの中心地にあるタイ料理のビストロです。

お店からはかつて商業エリアとしてよく知られたファハド・アル・サーリム通りを見渡せます。

このビストロの空間設計ではゆったりとしたダイニングエリアを可能にするためにキッチン、貯蔵室、トイレにいたるすべてのエリアで効率のよいデザインがされています。

そのため、インテリアは内装の構造を作り上げている要素と融合し調和するように設置されています。

黒いウッドパネルは黄金色の銅の輝きを受けながらダイニングエリアを囲み、このビストロのアジア的な影響を表現しています。

ペンダントライトはその有機的な形でダイニングエリアにやわらかい雰囲気を与えています。

さらにペンダントライトの投げかける光はタイの文化的な装飾品に大きな影響を与えた色である黄金色をしています。

ダイニングエリアからの外観の連続性を保つためトイレのコンクリートの壁には木目がプリントされています。

色と素材のコントラストがここでは質感によってまとめられています。

垂直のパターンを連続させるため、トイレではオフホワイトのスタンドアロンの洗面台と、天井から吊り下げた蛇口が備えつけられています。

設計：Rashed Alfoudari
場所：クウェートシティー　サルヒヤ
プロジェクトエリア：60㎡
プロジェクト年：2011年

ポルトガルのスタジオAVA Architectsによってデザインされた、ポルトにあるこの学校は、内壁と外壁がライムグリーンで、家具もグリーンで占められている。

アンタス教育センターと名付けられた、学校内の５棟の建物は、ひと続きの中庭と運動場を囲うように配置されている。

異なる形と大きさの黒枠の窓は、2階建ての校舎の建物面を挟んで散在している。

食堂は1階にあり、教室も同じフロアに造られた。

Dezeenで掲載している学校の多くは、明るい色彩の外観を備えている。-こちらから、ひとつは黄色、緑、白のパッッチワークに覆われた校舎。もうひとつは、明るい赤色の中庭の天井。

ここから特に記載のない場合はホセ・カンポスによる撮影。

AVA Architectsからの更なる詳細。
アンタス教育センター、ポルト、ポルトガル

場所と環境
用地の決定は、近年再設計された、アンタスの詳細な都市計画の中で行われた。周辺に大きな建物は無く、北側に大きな坂と、南側に計画中の建設用地があるだけだった。

その土地は4方が道路に囲まれている。学校の敷地面積は約2967.00平方メートルである。

アイデア
アンタス教育センターの校舎の空間的、建築的デザインは、いくつかの建物に形づくられた。それぞれが、内部組織の方針に一致する計画の一部や、機能性、見た目やイメージ、建物の様式、独自性等の要素を含んでいる。

この構想には、現場の土地の地形学的な要素、太陽の方位、アクセス、配置される建物どうしの繋がりが考慮されている。

外部の空間や、建物の内側と外側、そして建物内の空間とのあいだに確立される、互いの関係性といったものも常に考慮されている。

上記をクリックしてイメージを拡大。

計画を形にし、実現する為に、この概念は建物の設計図を使って提案された。その建物は、いくつかに細分化されながら、多様な環境を生み出す外部の空間と相互に連絡し合うことが可能である。

上記をクリックしてイメージを拡大。

建物は、「シンプル建築」と表現されるいくつかの校舎の集まりから成っている。それは建物外部のスペースと密接な関係性を構築する。

上記をクリックしてイメージを拡大。

周辺の都市環境との関連性は減らし、様々な形の建物の間に、インテリアとエクステリアの視覚的な関連性をつくりだすことを目指した。

そこには、建物がどのようにして外部との関係性を持つように変化するのか、という目的があった。とはいえ、多少は外部への繋がりもある。

この施設は、計画されたプログラムの目的としての、学校の機能的な構成を形づくること、 また、様々に異なった土地の勾配によって課せられた制約という、難解な方程式への答えを見つけ出した。

複雑な切り絵は今回12種類のデザインで登場し、海の生きものたちやサソリ、レース模様もあります。

インパクトが最大のラージセットと目尻を飾るスモールセットがあります。

Paperselfのまつげは普通のつけまつげと同様、つけまつげ用のノリとライナーで装着することができます。

Temporiumのオープニングナイトでこのつけまつげを試した人たちのフェイスブックアルバムはこちら

Paperselfについての昨年の記事はこちら

紙に関してとりあげたすべての記事はこちら

The Temporiumは2011年12月1日から24日までの間、ロンドン WC2H 9DG  地区コベントガーデン セブンダイアルズ モンマスストリート65にてオープンしています。
詳細情報はこちら：www.thetemporium.com

今週末、香港アートセンターでは、訪れた人はギャラリーの天井から顔を出して、紙でできた冬のワンダーランドを見ることができます。

トップと上部の写真撮影：渡辺おさむ＠森美術館

栗林 隆によるインスタレーションは雪景色の木々の中に展示の一部としてギャラリーの床上に木の枝を広げています。これは自然の視点：アジア現代芸術のLost & Foundと言われています。

香港芸術センターのパオ・ギャラリーでは２０１１年１２月１０日から２０１２年１月２９日まで雪が降るのです。

展示会主催者からの詳細は以下の通りです：
自然の視点：アジア現代芸術におけるLost & Found

香港アートセンター（ＨＫＡＣ）がアジアにおける芸術練習と学芸コンセプトの探求のために客員学芸員プログラムを行なってから３年目になります。今年は、森美術館（日本・東京）の館長である南條史生と一緒に行うことができ、非常に喜ばしく思っています。また、今年の展示：自然の視点Lost & Foundをアジア現代美術において主催できることを喜ばしく思っております。

「自然」をテーマとして、私たちの展示はどのようにして芸術が自然を明らかにし、探求できるのかを示しています。そしてアジア現代芸術として自然の役割を学んでいるのです。

管理者：南條史生、コニー・ラム

参加アーティスト８名：Zeng Fanzhi, Takashi Kuribayashi, Hiroshi Senju, Luxurylogico, Pak Sheung-Chuen, Lam Tung-Pang, Danny Lee Chin-Fai, Apichatpong Weerasethakul

洞窟のような部屋と曲がりくねった中2階を金属板が取り囲んだ空間。アムステルダムにある飲料ブランド、レッドブル新本社です。

モントリオールとアムステルダムの拠点を置くシド・リー・アーキテクチャーが手掛けたこのオフィスは、アムステルダム北部の港に隣接するかつての造船所を改装したものです。

切妻屋根によりオフィスが3つのエリアに区切られ、その一つは鉄パイプと合板で出来た休憩室でDJブースとレコーティングスタジオも併設しています。

The Crash Roomと名前のついたネオンライトの光る休憩室やThe Diveという名のキャンティーンもあります。

他の2つのエリアはレッドブルのロゴなどで飾られたオフィスとワークステーションで、中心には穴の開いたメタルの会議室があります。

トイレには宗教上の人物がDJやカラオケをしている図がモザイクで描かれています。

Dezeen ではFacebook やSkype、Google といった企業の本社も紹介しています。オフィスインテリアに関する記事はこちらからご覧いただけます

Photography is by Ewout Huiber.

以下はシド・リー・アーキテクチャーによる紹介です：

レッドブル・アムステルダム　新本社を公開
シド・リー・アーキテクチャーとシド・リーのアムステルダムのアトリエが他の2つの建築事務所を抑え、レッドブルのアムステルダム新本社の建築を任されました。

同社は、芸術的なストリートカルチャーとエクストリームスポーツの集中している刺激的な場所、アムステルダムの港エリアの北側にオフィスを建設することに合意しました。

そしてこの建築プロジェクトは、時代を超えて来たクレーンと古く使われなくなったロシアの潜水艦に面した、古い遺産のような造船工場で行われることになりました。

企業哲学に合った建築様式
「内部設計にあたり、私たちはレッドブルの企業理念に立ち返ることを目指しました。

そして用途と精神に基づいてスペースを分割しました。それは対立すると同時に補い合う人間の心の2つの面や、理性と直感、芸術と産業、暗闇と光、天使の降臨と野獣…といった2つの異なる視点を暗示しています。」と、シド・リー・アーキテクチャーの主任デザイン建築士兼シニアパートナーであるJean Pellandは語っています。

造船所の内部の隣接する3つのエリアで、建築家たちは、共有スペースからプライベートスペースへのシフト、黒から白へそして白から黒へのシフトといったスペースの二面性の表現に焦点を当てました。

この試みでの私たちの目標は、産業建築物の残忍ともいえるほどの簡素さとレッドブルのパフォーマンスへの神秘的な挑戦とを組み合わせることでした。

様々な意味を持つインテリアの建築様式は、この二重人格ともいえる2つの異なる個性を表現していて、ある時は山の崖の上にいる人を、そして次の瞬間にはスケートボードのスロープを思い起こさせます。

船体を引き裂いたような三角形の山は、セミオープンスペースを作り出していて、そこには橋や中2階があるので、上からも下からもこの空間を垣間見ることができます。

私たちが作る建築物では、明確に定義されているものはありません。すべては理解の問題なのです。

Credits
クライアント：レッドブル・オランダ
建築設計：シド・リー・アーキテクチャー

ビジュアル・アイデンティティー：シド・リー
建築業者：Fiction Factory 
家具：2D&W

現地建築事務所（許可）：Kamstra Architecten BNA
総合建設請負業者：Jora Vision B.V.

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木の立方体で構成された不規則に伸びた格子が、Brewin Conceptsによってデザインされたシンガポールのレストランの天井を覆っている。

The Fat Cowレストランは、均等な３つのセクションに分かれている。それは、バーとラウンジ、ダイニングカウンター、そして５つのプライベートダイニングルームで構成される。

ディナー客は、銅で覆われた分厚いドアを通って入り、照明でライトアップされたガラスのブロックが並ぶ湾曲した廊下を抜け、それぞれの個室へたどり着く。

メインのダイニングルームでは、木枠の立方体が頭上を均等に巡り、一方でラウンジの天井や壁の周りでは、その格子がより無秩序に広がっている。

ランダムに配置された電球の灯りが木の立方体を照らしている。またその立方体は、バーの棚の枠組みも構成している。

レストランは、リチャード・マイヤーによってデザインされた、18階建てのメディカルセンターの一階部分を占めている。-そのアメリカ人建築家についての他の記事はこちらからご覧いただけます。

木製の格子で構成されたレストランは、ここ数カ月のDezeenで人気がでてきている。-以前の記事をご覧ください。一つは竹で編んだネットが天井を横切るレストラン、もう一つは、ダイニングテーブルの周りに木製の薄板が下降するレストラン。

Brewin Conceptsからのさらなる詳細:

シンガポールのThe Fat Cow レストラン

レストランのレイアウトは、バーラウンジの入り口、プライベートルーム、そしてフォーマルなしゃぶしゃぶダイニングカウンターの、3つのセクションに分かれていて、それぞれの場所は最大20人程度収容できる。メインの順路の柱は、円形の建物の外周をそのまま利用した、レストランの湾曲した壁に沿って設置されている。

この12mの長くカーブした廊下の片側には、既存のガラス製レンガの壁があり、もう一方には、3つのセクションそれぞれへの出入り口をもつ、湾曲した新しい壁が設置されている。

建物の外側の、白い１ｍ×１ｍのファサードの飾り格子は、内装の3次元的な格子天井をインスパイアし、現在はレストランの隅々まで５０×５０×５０ｃｍと２５×２５×２５ｃｍの立方体で埋め尽くされている。

格子は、天井下のレストランの他のスペースをより一層引き立てる役割を果たし、さらにそこで、貯蔵庫や陳列棚としても活用されている。

同じ格子のパターンはまた、プライベートルームエリアの可動式のパーティションスクリーンにも影響を与えた。天井の軌道に掛けられた、可動式の半透明のスクリーンが個々の5つの部屋をフレキシブルに繋いでいることで、様々な人数の団体にも対応できるようになっている。

タイプ：予約制和牛レストラン
サイズ：3000平方フィート
場所：リチャード・マイヤー氏によるカムデンメディカルセンター
デザイナー：Richard Meier

イギリスのドーセット州にある、 このポッド状の森の隠れ家は、木の間に張ったネットの上に浮かんでいる。

アメリカ人デザイナー、Jesse Randzioは、 アーキテクチュアル・ アソシエーションの12人の学生達と一緒に、 ドーセットのフックパークで、一ヶ月の長いワークショップを通じて「浮遊する空間」を2007年に完成させた。

上記：パクソ・パクストンによる写真

材料は現地で調達され、ポッド部分はアカスギの厚板で、クリンカー張り（鎧張り）ボートのスタイルを踏まえて作られている。

銅製のリベットが外殻を繋ぎ合わせ、鉄製の煙突が天井から突き出ている。

このポッドは、ケーブルを張って周囲の木から吊り下げられ、浮遊させた鋼鉄のリングに取り付けたネットの中に載せられている。

上記：パクソ・パクストンによる写真

ロープのネットをよじ登ってから、小さな楕円形の扉が隠れ家の癒される室内へと導いてくれる。そこでは小さなストーブを焚くことができ、見晴らしの良い森一面の風景が外から覗いている。

上記： マーティタ・ジョレンス・エチェガライによる写真

中にいる人の動きによって穏やかに揺れ、まるでボートの船体の中にいるような感覚がする。

写真は、ここから特に記載のない場合はJesse Randzioによる撮影

デザイナーからの更なる詳細
「AV Custerson Award」は、フックパークの木材をプロモートするプロジェクトへ資金を援助する目的で、アーキテクチュアル・ アソシエーションのコミュニティーのメンバーに年一回授与される。2007年の第3回の受賞者であるジェシー・Randzioは、森の中に吊るされた隠れ家「浮遊する空間」の制作のため、一ヶ月に渡る夏期のワークショップを企画した。

そのプロジェクトは、2008年にロンドンのアーキテクチュアル・ アソシエーションで公開された。

「浮遊する空間」は、アカスギで作られた、ちょうど２〜３人が座ってくつろげるような空間である。そこには建設の痕跡はなく、あるのは影のみで、景観にもほとんど影響を与えていない。周囲の景観にぴったり合わせて仕立てられているが、どのようにも適応は可能だ。ドアは高所にあってとても小さいが、一度中に入ればそこはとても安全で快適な空間で、中には暖かいストーブが焚かれ、ケトルには紅茶が用意してある。

ジェシーは、 AAスクール中の12人の学生達と協力して、4.5平方メートルの浮遊するカプセルをデザインし、制作した。グループは、ライム・リージスやブリッドポートの地元の工房を訪問し、ボートの製造や装具の技術を学んだ。

ポッドは、ベイスギ（米杉）を用いて鎧張りボートの製法で造られ、銅製のリベットや外装品、鉄製の煙突やストーブ等も備えられた。材木は、フックパークの森で伐採されたもので、他の資材も地元で揃えられた。

私達は、審査中のAV Custerson Awardのプロジェクトの将来に提案をしている。5年ごとに、周期的な森林の管理計画に沿って、プロジェクトは再評価を受け、その過程で、それぞれのプロジェクトの妥当性や、フックパークでの他のプログラムとの関係性を明示するべきである。

そうすることで私達は、フックパークが活発で生き生きとした生産的な機能を存続していくことを、確実に保護していくことができるのだ。「浮遊する空間」は製造から5年目に入り、再考察の時期を迎える。

木製の格子で出来たガラスの引き戸が日本のこの建物の部屋を分けています。

東京の建築家であるCamp Design Inc.の藤田雄介は、改修の一環として、この建物に元からあった多くの壁を取り除きました。

ガラスのパネルに質感を持たせ、バスルームに面したところは木の枠を通じて景色が見えないようにします。一方、透明なガラスは、あらゆるところの枠に埋め込まれています。

キッチンでは、シンクやオーブンが入っているのは中央の木でできた仕切りの向こうです。

Camp Design Inc.は、今年、もう一つ建物を改装しています。この家は建築者が全て完成されていないように見えるものです。このプロジェクトについてのDezeenの記事はこちらをご覧ください

Photography is by HATTA.

藤田からの詳細な情報は以下のとおりです：
House in Hiyoshi
これは、若い夫婦のための建物を改築する計画です。

木枠のガラス引き戸があることで、様々な内窓の配置をすることが考えました。ガラスはスクリーンのような役割をし、通路を見ることができるだけではなく、戸の向こうにある部屋の見え方が微妙に変化します。さらに、ガラスはまた距離を作る役割をします。住居の限られた範囲において、適度な深さを生み出す物としてガラスは効果的です。部屋の距離感と素材の違いが、お互いに作用する生活スペースを作ります。木枠でできたガラス引き戸の可能性を伸ばす試作です。

ドイツ人アーティストのハイケ・ムッターとウルリッヒ・ゲントが手掛けたこの高架通路を登って行くのは、まるでジェットコースターに乗っているようです。

高さ21メートルのこの彫刻のような歩道は、タイガー＆タートル－マジック・マウンテン（Tiger and Turtle – Magic Mountain）と呼ばれ、ドイツのデュースブルクの丘の上に建っています。

鋼鉄の構造の表面に階段が巻き付き、らせん状にアップダウンしている姿はまるで遊園地の乗り物のよう。

Above: photograph is by Werner Hannappel

来訪者は地上にある入口から彫刻に登ることが出来ますが、中心に宙返り部分があるため全てのルートを歩ききることは誰にも出来ません。

ジェットコースターのレールのように曲がりくねったパビリオンについての記事を最近掲載しています。そのプロジェクトについてはこちらからご覧いただけます。

Photography is by Heike Mutter and Ulrich Genth, apart from where otherwise stated.

以下はアーティストからの情報です：

ハイケ・ムッターとウルリッヒ・ゲントの大型彫刻作品「タイガー＆タートル－マジック・マウンテン」は11月13日から一般公開されます。ゆるやかなカーブを描くジェットコースター型のこの作品は遠くからも見えるので、最近ではデュースブルク南部にある公園のような造りをした眺めの良いハインリヒ・ヒルデブランド・ホーエの頂上からの景色の目玉となっています。

この作品のダイナミックなカーブや円は、21メートルの高さまでそびえ、それ自体がここの景色のシンボルのように刻みこまれています。遠くから見ると、メタリックで光沢のあるレールは、スピードと加速度がどんどん増していくようなイメージを与えます。近くで見ると、レールだと思っていた物は階段であることが分かり、階段は精巧に曲がりくねってジェットコースターのコースに沿っています。

見学者は自分の足で作品に上ることが出来ます。コースはループを描いていますが、そのループが物理的な障害となるため、全てのルートを制覇することは不可能です。さらに、作品の一番高いところでは、つまり地上から45メートルのところですが、訪れた方には西ルール地方の素晴らしい眺めを楽しめるというご褒美があります。

Above: photograph is by Werner Hannappel

「タイガー＆タートル」は、スピードと行き詰まりの内在的な対立を通じて、この地域が変化している状況と再生と再構築に向けた方向転換を示しているのです。彫刻作品は、ジェットコースターの作りだすイメージに対する期待への不合理なねじれを伝える一方で、否応なしにイメージとして定着する地域を越えたランドマークとしての役割を反映しているのです。

この作品は、明確な解釈を拒否した不合理な矛盾の彫刻と永続的な成長という論理を結び付けています。土台は44 ×37メートル、高さ21メートルの彫刻は、ドイツ最大級の規模を誇るだけでなく、工学技術の最高傑作でもあります。 特に階段の描く線は（アーノルド・ウォルツとの共同開発）、結果的に優雅に曲がりくねって様々な表情を見せる3次元の形を取り、そのためにこれまで誰も達成できていない挑戦を隠し持っているのです。

ハイケ・ムッターとウルリッヒ・ゲントは、8年前から公共スペースと展示会場でアート・プロジェクトを共同制作しています。彼らの作品は“場所”そのもので、作品は公共性を広げるという目的のために特別に作り上げられ、その考えをよく反映したものになっています。2007年以降、この2人のアーティストは、ハイケ・ムッターが教鞭をとっている美術大学のあるハンブルクに生活と制作の拠点を置いています。

日本人アーティストであるTakayaは生の野菜や咲いている花々でモデルたちの頭を美しく飾る。

アーティストは花屋が花束をアレンジするように、髪用のはさみをいれない状態でまとめた植物を髪に装着するヘアスタイルをつくる。

この一風変わった装飾はライブパフォーマンスやウェディングに使われている。

既に掲載の変わったヘアドレスに関する記事では、三つ編みでできた巨大なボンネットについて取り上げている。―以前の記事はこちら

ファッションについての全記事はこちら

こちらはTakayaからの詳しい紹介文：
HANAYUI-花結い-
髪に花を一輪挿したときを思い出し

花々が私の身近にあったときを思い出し

髪を束ねるように花々を束ね、

HANAYUI
自然、木々、花々をエレガントに着飾り、

Takayaは、フラワーアーティストであり、

花と人を結ぶ、花結い師である。

Takayaは1975年に生まれ料理の世界を経て、２００４年京都を拠点にフラワーアーティストとしての活動を始めた。

生花のみを用い、Takayaはヘッドドレスの分野で花と人を結ぶ技を創り出した。

花結い師として、彼は多くの結婚式やライブパフォーマンスを手がけ、NHK等メディアにも取り上げられた。

お顔やドレスに合わせ、すべての花結いの提案は一人一人に合わせてあつらえられている。他に類を見ない斬新かつ無限のデザインで絶大な支持を得る。

このオランダの歴史ある砦の堀を横断する橋は、訪れる人を水面の下でも濡れることなく対岸へ導く。

オランダとベルギーに拠点を置く建築事務所ＲＯ＆ＡＤによってデザインされた「水の下に埋もれる橋」は、17世紀に建てられた防衛設備の1つである、ルーバル要塞への通用ルートになっている。

従来の橋とは違って、遠くからは姿が見えない構造になっており、砦に向かう周辺の景観にはほとんど影響を及ぼしていない。

 腐食しないように加工された木材の擁壁が、流れのない周囲の水と歩道とを隔てている。

以前にDezeenで紹介した、別の隠された歩道では、鏡の背後が秘密のトンネルへと続いていた。そのプロジェクトに関してさらに読みたい方はこちら。

 以下、木材のサプライヤーAccoyaからの詳細説明

西ブラバント線は、17世紀オランダの土製の砦や防壁からなる防御線で、フランスやスペンから攻撃を受けた際、多くの都市や村を繋ぎ守ってきた。浸水区域は水で満たされており、敵が徒歩で進軍するには深すぎるが、船を使用するには浅すぎるような設計になっていた。

近年の復元プロジェクトの一つとして、ＲＯ＆ＡＤ建築事務所は、堀で囲まれた最大級の要塞、ルーバル要塞へのアクセス路の建設する一方で、その美しく清廉なたたずまいや、豊かな景観を保護していくことの両立を模索した。

チームの解決策は、水と斜面の中に「埋もれる」橋だった。砦の斜面のラインに沿って、土壌と水面のぎりぎりの高さに位置している「モーゼの橋」は、人が近づいてもほとんど形状が見えず、堀の美的景観を損なうことなく尊重している。

Accsys TechnologiesのAccoyaの木材板は、硬い木材の床と階段部分の両サイドに杭打ちして建設され、「モーゼの橋」は印象的な外観や、高い機能性だけでなく、耐久性にも優れ、環境にも配慮している。

Accoya木材は、アチセル化と呼ばれる、非毒性の独自の加工行程を経る。それによって、元の木材とほとんど見分けはつかないが、菌類による腐食を防ぎ、寸法安定性が向上している。

Accoya木材は、FSCとPEFCによる森林認証を受けた木材を使用している。また「ゆりかごからゆりかごへ認証」のゴールド認定を取得している。

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ダッチデザインウィーク２０１１：デザイナーのRaw ColorとStudio Mkgkが発表したのは、人々が木のような衣服を着ているものです。これは今週、アイントホーフェンにおけるダッチデザインウィークの一部分です。Dezeen Screenでの動画をご覧ください »

Temporary Trees（一時的な木々）シリーズのイメージと動画は細く切った紙と風船、半透明のスカーフを使った動きを特徴としています。これは、異なった木にある異なった葉を表しています。

デザイナーはアイントホーフェン文化センターのMUより招待され、Make a Forestのプロジェクト作成の主導権を取りました。このプロジェクトでは国際森林年を祝うために人工の木を全世界に備え付けました。

これはアイントホーフェンのストライプS地区にあるWild-Sで行われているショーです。

ダッチデザインウィークは１０月３０日まで続きます。ダッチデザインウィークに関するDezeenの記事はこちらをご覧ください。

デザイナーからの詳細は以下のとおりです：

Temporary Trees（一時的な木々）
Raw ColorとMkgkによる、MUとMake a Forestのために

多くの場合、木々はモノとみなされ景観の計画のために無慈悲にも取り除かれてしまいます。オランダの木々は到達できる年の１０分の１しか生えることができません。

Raw Colorとマールテン・コルク＆フース・クスターズによる木々は決して静止しているわけではありません。絶え間なく変わる生を形作り、それにより私たちがどのように光や影や風や四季の移り変わりを経験するかを見つけ出します。このような観察は異なった物質を使い木々の「錯覚」に変換されます。そして木々の生命、ダイナミックス、変化を意味するのです。

Temporary Trees（一時的な木々）はＭＵの展示館、ストライプS地区にあるWild-Sにあります。MUより招待を受け、Make a Forestの一環プロジェクトとして作りました。Make a ForestはJoanna van der Zanden と Anne van der Zwaagにより設立されたものです。

木々の輪がミラノのために砂時計の形の小屋を構成しました。この形は１００年間完成されません。

スウェーデンの建築家、Visiondivisionと学生グループがデザインしたのは２階建ての合宿研修所で、これは現在ミラノ工科大学のキャンバスで成長し続けています。

The Patient Gardener（忍耐強い園芸者）という、ふさわしい名前がつけられました。庭の構成は十の日本の桜の木の輪で、成長するにつれて曲げられ、剪定され、編まれています。

木々は中央にある木製の足場で結ばれ、ドーム型の一階を形作ります。一方、上にある小枝の方向は一階の壁のように外に向けられます。

木々のうち、２本は共に階段として編上げられます。

スモモの木の切り株は椅子として提供し、肘掛け椅子は段ボールと草で組み立てます。

Visiondivisionは以前に他の景観プロジェクトをデザインしたことがあります。その時はザリガニのために、水面下にコンクリートの生息地をつくるものでした。このプロジェクトに関してはこちらの記事をご覧ください。

Visiondivisionからのプロジェクト詳細は以下の通りです：
Visiondivisionはミラノ工科大学より１週間にわたるＭＩＡＷ２ワークショップのために、客員教授として招待されました。このワークショップは、森の表現を変えて遊ぶもので、目的は新しい視点を育てること、現代と近い将来の環境保全を重視した、あるべきデザインや復元力、リサイクル、倫理意識の姿勢を持って説明することです。私たちのプロジェクトの目的は合宿研究所をキャンパスに建設することで、デザインの一番の秘訣は忍耐でした。もし私たちが工期のときに忍耐強くいることができれば、必要な輸送量を減らすことができ、モノの無駄や異なった製作過程を減らすことができます。単に自然の成長に手を貸して、もっと構成を整え、使いやすい方法にするだけです。

最終的な結果は今から６０年後のミラノ工科大学で楽しむことができるのです。ワークショップの間、私たちは建設的な構造と物体に自然と育つように、自然を誘導して方向を示しました。木や植物の成長を誘導してコントロールするには異なった方法や用具がありました。曲げたり、ひねったり、剪定したり、接ぎ合わせをしたり、編んだりします。そして木々への水や光の量をコントロールしますが、これはほんの一例にすぎません。

私たちの作品を作るため、ほとんど総ての技術を使いました。その中には建物や階段、家具の構造システムを作り上げることも含まれます。総て木々や植物、草を使っています。このプロジェクトの構成的枠組は１０本の桜の木です。半径８メートルの円形に植え、中央の６メートルの高さに仮説の木の構造物をおきます。これは成長の方向を導くものです。木々は等間隔で植えられますが、そのうちの４本は将来、上の階に行く２組の階段になります。桜の木々は年のこの季節では理想的で、望んでいた構造に達するための、素晴らしい特徴を持っていました。細いロープは植物の周りに結び、仮設の塔に向かって少し曲げていきます。時が経つにつれ、木々は塔に近づきドームの形になります。そして方向を変えて最終的に砂時計の形に明示されます。このプロジェクトに合っている形で、非常に実用的で、現在この建物の中に２つの異なった様式の部屋があります。

これから階段になるであろう植物の小枝はワイヤーで互いに誘導して、うまくいけば今後役に立つことになります。後に木々に接木が施され、階段の続きになります。１階にある家具のデザインは、草や木々、植物から作ることを考えました。ダイニングルームのグループは一台のテーブルに４脚の椅子の構成でした。椅子はスモモの木にし、幹が分かれている最も低い部分に座り、小枝により木の上の部分に導かれます。ですから将来、ここを訪れた人は椅子に座って同時に美味しい果物を食べることができるのです。テーブルの材質は細長い木片を糸で作ります。これが骨格となり、ヘデラ（アイビー）が育ち、後に完全な形となります。

草からできた居心地のよい椅子は１階の反対側にあります。草でできた椅子は特注のダンボールの骨組みと一緒になり、最高にリラックスできる形となります。この骨組みに防護コーティングを塗り、後に、この場所の表土層に覆われ、草が覆い隠します。上の階には、草で出来た丸い形のものが塔に取り付けられることになっています。この丸いものは大きなポテトバッグで藁、肥料、草の種が一杯に入っています。

バッグの３分の１の長さで、科学的なものを使っていないロープが取り付けられ、後に一緒に縫い付けられます。ロープの残りは水につけるので、この袋は水を得て、後に草で覆われます。そのときに木々は遂にこの高さに到達し、床になるのです。すでに備え付けられることになるのです。学生と一緒に、私達は将来の園芸家につなげるため、管理プランと教育を進めていきました。これは十分に実際にできるようにシンプルなものでした。私たちが教えていたのは、木の接木をするパターンです。入口と出口の２つのパターンは残されました。残りは木々の装飾用の様式で閉じられています。上の階は優雅な手すりを使って２つのはしご室で行くことが出来ます。

ここではいろいろな果物の木が桜の木に接木され、ここを訪れた人は、いろいろな果物を天蓋のような覆いの中で食べることができます。枝は安全のために木の幹のところで接木されます。これから約８０年後、ミラノ工科大学のキャンパスには、すっかり成長した建物があり、うまくいけば生徒は孫に、友人や家族のためのこのプロジェクトの話をすることができます。

共同責任者：Anders Berensson & Ulf Mejergren
管理者: Laura Daglio & Oscar Bellini
生徒/建築士/建造者: Rachele Albini, Giada Albonico, Jacopo Biasio, Sara Caramaschi, Elisa Carraro, Desislava Dimitrova, Cristina Gatti, Elisa Gulino, Mariya Hasamova, Nina Mikhailova, Ottavia Molatore, Joao Molinar, Azadeh Moradiasr, Mohyedin Navabzadeh Navabi, Giuseppe Maria Palermo, Riccardo Somaini, Bogdan Stojanovic
組織者: Luca Maria Francesco Fabris & Efisia Cipolloni
所在地: ミラノ工科大学プロジェクト
面積: 50 平方メートル
プロジェクト年: 2011年から2090年

ロンドンのファシッド・ムサヴィ ・アーキテクチャーはパリ西部近郊の住宅複合施設のデザインコンペに優勝した。

建物に併設してアリーナスタジアムとホテルがJardins de l’Arche内の開発住宅エリアに建てられる予定で、
そこからナンテールの集合住宅エリアを介しラ・デファンス地区につながる。

1階には店舗が入り、上の10階は住居施設でうち3階分は学生用になっている。

各階は少しずつ回転してずれ、階段状のバルコニーが作られる。

ファシッド・ムサヴィはエフ・オー・アーキテクツの共同設立者で、Dezeen Wireで以前に紹介の通り6月に独立し建築設計事務所を設立した。エフ・オー・アーキテクツの以前のプロジェクトはこちら。

ファシッド・ムサヴィ・アーキテクチャーの企画概要はこちら

ファシッド・ムサヴィ・アーキテクチャーはパリ西部近郊のラ・デファンス経済区に作られる新しい住宅複合施設のデザインコンペで優勝した。11,430㎡の建物のうち7,500㎡は居住用、2,930㎡は学生寮、1,000㎡は店舗スペースとなっている。

この施設はラ・デファンスとナンテールの集合住宅エリアを結ぶ大規模な都市再開発プロジェクトのLa Parvis Jardin de l’Archéの一部である。他にはアリーナスタジアムやホテルが建設される。プロジェクトのクライアントはLes Nouveaux Constructeurs であり、公共計画の権威のl’Epadesaと協同している。

ファシッド・ムサヴィ・アーキテクチャーは建物の二面を利用できるよう細長いレジデンシャルを設計した。
各階は下の階から2度ずつ回転してななめのバルコニーと屋根付きの柱廊がつき、それぞれの家からはLa Grande Axeプロジェクトの再開発の軌跡をさえぎるものなく見下ろすことができる。

今年のプリツカー賞受賞者であるエデゥアルド・ソウト・デ・モウラにより描かれたスケッチが先月、ポルトにある元ポルトガル建築の学校にある曲線の壁に貼られています。（写真撮影：ホセ　カンポス）

２０年分のスケッチに模型や写真がともないます。そして５０のコンテストに応募したことを示しています。

配向性ストランドボードでできた引き出しの収納が模型と並行して展示しているのは、施工図・建設写真・追加のスケッチです。

管理者のAndré Campos と Pedro Guedes Oliveiraはこの展示会を用意しました。展示会はアルヴァロ・シザがデザインした ポルト大学建築学部棟(FAUP)において行われました。シザは近年ＦＡＵＰを改装しました。Dezeenにおいて特集記事があります。

今年初めからのエデゥアルド・ソウト・デ・モウラの完成したプロジェクトについてはDezeenの特集記事をご覧ください。またDezeenスクリーンにおけるオケルエデゥアルド・ソウト・デ・モウラによるポーラ・レゴ博物館もご覧ください

建築家と批評家Carlos M Guimarãesによる、このプロジェクトの詳細は以下の通りです

プリツカー賞への道のり
２０１１年プリツカー賞受賞者のエデゥアルド・ソウト・デ・モウラの「コンテスト１９７９－２０１０」というタイトルの展示会は、設計手法と作業方法を詳細に残したものです。

また、元学生と教授の作品に関して、ポルト大学建築学部棟（ＦＡＵＰ）で行われた最初の展示会です。

最終的に作品となった建築物のプロジェクトや、光り輝く写真に焦点を当てるかわりに、主催者であるAndré CamposとPedro Guedes de Oliveiraは強く、時にはとりつかれたような作業工程がこの建築物“ouvre（開き）”の背後にあるのを明らかすることでした。

アルヴァロ・シザの建築部棟にある２つの展示スペースで、１９７９年から２０１０年の間のコンテストのために用意した５０のプロジェクトの草案・物理的モデル・正確なスケッチ・モンタージュ写真・歴史的なデータを確認することができます。

展示会の本にある紹介で読むことができるように、ここで私達が取り扱っているのは「情報に基づいた建築物で、概念に正確であり、傾倒し、従事していることです。まるで答えを探求する科学者のようで、通りたくない道を正確に知っている芸術家のようです。

ロンドンの建築事務所、バックリィ グレイ ヨーマンは、ショアディッチにある火災で損傷を受けた旧市場の建物を、コルテン鋼に覆われた大学のオフィスに改装した。

グレード1に指定されているムーア式のマーケットビルは、20世紀初頭に閉鎖されるまでのわずか4年間、ストリートの商売人達を守ってきた。

2階建ての建物にさらに2フロアを追加する形で、ガラスとコルテン鋼から成る建て増し部分が、元の外観の背後に立ち上がっている。

ファッション街の建物の中庭部分にあるコンクリートの壁はそのまま残され、ガラスの欄干が中２階のバルコニー部分を取り囲んでいる。

Dezeenではここ数週間の間に、「南フランスのワイナリー」や「ベルギーのシースルー教会」等、コルテン鋼を用いた建物をいくつか掲載してきました。-風化鋼を特集した全ての記事はこちらから。

Photography is by Hufton + Crow.

以下、バックリィ グレイ ヨーマンからの補足説明：
流行の先端都市イースト・ロンドン周辺地での、バックリィ グレイ ヨーマンによるこのムーア式旧市場ビルの再開発、改装は、4階層の新しい大学の宿泊施設を提供すると共に、このロンドンのファッショナブルなエリアに新たなインパクトを与えている。

大火災の後、全体の後方部分を取り壊した、グレード2に指定されている現存の建物は、大規模な工事を必要とした。バックリィ グレイ ヨーマンは、大きく影響を受けていない元の建物の外観を慎重に維持しながら、オリジナルの建物構造を修復した。

市場の独特な個性を維持するために、修復するというよりはむしろ保全するような形でのアプローチが実践された。新しい増築部分は元の建物の外観からは独立した形で建造され、それぞれの建物がお互いの独自性を保っている。

コルテン鋼の層がコンクリートフレームの建物の周りに覆われ、それが水平に奥行きを生み出し、正面の外観をレイヤー化している。またそれは、発展した都会の工業的なイメージと、古くから受け継がれてきた地域の特質とに対応している。

クリックをしてイメージを拡大

この工業用パレットは内部で繋がれ、何も覆うことなく本来の場所を維持しているコンクリートの建物部分は、暖かみのあるサペリ材のパネルと、上部から差し込む光を、建物全体を通して地上階まで引き込むことを可能にする、中庭を横切るガラスの欄干によって、賛辞を受けている。

Dezeen Space：Dezeen Spaceで開催された小展覧会Dezeen Platformの最終日に、ロイヤル・カレッジ・オブ・アート出身のサラ・コルソンがアナログ写真ブースを自分の解釈のもと再現した。

このプロジェクトは、一般人がカメラマンとモデルの両方になれるという参加型のインスタレーションだ。

30日間毎日、日替わりでデザイナーたちがDezeen Spaceの１m×１mのスペースに作品を展示した。Dezeen Platformの全ラインナップ情報はこちら、それに関する記事はこちらからご覧いただけます。

アーティスト全員へのインタビューも収録。その様子はDezeen Screen でご覧いただけます。

Dezeen Space here.

Dezeen Space

9月17日から10月16日

月曜～土曜　11：00～19：00

日曜 11：00～17：00

54 Rivington Street,

London EC2A 3QN

行き先を気にせず急いでいないのなら、この巨大に膨らんだ雲はぴったりの交通手段だ。

この浮雲の行き先やスピードを決めるのは強い風。決まった目的地などなく、どこへともなく動いて行く。

乗客ははしごをつかって雲に乗り、旅のあいだは上に座っているだけ。

ナイロンで覆われた風船の中には、鋼鉄で出来た飛行船のような骨組みが構造を支えている。

ニューヨークの建築家ティアゴ・バロスは、この浮雲の交通網のデザインをヴァン・アレン・インスティテュートとニューヨーク市の文化事業部に提案した。両機関は高速鉄道網のコンペ参加者を募集していた。

city on a cloud（雲上の街）についての記事を2007年に掲載しています。以前の記事はこちら、天気に絡めたプロジェクトはこちらをご覧ください。

飛行船にご興味のある方は、こちらもご覧ください。

以下は建築家による解説：
Passing Cloud
Passing Cloud はつい最近のヴァン・アレン・インスティテュートとニューヨーク市文化事業部による国際アイディアコンペ：「Life at the Speed of Rail」に応募したプロジェクトです。

Passing Cloudは受賞こそしませんでしたが、費用の掛からない良いアイディアだということが分かりました。昔の飛行船を元にした、新しい旅の形なのです。

今や、旅は目的地と到着予想時刻が決まっているのが当たり前になっています。Passing Cloud はこのシステムを根底から覆すものです。乗り物が空に浮がび、その時の強い風に乗って合衆国内をどこへでも旅するのです。決まった行き先も時刻表もありません。旅そのものが大事なのです。完全に持続可能な物に乗って、人間が通った痕跡を残さずに風の速度で旅が出来る…そんな風に想像してみてください。

このプロジェクトでは合衆国内を動き回る独自の手段を構想し、同時に旅すること自体の復権を試みているのです。なぜ大急ぎで旅をするのか？なぜいつも最終目的地が決まっているのか？そしてなぜいつも到着時間と出発時間に余裕がないのか？今日ではすべてが決められていて、人々は走り回っています。もう一度旅というものについて考え直して、旅そのものを楽しむ時なのです。

Passing Cloud は革新的かつ環境に優しい交通手段で、高価な線路やコンクリートの高速道路など必要ありません。丸い風船がいくつも繋がって雲の形になったものです。内部はステンレススチールで作られ、伸縮性のある重いナイロンの布で覆われています。旅のあいだ中、その時の風速や風向きに従って動いていきます。風と共に動くので、もし風が無い場合、乗客は「浮遊感」を感じることになります。他に類を見ない旅が出来ます。雲の上に乗って空気中を漂う感覚、時刻表も無ければ目的地も決まっていない。風の力を借りて、国中どこへでもほぼコストをかけずに行くことができる。旅はあなたの運命になるのです。

プロモーター：ヴァン・アレン・インスティテュート／ニューヨーク市文化事業部
コンペ開催：2011年6月
デザインチーム：ティアゴ・バロス
場所：アメリカ合衆国

ザハ・ハディド・アーキテクツが設計したエヴリン・グレース・アカデミーは、この1年間の英国建築界への多大なる貢献が認められ、今年度のRIBA（王立英国建築家協会）スターリング賞を受賞した。

今夜、ロザラムのマグナ・サイエンス・アドベンチャー・センターで授賞式が開かれ、賞が授与された。

この建物は最終候補に残った6作品の一つ。最終候補作品の詳細はこちら。

2010年RIBAスターリング賞受賞者
ザハ・ハディドについての記事はこちら

写真：ルーク・ヘインズ

以下はRIBAによる解説。
ザハ・ハディド・アーキテクツが設計したエヴリン・グレース・アカデミーは、今年最高の建築物として2011年のRIBAスターリング賞を受賞した。

南ロンドンのブリクストンにあるザハ・ハディド・アーキテクツによる最先端を行く中等学校エヴリン・グレース・アカデミーは、英国内で建築または設計された最高の西洋建築物として2011年のRIBAスターリング賞2万ポンドを獲得した。ザハ・ハディド・アーキテクツがRIBAスターリング賞を受賞するのは2回目。昨年はローマの21世紀美術館MAXXIで受賞した。今年彼らはその素晴らしい評判を得た手腕を使って、学校の設計という分野で新境地を開拓した。今年16年目を迎えるRIBAスターリング賞には、アーキテクツ・ジャーナル誌とKingspan Benchmark 社が協賛している。

今晩（10月1日土曜日）UKプレミア建築賞の特別授賞式がRIBAスターリング賞を2001年に獲得したロザラムのマグナ・サイエンス・アドベンチャー・センターで開催され、その模様は明日（2011年10月2日日曜日）の夕方5時からBBC2のThe Culture Show で放送される予定。

スタイリッシュなジグザグのスチールとガラスで出来たエヴリン・グレース・アカデミーは都会の狭い空間にギュッと凝縮された形で建っている（敷地は1.4ヘクタール。平均的中等学校の敷地は8/9ヘクタールだ）。建築家たちは複雑なブリーフィングを受けた。1つのアカデミーの下に4つの学校があり、独立と結束の両方を表現しなくてはならないという。依頼主からは「型にはまらない考え方をするように」と強く求められた。こんな狭いスペースなのにこの学校の「特別科目」の一つがスポーツという状況で（アカデミー内の学校にそれぞれ1つ特別科目がある）、建築家たちには様々な創意工夫が要求された。そして彼らは成功した。例えば、生徒たちを正門へと導くような100ｍ陸上トラックを敷地の中心に巧みに組み込んだ。学校の専門分野を大げさに褒め称えることにより、RIBAスターリング賞の審査員は「このデザインで、朝学校に来る子供たちは文字通り走って学校に来ることになる」とコメントした。

昨年は最終候補に7つの学校が残ったが、実際にRIBAスターリング賞を受賞する学校はエヴリン・グレース・アカデミーが初めてである。ザハ・ハディド・アーキテクツが学校を設計するのは初めてであり、英国で最初の大型プロジェクトでもある。これまでにスコットランドのマギー・センターを手掛け、最近ではグラスゴーのリバーサイド博物館や2012年のロンドンオリンピック会場となるアクアティックセンターも完成させている。

RIBA協会長で審査委員長でもあるアンジェラ・ブラディは今夜次のように語った。

「エヴリン・グレース・アカデミーは、新しい学校を建てる際に設計に注意を払って投資をすればこれほどの物が出来るということを示す非常に素晴らしい例です。結果として、想像力豊かで元気の出る学校が出来上がり、学生や職員そして地域の人々に、皆さんは大切にされているのだと示すことが出来ました。学校はすべてこうあるべきですし、このようになることが出来るのです。非常に狭い土地に巧妙に建てられた独特なデザインは、その構造全体が学校の専門分野であるスポーツを称賛しています。学生たちの物語や風景がこの建物のあちこちで繰り広げられるのです。エヴリン・グレース・アカデミーでは、建築界で最も権威ある賞の非常に価値ある受賞作品であり、私は、ザハ・ハディド・アーキテクツにこの賞を授与出来ることをうれしく思います。」

エヴリン・グレース・アカデミーは、ヘッジファンドの億万長者であるアルパッド・“アーキ”・ブッソンが創設した慈善団体ARK（Absolute Return for Kids）アカデミー組織により運営されている。ARKは恵まれない子どもと豊かな子どもたちとの間の学力の格差是正をサポートすることを目的としており、都心部で地元の子どもたちに素晴らしい体験をするチャンスを与えようと尽力しています。

エヴリン・グレース・アカデミーの校長、ピーター・ウォーカーは次のように語った。

「この見た目がとても魅力的な建物は、毎日学校へ通う生徒たちへの力強いメッセージとなっています。このように向上心のある環境に恵まれているのはピッタリです。建物の内部構造は、エヴリン・グレース・アカデミーの革新的な学校システムという性質を上手くサポートしています。」

ザハ・ハディドは次のように語った。
「私たちのロンドンでの最初のプロジェクトがエヴリン・グレース・アカデミーだということは非常に重要なことです。学校は誰もが経験する最初の建築物の一つであり、子どもたちが大きくなる上で大きな影響を与えます。エヴリン・グレース・アカデミーが生徒や職員の皆さんから好意的に受け入れて頂き、非常にうれしいです。」

エブリン・グレース・アカデミーは次の最終候補作品の中から選ばれた。

O’Donnell ＋ Tuomeyが手掛けたデリー（Derry）の An Gaelaras
Allford Hall Monaghan Morris (AHMM)が手掛けたロンドンのThe Angel Building
David Chipperfield Architects が手掛けたドイツ・エッセンのFolkwang Museum
Hopkins Architectsが手掛けThe Olympic Delivery AuthorityがサポートしたOlympic Velodrome London 2012
Bennetts Associates が手掛けたストラトフォードのロイヤルシェイクスピアシアターとスワンシアター

RIBA協会長のアンジェラ・ブラディが受賞者を発表し、アーキテクツ・ジャーナルの編集者クリス・マレーが賞金2万ポンドの小切手を授与、Benchmarkのトップであるピーター・サントが建築家のパトリック・シューマッハーとラース・テイヒマン、そして校長のピーター・ウォーカーに賞状を贈った。

RIBAルベトキン賞と特別賞2賞の受賞者も今夜発表された。

RIBA会員がEU外で手掛けた素晴らしい作品として、WOHAアーキテクツの手掛けたタイのバンコクにある66階建ての超高層マンションザ・メット（The Met）がRIBAルベトキン賞を受賞した。

コフィアーキテクツの手掛けたロンドン北西部のセント・パトリック・スクールの図書館と音楽室に2011年スティーブン・ローレンス賞が贈られた。これは建築家になろうとしていた矢先の1993年に殺害されたスティーブン・ローレンスを偲んで設立された賞で、マルコ・ゴールドシュミッド財団が資金提供している。予算が100万ポンド以下の建築物のプロジェクトに贈られる賞で、少ない予算で仕事をしている才能ある若手の活躍を奨励することを目的としている。

ブロックシャム・チャリタブル・トラストが後援している2011年RIBAクライアント・オブ・ザ・イヤーはロイヤルシェイクスピアカンパニーが受賞した。この賞は素晴らしい建築物を世に送り出すのに協力してくれたクライアントに贈られる。

フランス人建築家のセルジュ・サラは中国で巡回中の展覧会用に色と形の無限の迷路をデザインした。

Beyond the Infinity を訪ねると幾つもの部屋をゆっくりと歩くことになる。どの部屋も明るく輝く色とりどりの明かりの付いた鏡張りの部屋だ。

壁と天井に木製の格子が3次元に張り巡らされ、それが鏡に映り無限に広がっている。

酸化アルミで作られた穴のあいたパネルは、木材フレームを包みこんでミツバチの巣のような箱型となり、紫外線のようなライトの下に輝きを放っている。

展覧会は上海から始まり、中国国内10都市でそれぞれ3日間ずつ開催される。

最近Dezeenで紹介された同じく鏡を使って無限に広がる空間を表現したインテリア作品については、こちらのプロジェクトをご覧ください。また鏡についての記事はこちらをご覧ください。

以下はサラ本人による解説：
セルジュ・サラ－「Beyond the Infinity （無限を越えて）」

フランス人アーティストのセルジュ・サラによる様々な感覚を使うインスタレーション「Beyond the Infinity」は、観客の新しく驚くような宇宙観を切り開く。この作品は2011年の9月から11月にかけて、上海と北京を含む中国国内の10都市を巡回予定。ゼネラル・モータース・チャイナが展覧会を後援している。

Inspiration
セルジュ・サラは1988年からバーチャルリアリティとフラクタルアートを混ぜ合わせた複数の感覚に訴えかけるアートスペースを制作している。インスタレーションは部屋全体を使った閉鎖された秘密の宇宙空間で、観客は体と感情を刺激されて神秘的な旅をするのだ。

セルジュ・サラの作品は、現代の先進技術を駆使して中国哲学と無限の風景を融合している。彼のインスピレーションは中国の道教や西洋ルネッサンス、新プラトン主義などに基づいており、さらにデュシャンやマレービチ、クレーといった20世紀最先端の4次元的芸術思考にも影響を受けている。

インスタレーションは全体として一つの電子芸術作品・音楽・彫刻、そして建築となっている。4次元幾何学を巧みに利用して空間と時間を操ることは、既存のやり方とはかけ離れている。そして変化し続けるメディア世界で観客と対峙する。

The Journey – Beyond the Infinity
インスタレーションは全体として一つの電子芸術作品・音楽・彫刻、そして建築となっている。4次元幾何学を巧みに利用して空間と時間を操ることは、既存のやり方とはかけ離れている。そして変化し続けるメディア世界で観客と対峙する。

作品のレイアウトは蘇州の庭園の空間的なテクニックを応用しており、無限に続くギャラリーが連なるという抽象的なバージョンの中国式中庭での神秘的な旅を再現している。動かない映像、動く映像、借景、フレーミングといった技術を応用している。

しかしまた、特に、観客が空間と時間の操作を経験することにより、密閉された空間で宇宙の崩壊を疑似体験する。絶え間ない変化と操作がこの作品の大きなテーマの一つである。この観点からみると、対象物は同じコンセプトの陰と陽で、色と形は裏返しになるのだ。

主なパターンは3つの次元に囲まれて空間全体を構成している李王の卦だ。
サラは語る：「作品の中に入るということは21世紀に転移してきた赤い館の夢の世界へと入ることなのです。」

Beyond the Infinity は、変異を遂げつつある世界と創造性の出会いという性質を持つ。過去と未来を融合し、現実と仮想世界との対話を作り上げるのだ。

これはおそらく希望への強いメッセージだ。つまり、現代の世界で古典的文化と革新の融合し新たな美と夢の創造する可能性への希望だ。展覧会は2011年8月28日に中国の済南から始まり、3か月間に国内10都市を巡回する予定だ。：

済南（8月28日）－蘇州（9月9日）－上海（9月16日）－北京（9月23日）－成都（10月1日）－大連（10月14日）－西安（10月21日）－鄭州（10月28日）－深圳（11月4日）－杭州（日程未定）

作品は各都市で3日間ずつ展示される予定。

dezeenプラットホームは、ロンドンデザインウイーク内のdezeenスペース内で催されているマイクロサイズの展示空間である。建築家でシューズデザイナーのジュリアン・ホークスの作品が展示されている。以下は2011年9月に収録されたホークスのインタビューである。

「モヒート」はホークスが展開する靴底も甲部分がなくても無限に足を支える靴である。

このシリーズは、2009年にDezeen内に初めて紹介された際はプロトタイプだったが、あまりの読者の反響に現在量産されている。

「モヒート」シューズに関するさらなる情報、dezeen,そして画像はdezeen screenにて見ることができる。

また、「モヒート」は、「Dezeenのアイデアブック」内にも掲載され、オンラインで注文できるほか、会場内の展示スペースで直接購入が可能だ。

このdezeenプラットホームでは、30日間にわたり、異なるデザイナーが一㎡四方のスペースを使用して自分の作品を展示している。全展示作品に関してはこちらをクリック。

Dezeenスペースに関する詳しい情報はここ、ロンドンデザインフェスティバルに関する詳しい情報はここをクリック。

Dezeen Spaceの詳細
期間：9月17 日 – 10月16 日
開催時間：月～土11am-7pm,　日 11am-5pm
住所：54 Rivington Street,　London EC2A 3QN

Dezeen Space スペース：C.A.NのMat BarnesとEddie Blakeは今行っているDezeen SpaceのDezeen Platformで「1:87 scale-model island」という作品の展示を行う。

線路の用なデザインのこの島は、スマートフォンから上から見えるQR codeから作品の情報を読み取れる様になっている。

Dezeen Space は30日間開催され、毎日違うデザイナーが1×1ｍのスペースを利用して作品を展示していく。ここから全ての作品をご覧ください。

Dezeen Spaceの詳細はこちらから、London Design Festivalの詳細はこちらからご覧ください。

Dezeen Space
開催期間：　2011年9月17日～2011年10月16日
月曜日～土曜日　11AM～19PM
54 Rivington Street,
London EC2A 3QN

ミラノのアート集団Carnovskyはロンドンにあるバー・ギャラリー「DreamBags-JaguarShoes」の店内壁紙を照明の色によって変わって見えるものに変え、新しいアート展示を作り上げた。

「RGB」と呼ばれるこの展示は、壁紙が赤、緑、青、黄色にプリントされ、様々な絵が重なって描かれている。これを色付き照明を通して見ると、色によって違った絵が見える用な仕組みになっている。

赤の照明で見ると迫力ある動物が、青の照明では猿が、緑の照明で見るとジャングルの植物の絵が見える。

ショー開催中に期間限定のプリントも発表される。

「DreamBags-JaguarShoes」というネーミングは、1980年代に使っていた二つのショップ名をそのまま使っている。当時の看板はまだショップの入り口に飾ってある。

この展示は2011年9月21日まで行う予定。

イメージ：Jeff Metal、JaguarShoes
下記はCarnovskyからの説明文：

RGB by Carnovsky at DreamBags-JaguarShoes
RGBは「表面の深さ」をテーマに冒険した作品である。

RGBデザインは表面で色彩が刺激合い、変化する様子を表現している。

RGBのテクニークは、原色をそれぞれ使った三つの違う絵を重ね合わせて出来ている。

二重焼はあるが、三つの絵を一緒に映し出すことは我々にとって未知の世界であり、チャレンジであった。

色は混ざり合い、線と形も絡み合ってしまい、きれいに写しだすことが出来なかった。

照明用カラーフィルターを通して見るときれいに重なり合った絵を見ることが出来た。

フィルターの色は赤、緑、青。

それぞれのイメージには、三つの絵が重なり合って生きていて、動物たちが生きる三つの世界観を表現している。同時に隠れている世界からはっきり見える世界へ、暗い所から明るい所へ、面で表現できる違った世界を感じることが出来る。

我々は「ジャングル」をコンセプトにした作品をずっと作りたかった。今回ジャングル特有の世界観をこの展示で表現することが出来た。この展示には最新の作品、また限定作品も展示される。

ジャングルのいきいきとした世界観、様々な植物、隠れた変わった生き物などが冒険心をくすぐり、新たなテーマ「夜」へと導きだしてくれた。

初めてRGBのプロジェクトの「The black series」（ブラック・シリーズ）を今回発表する。

それらは、オリジナルRGBプロジェクトと原理は同じだが、向きを変更したりしている。背景は黒で色のフィルターを通して見ると写真の用に見える。

「DreamBags-JaguarShoes」のスペースの作りは、二つに分かれている状態で、我々にインスタレーションを白と黒、日中と夜という風に分けるアイディアのヒントをくれた。

緑のフィルターを通して見るとジャングルがはっきりと見ることが出来る。赤で見るとジャングルの動物が登場し、青で見るとジャングで生きる猿と変わった生き物が見えてくる。

「Carnovsky」（カーノヴスキー）はミラノを拠点に活動するFrancesco RugiとSilvia Quintanillyが所属するアーティスト／デザイナー集団。

展示期間：2011年7月28日～2011年9月21日

展示場所：
DreamBags-JaguarShoes
32-34 Kingsland Road, Shoreditch,
London E2 8DA

ロンドンのデザイナーポール・コックセッジ氏は捨てられたビニールレコードを使ってスマートフォン用のアンプを作った。

「チェンジ・ザ・レコード」と呼ばれるこの作品は、プラスティック・ディスクを温めて型に入れ、円錐状に形づくられる。

スマートフォンを中に置くだけで、携帯から出る音が自動的に大きくなる仕組みになっている。

コックセッジ氏は、この作品を実際にパフォーマンスとして観衆の前で披露した。参加した人達は音を変換するためにそれぞれ自分のLPsを持参した。（2011年8月27 日「Ron Arad’s Curtain Call installation」 場所：Roundhouse）

「カーテン・コール」とはフィルムやパフォーマンスの背景として5600個のシリコンロッドを円状に吊るしデザインしたインスタレーションである。ここからその時の模様を映像でご覧下さい。

上記の写真：ポール・コックセッジ
Photographs are by Mark Cocksedge.

下記はポール・コックセッジからの作品説明：
Change the Record

ライブパフォーマンス中にデザイナーのポール・コックセッジは古いLPsを温めて、型に入れ、スマートフォン用のアンプとして生まれ変わらせる。イベントに参加する方は、12”のレコードを持参して頂き、変わったオブジェクトとして生まれ変わるのを間近で体験できる。出来たスピーカーはこのイベントで購入できる。

このイベントはRoundhouseで開かれたBloomberg Summerの一部として行われた。世界的に有名なアーティスト、建築家、デザイナーのロン・アラッドがユニークなインスタレーション「カーテン・コール」をロンドンで行った。

27th August, 4.00 – 7.00pm
The Roundhouse, Chalk Farm Road,
London NW1 8EH

Special thanks エクスビションの組み立てを担当したWildercreative 

階段、スウィング式のドア、取り外し可能な家具が付いたベニヤ板で出来たプレイハウス。子供服が連なる引き出しにディスプレイされている。

このプレイハウスはパリにある子供服のショップである。デザインはFrench studio（フランス・スタジオ）のMut Architectureと建築家のBenjamin Mahon。

この階段セットは移動式で、ショップスタッフが高い棚などに手を伸ばす際に利用できるようになっている。また、車輪付きのボックスも移動可能で、洋服を展示したり、畳んだりする時に台やテーブルとして使える。

子供のプレイエリアにある他のインテリアは、梯子や下に遊ぶスペースのある大きなベッドなどがある。

写真:マット・アーケティクチャー

以下は建築家に本人による説明文：
マット・アーケティクチャーはベンジャミン・マホンとコラボし、パリの１６Arrondissementに子供服のお店を完成させた。

このお店のメインのコンセプトは、大きいドールハウスをお店内に作ること。子供の世界を表現した、引き出しや、ドアが自由に移動できる空間を作りだした。

車輪付きの梯子は家にはめ込まれていて、移動式の展示台やテーブルにもなるボックスも用意されている。

外から見るこの大きな家は全く違う雰囲気に見え、違う楽しみ方ができる。圧倒的に他のショップと違う雰囲気で目立っている。

お店のインテリアには有名なべニア板を利用していて、白い木の層と、鏡がアクセントとして、このべニア板を引き立てている。

日本のティーハウスを思わすような、音楽リサイタル室がワシントンDCのある家に登場した。まるで、庭を灯すランターンの様なデザインである。

このガラスとブロンズのパビリオンはアメリカの建築家David Jamesonによって2009年に建てられた。

10cmもの厚い木製のドアにより中まで案内され、中に入れば一面木で出来た、壁、天井に囲まれる。

このパビリオンは庭に植えられた竹に囲まれ、夜には床に付けられた証明によって竹林が照らされ、幻想的な空間が表現される。

ここに住む家族は、ここを音楽演奏場、食事の場、またリラックスする場として利用する。

Dezeenが紹介するその他のティーハウス情報はここからご覧下さい。

David Jamesonは以前にも、建物の正面にバーコードが付いた家などを作成している。彼に作品に関する他の記事はここからご覧下さい。

Photography is by Paul Warchol.

下記は本人からの作品紹介文：
Tea House
ガラスとブロンズで出来たオブジェがある一家の庭に吊るされている。

このアイディアは、日本の提灯から得たもので、ティーハウス、リラックスする場所、また家族の音楽演奏会を行う場として使われている。

提灯のイメージや作りを研究し、まるで竹林の中に灯される1つの光の様な部屋に仕上がっている。提灯の様に部屋が吊るされている構造で、浮いている様なデザインにしている。

「折り紙階段」と呼ばれる階段を上がると、４インチもの厚い木のドアに出迎えられる。

ここに一歩足を踏み入れれば、まるで違う世界に来たかの様な空気に包まれるだろう。

設計者：David Jameson 建築事務所

土木技師：Linton エンジニア

Completed: 2009

コンペティション：私たちはスウェーデンの自転車アクセサリーブランド「Bookman」と協力し、５セットの自転車ライトをコンペの賞品として授与することを決めた。

「Bookman Light」（ブックマンライト）は伸縮自在のコードを引っ張り、自転車のハンドルや座る部分に付けるというシンプルなモノである。

このプロダクトには正方形のプラスティックケースと、ラバー素材で出来たボタン、またコードをはめる溝が付いている。

それぞれのセットは、白のフロントライトと赤のバックライトが付いている。また、フラッシュライト機能も付いており、速度の遅いモードと速いモードがある。

色は全部で四色。黄色、緑、青、黒がある。

このコンペに応募を希望する人は、氏名、年齢、性別、職業、住所、電話番号を題名「Bookman Light」として、competitions@dezeen.com までメールを送ってください。個人情報は誰にも公表せず、dezeenで管理します。

プライバシーポリシーに関しては、ここをお読みください。

コンペの締め切りは2011年9月20日。
５人の受賞者が選ばれ、メールによって発表する予定。また、受賞者の名前はDezeenmail newsletterと、dezeenのホームページ上で公表する。Dezeenのコンペティションは国際コンペであり、dezeenの読者、また世界中の人がエントリー可能となっている。

下記はBookmanからの詳細：
スタイリッシュ・輝かしい・ポケットサイズ！細くて、取り外し可能な自転車ライトがストックホルムの会社Bookmanより登場した。Bookmanは主に自転車のアクセサリーなど自転車に乗る際に利用するグッズを作っている会社である。

最初のコレクションは、レモンイエロー、ゴブリングリーン、ヘブンリーブルー、ピッチブラックの４色がある。

デザインアイディアはシンプルな形で、色が目立つものだ。ブロックタイプの形から始め、そこに必要な機能を付け加えていった：湾曲した底面、大きいラバーボタン、伸縮性のあるコードを付けるための溝。これが、あなたの自転車をお洒落に見せる、近代の自転車ライトBookman Light である！

パッケージ内容：
1フロントライト（白LED）と1バックライト（赤LED）
3モード：
フラッシュ機能、遅／速／通常のライト
バッテリー：
2 x CR2032 （電池交換は、下のねじを緩めて交換してください）
Bookman Lightはどんな天候でも通常にご利用頂けます。

この花瓶は砂から出来ていて、日本昔ながらのゲームの原理を利用し作られている。

「棒落とし」と呼ばれるこのゲームは、砂の山の真ん中に棒を置くことから始まる。ゲームのプレイヤーが交代で、棒の周りの砂を取っていき、棒が倒れたら負けというシンプルなルールのゲームである。

デザイナーのカネウチ・ユキヒロはこのゲームで言う真ん中の棒をガラスチューブに置き換え、砂の山が崩れないように樹脂加工し留めている。その結果、この様な山が崩れる直前の状態を表現することが出来ている。

デザイナー本人による説明：
Sand（砂）
「棒落とし」ゲームからインスパイアされ、砂と樹脂を使った花瓶を制作した。

このゲームはいたってシンプル。まず砂の山を作り、真ん中に棒を立てる。それぞれのプレイヤーが交代で、砂を取り除いていき、ポールが倒れたら負けとなる。

このゲームは、単純に創作と破壊の繰り返し。何世紀にもわたって遊ばれてきた。

この作品では、ゲームで使われている棒がガラスチューブに置き換えられていて、樹脂を利用し固定している。砂の山が崩れそうな瞬間を表現し、花本来の美しさを見出す花瓶となっている。

沢山靴は欲しいけど、現実はそんなに買えないあなたにぴったりな作品を紹介します。それがこの「MyShell256」。16個のパーツを組み合わせて、256個の違うデザインの靴が出来る優れものです。

Dezeen Screenで映像ごご覧下さい。

デザイナーSharon Golan作の「MyShell256」は、四つのパーツとシリコンバンドを使用して通常の靴の様に履く作品。

Julian Hakes’ Mojito Shoeの様に、堅い熱可塑性プラスチックで出来たパーツは足の裏とかかとに自然にフィットし、履きやすく、動きやすい。

ヘルサレムのBezalel Academy of Arts and Design で学習している時に、Golan氏はこの作品を考え出した。その他のアカデミー卒業生の作品はこちらからご覧下さい。

この作品と同じコンセプトを利用し、アクセサリーやバックを近々制作する予定。

Dezeenが紹介する愉快な、素晴らしい靴のデザインはここからご覧下さい。

下記はデザイナーSharon Golan本人からの作品紹介文：

私のシューズコレクションは全く別のデザインコンセプトから生まれたもの。デザインは全く想像の出来ない発想から生まれるものだと思う。‏このアイディアは「terrestrial crust」　と呼ばれる地球の表面からきたもの。地球の表面は、内部圧力により形成され、腫れたり、動いたりするなど足と似た行状をしている。私のお気に入りの組み合わせは、ベーシックなパーツに産業物を合わせ、色んなテクニックを使うもの。16個の基本となるパーツはフルーツの皮、卵、地球、貝殻からインスパイアされてデザインされている。これらのパーツは、シリコン・ラバー・バンドを使って組み立てることが出来て、全部で256個の違うデザインの靴を作ることが可能である。このプロジェクトはインターネットサイト（近日公開）の協力により、すべての組み合わせを使ったデザイン靴を公開する予定となっている。

以前は葬儀場として使用されていて、現在アートスペースとして再利用されているパリのCentquatreで、65,000個のＣＤから波状のランドスケープを作り上げた。

Dzeen Screenで映像をご覧下さい。
利用されななくったCDを集め、それぞれワイヤーでつなぎ合わせ、小山の様な起伏のあるベースに覆う。

「WasteLandscape」と呼ばれるこのインスタレーションは、建築家Clémence EliardとElise Morinによる作品である。2011年9月10日までパリのCentquatreで展示され、その後は様々な場所へと展示場所を変えていく予定となっている。

展示が終わった後、CDはリサイクルされる。

ロンドンのデザイナーBruce Munroも以前600,000個のCDを利用してイギリスで作品を発表している。その記事はここからご覧ください。

写真：Yannick Fradin、Martin Eliard 、Marc Sirvin

下記は、MorinとEliard本人による作品の詳細である：
「Waste Landscape」はパリのCENTAUATREの1000㎡のスペースを利用し、作られたアート作品である。 2011年7月21日から9月10日までこの場所で展示する。この作品のサイズは約500㎡で、65,000個の売れ残ったCDや利用されなくなったCDを集め、手縫いでつなぎ合わせられている。

CDはいずれか我々の日常から消えるだろうと言われ、様々なその後の活用法が考えられている。石油で出来ていて、光に反射するCDは清音な波の形を表現している。このアート作品は、我々が日常で使う小さい物の大切さを改めて考えるきっかけとなるのではないか。

「Waste Landscape」は次に関連する場所で展示していく：アートを社会全体で推進する,環境問題に意識を集め、考える,新しい事を創作し、世に発表する,アート関連の組合を評価する,プロフェッショナルの訓練

色々な場所で展示する間、「Waste Landscape」は何タイプかの形に変化していくだろう。その後はプラスチックとして再利用される。巡回展示をすることによって、多くのアーティストに物の大切さを伝え、新しい作品作りへのきっけとなるだという。

Clémence Eliardは建築家、Elise Morinはアーティストであり、2009年から共同で作品作りをしている。「Waste Landscape」は現代アート、景観、環境問題の岐路に立っている。このインスタレーションはClémence Eliard、Elise Morinと104のコラボレーションによって展開された。展示場所は、atelier Novembre: Marc Iseppi & Jacques Pajotによって改装された。

入場料：無料
材料：売れ残ったCD、ワイヤー、膨らますための機材
表面積：500㎡
写真：Yannick Fradin、Martin Eliard、Marc Sirvin

Royal College of Artの卒業生、ShiKai Tsengは花瓶や陶器の新しいデザインを提案した。「Photo-sensitive solution」という乳剤を花瓶に塗り、その後4面に針穴を開けたピンホールカメラで露光する。

5分から１５分置いた後、通常の写真を現像する様に、暗室へと持っていき花瓶に写真を現像する。

ピンホールカメラに入れらたらそれぞれの陶器は、自然の景色を不変的に表面に写し出す。

Anglo-Dutch designersのGlithero氏も「photosensitive chemicals」乳剤利用しデザイン作品を作っている。詳細はこちらから前の記事をご覧ください。

下記はShikai Tseng本人による説明文：
PhotoGraphy – no.1
「Photography」は、時間、光、環境が持つ力を利用し、立体物に画像を写し出した創作プロジェクトである。

初回のシリーズは、陶器や花瓶などに乳剤を塗り、穴の開いた箱に入れ、太陽の光を利用し5~50分程露光する段取りとなっている。

ピンホールカメラを利用することによって、焦点があってなくても立体物に写真を写し出すことができる。これは普通のカメラでは出来なかったことで、時間を捉えるための新しい手法である。

立体物に一瞬一瞬の風景画が刻まれ、新しい写真が生まれる。

靴デザイナーMarloes ten Bhömer作のこれらの靴は、三つの皮が貼り付けられて出来ている。

「貼り付けられた皮靴」（Pressedleathershoe）と呼ばれるこの靴は、水に湿らせた皮を二つの型に貼り付けら、出来ている。

その後、三つの皮は切られ、芯材で出来た型に組み立てられる。

このプロジェクトは、デザインショーケースFormula Fashionに任命によりデザインされ、Northampton大学で8月22日より展示される予定。

Marloes ten Bhömerは足のサイズにぴったり合ういように１つずつ作られる「3D-printed shoe」など他にも面白い靴のデザインを発表している。

下記はMarloes ten Bhömer本人による靴の説明。
Pressedleathershoe
Pressedleathershoeは皮の加工処理を利用し政策される。まず、皮を水に浸し、立体的な形なる様に、二つの型の間に貼り付ける。

その後、皮を乾かし、切る。そして１つの靴として組み立てられる。

「Blackpressed leathershoe」は三つの皮の部分を使い、出来ている。

このプロジェクトはFormula Fashionに任命され制作され、現在は展示されている。

材料：皮、プラスティック

Formula Fashion はIgniting Ambitionの一員で、イングランドの中部地方にあるCultural Olympiad プログラムの一環である。Formula Fashion は新しく任命されたモータースポーツフュージョン、アート、皮の制作物などを紹介、展示している。(他の展示会：Kei Ito, Aasen Stephenson, Genevieve Bennett and Jo Cope)

Formula Fashion展示スケジュール:
Silverstone Circuit, 8 June 2011 – 9 June 2011
Silverstone Circuit, 8 July 2011 – 9 July 2011
Silverstone Circuit, 22 July 2011 – 24 July 2011
Northampton大学2011/8/22－2011/9/5
Northampton Museum and Art Gallery, 8 September – 21 September 2011
The National Centre for Craft & Design Sleaford, 24 September – 6 November 2011

協力: Silverstone Holdings Ltd, Northamptonshire County Council, South Northamptonshire Council, Northamptonshire Enterprise Limited, University of Northampton (incorporating the School of Arts), Design Factory.

アメリカの建築家であるダニエル・リベスキンドは、香港城市大学のためのメディアセンターを完成させました。

The Run Run Shawの創造的なメディアセンターには研究所、劇場、学校のコンピュータ工学とメディア技術の学部用の教室があります。

リベスキンドの一連の作品と同様に、このセンターの側面は上に向けてシャープな点を描いています。

つやのある物質が建物の外観を包む一方、内装の天井中に光の帯が交差しています。

メディアセンターは１０月にオープンの予定です。

ダニエル・リベスキンドはベルリンのユダヤ博物館や現在ニューヨークで建設中のワールド・トレード・センターの基本計画でよく知られています。リベスキンドに関するDezeenの記事はこちらをご覧ください。

香港の建物に関するDezeenの記事はこちらをご覧ください。
写真撮影：Gollings Photography
建築家からの詳細な情報は以下の通りです：
The Run Run Shawの創造的なメディアセンター

香港城市大学のThe Run Run Shawの創造的なメディアセンターではこの大学がアジア初の、創造的なマスメディア分野において、最高レベルの教育と訓練を可能にする設備を供給します。このセンターではメディア技術センターとコンピュータ工学と情報工学技術の学部があります。

住所：九龍塘、哥和老街、香港城市大学
技術詳細
» 鉄骨鉄筋コンクリート
» 263,000平方フィート

制作スタッフ：
デザイン：スタジオ　ダニエル・リベスキンド
共同事業社：Leigh & Orange Ltd. (香港)
建築技術：ＡＲＵＰ（ロンドン・香港）機械工学・電気技師・水道配管：ＡＲＵＰ（ロンドン・香港）地盤工学・土木技師：ARUP土木技師・専門家・環境・情報技術＆コミュニケーション・視聴覚・音響・暖房・建築革新・交通工学：ＡＲＵＰ（香港）
建築請負人：チャイナ・リソース・コンストラクション
造園：ADI Limited (香港)

施設：
»防音スタジオ２室（2,200平方フィート・5,400平方フィート）
»ＴＨＸの上映室２室、１室は合成録音施設あり
»追加の上映室３室
»没入型仮想現実研究所
»ボックス・イン・ボックス構法のレコーディングスタジオ
»テレビスタジオ
»制作・研究のためのコンピュータ研究室・教室
»多目的劇場
»イベント会場・展示場
»講義室　３室
»木／金属工場
»電気店
»レストラン
»カフェ
»庭園

裸のマネキン達が、M・C・エッシャーにインスパイアされた上海の洋服店の壁や天井に座っている。

ローマと上海に拠点を置く、3Gatti Architecture Studioがデザインしたこの店は、洋服やアクセサリーをディスプレイする、不調和なコンクリートの階段で占められている。

店舗の後方にあるフィッティングルームとストックルームは、上昇する階段の下部に囲まれている。

店舗の前面にある小さな階段が、フロアを横切ってせり出している。

銅のパイプは、階段の手すりだけでなく、衣類掛けの役割も果たしている。

最近Dezeenで取り上げた、他の上海のプロジェクトには「3つの水上競技場」や、「唇のような階段のあるオフィス」等もある。-上海のプロジェクトに関する全ての記事はこちら。

Photography is by Shen Qiang.

写真撮影：Shen Qiang.
以下、建築家からのさらなる詳細：
Alter（アルター）
上海のコンセプトストア
Alter（アルター）は、全く新しいファッションストアのプロジェクトである。

オーナーのSonja Longは、メインストリームから脱却するようなビジョンを持っていた。それは価値観の倒置、全く新しい美、そして視点の転換に関するビジョンである。

見かけとは裏腹に、実は上海は保守的な都市であり、人々は特に、この街を覆っている主流の無難なビジネスの価値観に反するような、多くの異なったアイデアを受け入れる準備はまだできていないように見える。

Sonjaは上海人だが、常識外れで、そして勇敢であった。彼女は顧客達に、最高品質の商品を揃えたハイエンドなファッションストアでありながら、モダンで裕福な中国の消費者に受け入れられている主立ったグローバルブランドとは全く異なる新しいモデルを提案したのだ。

建築家のFrancesco Gattiはローマ人であり、 彼もまた常識外れで勇敢な心の持ち主であり、ALTERの先鋭的な （ALTERnativeな）フィーリング をSonjaと共有し、その空間を具現化させた。

デザインは、普段のFrancescoのやり方で、抑制をもたない子供のように、自然に次々と湧き出てきた。

スペースは小さかったが、沢山の機能と部屋が必要とされたので、いわば自然なジェスチャーのように、オフィスとフィッティングルームの外側を覆う階段が造成され、同時にそこで、商品が多面的に展示されている。

Alterの哲学は、言うなれば、全く新しい世界を呼び起こし、現実のものにするということだ。

デザイナーとしてFrancescoは、エッシャーの絵画の一つのような、独創的で構築的な空間をイメージした。それはもはや通常の世界の法則や重力は存在しない場所であり、「上」も「下」もなく、「左」や「右」もない、そしてどんなことでも起こりえる場所である。

このアイデアに従って、Alterストアでは階段が独立した要素として空間を丸ごと包み込み、または1枚の紙のように折り重なって、あり得ないような環境を作り出している。…またはあり得るのかもしれない。Alterの夢の中では。

 夢といえば-ショップが開店した数ヶ月後、Francescoは映画館に行き、「インセプション」を発見した。夢についての映画で、そこには全てのコンセプトが揃っていた。階段から鏡まで、不思議なくらいAlterにそっくりだ…彼は良い映画監督になるかもしれない。

写真撮影：Shen Qiang

Alter クレジット：
建築事務所：3GATTIアーキテクト
責任者：Francesco Gatti
プロジェクトマネージャー：Brendan Whitsitt
コラボレーター： Kylin Cheung , Bonnie Zhou , Karina Samitha, Danny Leung, Priyanka Gandhi, Zenan nLi , Andrew Chow
建築計画：ファッション・ストア展示場（ドレス、靴、ジュエリー、メガネ、デザイン玩具、本）ラウンジエリア、ＤＪコンソール、２つのフィッティングルーム、オフィスルーム
請負業者：Suenpui Laam
クライアント：Sonja Long
所在地： Xin Tian Di, Madang Road, Xintiandi Style Mall, Shanghai
総面積：100 m²
設計期間：2010年春
工事期間：2010年夏
ショップオープニング：2010年9月
材料：鉄鋼造、コンクリートレンガ、白いテラゾのセメント、ワックス、石膏ボード、灰色のセメント、エポキシ樹脂、合板、皮革

ポーランド人アーティストのモニカ・グルジマワは、10月にロンドンで開催される展覧会で、黒と白の長い粘着テープでギャラリーをいっぱいにする予定です。

Sumarria Lunn gallery で開かれる展覧会は、ニューヨークのMoMA、東京アートミュージアム、ロンドンのドローイング・ルーム、テキサスのドナルド・ジャッド財団での展覧会に続いて行われるものです。

グルジマワはギャラリーの壁に直接粘着テープを付け、角を包み込んだり外へと張り出したりして三次元の絵画を描いています。

以前のインスタレーションでは何キロメートルものテープが出入口に架かり、渦巻きになって床にあふれ出ています。

展覧会は10月12日から11月5日まで開催されます。

ストレッチ性のある網細工の織物や浮かぶ帽子の展覧会など、インスタレーションの様子が最近のDezeenで紹介されています。インスタレーションに関する記事はこちらからご覧いただけます。
写真提供：モニカ・グルジマワ

以下はギャラリーからの情報です：
モニカ・グルジマワは1970年にポーランドのザーブジェ生まれ。1980年、家族と共にドイツに移住し、彫刻と修復を学びました。教授が彼女の作品を見て、彼女の興味の対象が作品そのものではなくその関係性に表れていると評した時、彼女の作品の性質は変わりました。彼女は彫刻をやめて重点的にデッサンをするようになり、点と線という基本を探求するようになりました。

「私の描く線はあっという間にページを離れ、壁へと続いて行きました」

西洋の歴史は有史以来線画（スケッチ）に夢中です。歴史は本当に線画そのものです。中世の本の彩飾からルネッサンス期の人体の描写、線だけで構成されるミニマリスト作品に至るまで、線画は芸術にその存在感を示しています。グルジマワはこの伝統を踏まえていますが、二次元から飛び出して伝統的技法から抜け出て、風習を鋭く現代のものへと転化しています。

「彼女の技術とイマジネーションによって、線画はこれまでの芸術家たちが成し遂げた物を飛び越え解放されたのです」

使用した素材を重量や量ではなく距離で表し、グルジマワは自分の作品は従来のインスタレーションよりもよりパフォーマンスに近いと評しています。使ったテープの本数ではなく長さを図ることで、彼女はすべての作品に費やす肉体的な努力を伝えています。「私の作品にとって、時間は非常に重要な要素です。作品はすべてタイムカプセルのようなものなのです」作品はどれも、与えられた場所の状況や形状に合わせて制作されます。ニューヨークでの展覧会では8.3キロの黒と白の粘着テープが使用され、ギャラリーの壁じゅうを走り回り、角を曲がり、壁を離れて柱を包み込んでいるようでした。ロンドンのドローイング・ルームでのインスタレーションでは、何キロメートルもの白と灰色の粘着テープを使って、ギャラリーの隅を埋め尽くしロンドンの高層ビルを再現していました。

「作品を残すときはいつも、自分の一部、自分の体の一部を残していくような気がするんです…目に見えないつながりがあるんです。ベルリンからロンドン、ニューヨークまで」

Sumarria Lunn Gallery で開催されるグルジマワの個展は、テキサスのドナルド・ジャッド財団（2008年）、ロンドンのドローイング・ルーム（2009年）、東京アートミュージアム（2010年）、ニューヨークのMoMa（2010）年）に続き開催されるものです。

展示会詳細：
タイトル：モニカ・グルジマワ
場所：Sumarria Lunn Gallery、36 South Molton Lane, Mayfair, London W1K 5AB
展示開催期間：2011年10月12日から11月5日まで

モントリオールのファッションデザイナー イン・ガオ氏によるこちらの服は光に反応して丸まったり広がったりします。

Dezeen Screenのその他のイン・ガオ氏の動画はこちら

このドレスはリビング・ポッド（Living pod）と名づけられ、一枚目のドレスに光センサーが入っています。そのセンサーで布のひだの間に縫いこまれた小さな電気モーターが作動します。

2枚目のドレスのフリルはこの動きをコピーして強調し、レザーコートの切り込みからこぼれ出ます。

このプロジェクトはYing Gao: Art, Fashion and Technologyのタイトルでカナダのケベック州立美術館にて展示されており、息をしているように見えるガオ氏のドレス（以前の記事はこちら）と一緒に公開されています。

展示は8月28日まで。

写真撮影はドミニク・ラフォンド

以下はイン・ガオ氏からの説明。
リビング・ポッド
リビング・ポッドシリーズのコートは英国建築の共同体であるアーキグラム（Archigram）にちなんで展開しています。アーキグラムは1960年代に移動可能で一回性の空気式の構造の居住施設を構想していました。

光、形状の変化、模造がリビング・ポッドの中にあります。ユーザーは2種の人工物からなる服の正面に立ち、光源を用いてgarment Aをゆっくりと起動します。

次に、服に縫い込まれた光センサーで起動する小さな電気モーターで動くgarment Bがpiece Aを誇張したアンバランスな形で模造し、形を変えます。

平面パターン裁断の技術を利用することで、イン・ガオ氏はプロセスに滑らかさとしなやかさを与えています。リビング・ポッドは機械による服の動きに加え、今日のファッションシステムの二つの基本的側面である「対比」と「模造」を際立たせています。

この服は人とその人のいる環境との間にある媒介となっています。光を使うリビング・ポッドは、空気を使うことで服のさまざまな要素が息をしているようにみえるウォーキング・シティ　プロジェクトと類似しています。

インタラクティブな2枚のコート。レザー、スーパーオーガンザ、電子機器を使用。

Show RCA 2011: フットウェアデザイナーのヴィクトリア・スプルース氏は今月初旬のロイヤル・カレッジ・オブ・アートの卒業制作展で立体的な靴を発表しました。

このコレクションは光沢のあるプラスティックの覆いと伝統的なレザーソールとマットレザーの裏張りの組み合わせで、その様子は靴上部がねじれて折込まれることで見えます。

Dezeenはすばらしいフットウェアに特に着目しています－一風変わった靴についての情報はこちら

RCA2011Showに関するすべての記事はこちら

ヴィクトリア・スプルース氏からの詳細情報はこちら：

このコレクションはもともと有機的な流線型の彫刻にインスパイアされたもので、そこから流れるような連続したラインと素材で構成されたひとつの物体のアイデアを思いつきました。

伝統的な靴製造の用具と技法を組み合わせた新技術とハード素材を用いることで、コントラストの要素が強調され、逆にそれがひとつのものとしてのまとまりを作っています。

プラスティックと伝統的なレザーソールの裏張りとして色調をあわせたマットレザーを用いることで、現代的なプラスティックの外観と伝統的な様相のコントラストが強調されよりいっそう明確になっています。

こうしてハードとソフトのコンビネーション、マットと光沢のコントラスト、そして意外な現代技術と伝統技法の組み合わせからなる立体的で新しい靴が完成しました。

ファッション科ウィメンズウェア
専門：フットウェア

後援：The Worshipful Company of Leathersellers　リチャード・ペイス, ダニエル・ルービン（RCA フットウェア奨学金）

岩のような建物に適合した植物が、隙間から生い茂り、この建物の表面を覆い尽くす勢いです。この建物はナントにあり、フランスの建築家Edouard Françoisによるものです。

植物はTour Végétale de Nantes（ナントの植物ツアー）で、ステンレス製のチューブ内で成長しています。

このチューブは、住んでいる人のバルコニーではほとんど邪魔になりません。しかし緑に取り囲まれた環境を与えます。さらに地元の植物園により収集された種類を展示しています。

この建物は小売店と駐車場を含んだ幅木、黒いゴムの立方体で取り囲まれた事務所、そして移動型で楕円形のバルコニーがある住居棟で構成されています。

Françoisは植物を組み込む建築において、よく知られています。２００９年に完成したパリ市民のEden Bioによる公営住宅もこれに類します。詳細についてはDezeenの過去の記事をご参照下さい。

植物に関する Dezeenの記事はこちらをご参照下さい »

Edouard Françoisからの情報は以下の通りです：
この作業にあるのは将来の身近にあるエコです。ナントにあるブルターニュ公草原は特にその高さにおいて特徴を持っています。この作業の主たる挑戦は、都市の中心部に、並外れた設定で、高い建物に住むという望みを再度作り上げることです。

この複合的なプロジェクトのベースになるのは店舗と駐車場です。黒いゴムの立方体の中に事務所があります。そして住宅棟は１７階建て（６０ｍ）です。この塔の主体部分は楕円形のバルコニーで囲まれています。バルコニーは階によって変化して巨大有機体のシルエットをかたどっています。

この塔はナントの植物園から来た岩隙植物に対して支援をしています。科学者がこれらの植物を全世界から集め、凍結保存しました。この建物で市の植物コレクションを見ることができるのです。栽培地の斬新なところは、長いステンレス製のチューブ（半径１２ｃｍ、長さ４ｍ）で植物が成長するところです。このチューブが岩の多い山の隙間に育つ岩隙植物の自然な状態を再現します。科学的な実験は現在ナントにある植物園で１年間行われており、栽培過程の生存能力を試しています。この実験の結果で植物の成長は非常に水の消費が少ないところでは並外れたものであることが分かりました。このチューブがバルコニーに与える影響は最小限なものです。一方、外観は縦のダイナミックな線を作っています。

ナントの植物ツアー
建築家：Edouard François（王立英国建築家協会仲介）
植物学者：Claude Figureau
技術調査事務所：アメリカ建築家協会　ＳＥＲＡ
依頼者：Giboireグループ
ナント島ナント　ブルターニュ公草原　諸島Ａ２
設計：　コンクール　２００９年１２月、配信　２０１２年
計画：９１５０㎡
７５００㎡　アパート６２４０㎡（８５～９０部屋）
２０００㎡　事務所
３５０㎡　アクティビティ
９１　駐車場
位相：加圧コンクリート

Dezeenの木に設置された小便器P-Tree（上部写真、左下）の記事がとても人気があったので、今月のトップ10はすべてトイレに関して。

１：読者は、第一位になったSuppose Design Officeによる名古屋の家の、キッチンとトイレを区切っているガラスの壁を、完全に受け入れることはできなかった。

２：2番目に人気があったのは、吉田周一郎建築設計による下館・時の蔵トイレで、2つの歴史的建造物の間に建てられた、幅の狭いトイレの建物だ。

３：ミラノのデザイナーGabriele and Oscar Burattiによる、将来的な環境にも配慮された、洗面台一体型トイレが第３位に。

４：4番目に人気のあったトイレに関する記事は、広島公園に点々と設置されたFuture Studioの17種類のカラフルな公衆トイレだ。

５：第5位はこのAnders Wilhelmsonによる、排泄物を微生物の作用で分解できるPeepoo bag。

６：Dezeenのトイレに関する最新の記事でオランダのデザイナー・Aandeboomによる小便器、P-Treeが第6位に。

７：イングランド・ケント州のPlastik Architects による先の尖った公衆トイレは7番目に人気のあった記事。

８：第8位は、Chris Briffa ArchitectsによるRoyal Flush。以前は遊郭だったマルタのバレッタにある公衆トイレだ。

９：ウクライナの建築事務所、2-B-2による Mrs. Hudsonと名付けられているこのパイプ型トイレは、9番目に人気のあったトイレに関する記事。

１０：最後に、暖房便座、エア・ドライヤー、そしてリモコンが備えられている、イタリアのデザイナーStefano Giovannoniによるトイレが第10位。

Dezeenのトップ１０の全ての記事を見てみよう

来月は他のトップ10の記事に戻ります。一方で、Dezeenスクリーンでフェスに使用された小便器P-Treeの動画がご覧いただけます。

New Designers 2011: ロンドンメトロポリタン大学の卒業生であるAdrian Bergmanは、モジュール式の小売ディスプレイシステムをデザインしました。これはゴム輪だけで組み合わせています。

小売店は、このPoles Apartのキットを使いディスプレイしているテーブルや横木の組立や型を変えたりします。釘や糊、ネジのような道具は要りません。

テーブルにある斜めにあいた穴が双方にあり、テーブルの脚を適当な位置に保ちます。

New Designersの展示はロンドンで７月６日から９日まで行なっていました。この展示に関する他の作品についてはこちらをご参照ください。

デザイナーからの情報は以下のとおりです：
「Poles apart」はモジュール式のディスプレイユニットです。小売店を対象としています。どのユニットも組み立て時に、ユニット追加の場合にはゴム製のＯリング（オーリング）を使っています。ユニットは糊を使わず、アッシュ材とベニヤ板で作っています。

「Poles apart」はそれぞれの部品が利用できるのです。ですから環境に合わせた様々な形を構成したり、カスタマイズできます。補正として角度のついた穴が横木に食い込んでいて、脚の部分が通れるようにしています。そして表面部分にゴム製のＯリングを使い安定させるのです。

組み合わせると、ミシュランの星を獲得したレストランの場所を示すフランスの地図ができる、30枚のディナープレートのコレクションが、AllegoryのAlbert Schrurs（アルバート･シュルール）氏によってデザインされた。

フランス・コレクションは、スイスのデザイン学校ＥＣＡLで企画され、フランスの陶磁器ブランドBernardaud（ベルナルド）によって、限定品が生産される予定だ。

ここからは、Schrurs（シュルール）氏からのテキスト:

フランス・コレクションは、Bernardaud（ベルナルド）のための、ポーセレン（白磁器）装飾のプロジェクトだ。それは、ＥＣＡＬのMAS Luxuryコースでの、Pierre Charpin（ピエール･シャルパン）氏の指導によるワークショップの成果である。

そのプロジェクトは、 フランスのメーカーの創立記念の限定生産品として採用され、フランス、リモージュでの展示会 “Le Décor est Planté”において、国際的デザイナーや学生達による他のプロジェクトとともに、一般に公開された。

企画者として、私は自分の背景や根本に立ち返るような、美学を伴った仕事に魅了された。それから私は、フランスの一大タイヤメーカーであるミシェランの、マーケティングに関する素晴しい逸話を思い起こした。：1900年、パリにおける「Exposition Universelle」（パリ万国博覧会）で、彼らは顧客に「レッド・ガイド」（ミシュラン・ガイド）を無料で配布することにした。

こうしたガイドは、実際に国内のあらゆる「良きレストランとホテル」を紹介しているが、それはまた、グルメ旅行のドライブへの誘いとなり、さらにはミシェランのタイヤの需要へも繋がった。

それ以来、ミシュランの 「レッド・ガイド」（ミシュラン・ガイド）は、最も権威のある美食評論のための手引書とみなされていて、一流シェフ達は（ランク付けの仕組みである）その星の獲得を目指して競い合っている。

私の企画は、素晴しい道路網と美食の伝統、双方へのトリビュートだ。30枚の異なるプレート（5枚の異なるサイズ）を並べることによって、私達はフランスの街道と一流レストランが記された巨大な地図を目の当たりにする。

プレートの裏側では、地図上のプレートの位置と表側のサイズを確認でき、北を指している矢印が、プレートの向きを表している。

Albert Schrurs（アルバート･シュルール）氏は、ＥＰＦＬ（ローザンヌ工科大学）卒。建築家、ECAL MAS Luxuryの卒業生、デザイナー。更に、ジュネーブを拠点とするスタジオALLEGORY sàrlの共同設立者でありマネージャー。

Frank Gehryによる超高層マンション、New York by Gehryがほぼ完成に近づいています。

波打つステンレス・スチールはビルの外装の3面を覆い、内部のアパートメントのうちの903室の出窓を作り出しています。

265メートルの高さのこのタワーはニューヨークで8番目の高さで、西半球の超高層マンションの中では最も高い建物になります。

超高層ビルに関するDezeen記事はこちら>>

Frank Gehryに関するDezeen記事はこちら：

特に記載のない限り写真撮影はdbox。

上記画像著作権はGehry Partners,LLPに帰属

以下はデベロッパーからの情報です。

870フィートの高さのNew York by Gehry は西半球で最も高いタワーマンションで、マンハッタンの空にひとつくっきりと映えるアイコンとなっています。

今回初となるニューヨーク市での住宅施設の受注で、マスターアーキテクトのFrank Gehryはうねるステンレス・スチールを用いて典型的なマンハッタンの高層ビルを再構築しました。ステンレス・スチールは移りゆく光線を反射しビルの外観は1日の中で時間を追うごとに変化します。Gehryならではの美学は内装やアメニティ・スペースにも及び、室内装飾や設備は特別注文のものです。

上記画像著作権はGehry Partners,LLPに帰属

Gehryが斬新な出窓を取り入れたことで、タワーのシルエットはダイナミックになり、部屋からは普通見ることのできないパノラマの光景が見えます。階ごとに出窓の張り出しが変化し各室に合わせて形状が調整されることで、そこに住む人はゲーリーのいう「はてしない空間に入り込む」ことができます。

拡大画像は上記をクリック

Gehryには22,000平方フィートの屋内外のアメニティスペースと、ライフスタイルにいたるまでをサポートする総合コンシェルジュサービスがあり、住人は世界一流のホテルやリゾートにしかないようなサービスを受けることが出来ます。

拡大画像は上記をクリック

Show RCA 2011/Royal College of Art Graduate Exhibition 2011 ： けたたましいアラーム音ではなく優しいそよ風とコーヒーの香りで目覚めたいあなたへ。ロイヤル･カレッジ･オブ･アート/Royal College of Artの大学院生Ki Hyun Kim氏は、お好きな家電と接続可能な目覚まし時計のデザインを手がけた。

Dezeen Screenの動画はこちら

「Alternative Alarm Clock」はデジタル時計と２口のコンセントが一体化している。

アラームがONになると、その時計と接続したコーヒーメーカー、ランプ、ラジオ、扇風機などが作動するしくみ。

この作品は7月3日までロンドンにて開催されたShow RCA 2011で発表された。

Show RCA 2011に関するDezeenの記事はこちらから
以下はKi Hyun Kim氏からの説明:

Alternative Alarm Clock

目覚まし時計に好みの家電を接続することで、聴覚、視覚、触覚、嗅覚だけに限らず同時に複数の感覚へ働きかけることが可能となります。より多くの感覚を刺激することで、ゆるやかながらも確実に人間を目覚めへと向かわせます。

アラームが鳴ってもすぐに起きることができず、少しの間ベッドでダラダラしてしまうことはよくあること。その間に、人間の神経と感覚のスイッチは「睡眠」から「活動」へと切り替わるのです。

日常生活に身近な存在でありながら、それだけではそれぞれ単独の機能しか持たない「アラーム」と「電源コンセント」。「Alternative Alarm Clock」はその２つの機能を一体化させました。単にアラームをセットするだけではなく、２口のコンセントから電化製品と接続できます。

時計の機能に家電を取り込むことによって、人間の様々な感覚を刺激する可能性は大きな広がりをみせます。

寸法
126 x 93 x 47 mm

スコットランドの建築家 Page\Park が、スコットランドのウィキーソンに視覚障害を持つ海軍、陸軍、空軍の兵士のセンターを完成させました。

1階建てのスコティッシュ・ウォー・ブランデッド・センターの形はこの慈善団体にある龍の形の彫刻からヒントを得たもので、建物は曲がりくねった形をしており、トタン屋根は波打っています。

隣の敷地には、古い建物の後に新しいデイケア・センターとリハビリ・センターが建てられ、工作室や美術室、トレーニングエリア、ジム、セラピールームや管理部などが入っていて、追悼ルームやセンサリーガーデン（五感を使って楽しむ庭園）もあります。

写真：アンドリュー・リー

以下は建築家よりの情報です：
スコティッシュ・ウォー・ブランデッドは、職務中に視覚障害を負ったスコットランドの海軍・陸軍・空軍の兵士たち（男女とも）の治療を目的として、1915年にエジンバラで設立されました。近年の紛争地から多くの退役軍人をこちらの組織で受け入れているため、スコティッシュ・ウォー・ブランデッドは、治療分野を広げてより良い治療をしていくためには、新たな施設を作る必要があると考えました。

750平方メートルの新しい敷地に広がる施設はウエストロージアンのリンバーンの素晴らしい場所にあり、隣の敷地に建つ1950年代の施設の後を継ぐものとなりました。設計案は、以前の施設の展示室に飾られていた中国の手彫りの龍神の記念彫刻からインスピレーションを得たものです。波打つトタン屋根の描く曲線とねじれた形に、この龍神の彫刻の影響が現れています。

この建物はデイケア・センターとして機能し、視覚障害を抱えた退役兵士たちのリハビリや生活スキル支援などのケアを行う一方で、くつろげる社交場にもなっています。工作室、美術室、トレーニングエリア、ジム、セラピールームなどの設備が整い、管理室や追悼ルームもあります。建物の南側には景観に配慮されたセンサリーガーデンとテラスが作られ、教育的施設というだけでなく娯楽的な側面からも楽しめるようになっています。近年こちらで支援する人々の年齢や性別などの構成が変わりつつあるとこが影響し、ここでの活動内容も多岐に渡っています。

建物の内側は流れを非常に重視していて、ゆったりとカーブを描く背骨のような柱に支えられたほぼオープンプランの構造になっています。この施設では、プライバシーと壁や防音が必要な、小さく補助的なスペースは建物の中心近くの"さや"の部分に配置されている一方で、人が行きかう場所と大規模なスペースは外部の壁の近くに配置されるように設計されています。建物の構成はできるだけシンプルになるようにと考えられています。そうすることで利用者が建物内部を簡単にイメージすることができ、歩き回るのがラクになるのです。また、出入り口と方向の変わる場所では、はっきりとした表示（建築的にも色使いも）が用いられ、利用者にとって道がさらに分かりやすいようにしています。

曲線を描く形状は放射状格子上に設計され、冷間圧延された母屋で満たされたポータルフレームを使用して作られています。ねじれて伸びた形状は穏やかな面によって形成され、2つの比較的短い湾曲した構造材を含むスチールフレームのみで出来ています。下の鉄骨構造のクラッディングのために、落ち着いた色合いの素材が建物全体に使用されています。屋根はトタン板で作られ、外壁は大きなガラス張りの窓にそって木材パネルで覆われています。内部の"さや"型のスペースはオーク材で飾られ、細部は大きなねじれた屋根の下に家具が並んでいるように装飾されています。

包括的なデザイン
依頼主の性質を考え、計画の当初から包括的なデザインを最優先に考えました。利用者は様々な程度の視覚障害を持った人々であり、またそのうちの多くが年配の方なので、計画の様々な重要部分について慎重に検討しなくてはなりませんでした。私たちはチームとしてDDA条件を単に満たしているだけではないものを目指さなくてはなりませんでした。ウォー・ブランデッド・クライアントのグループメンバーに加え、アダプと・アクセス・サービスからも助言を受けました。

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第一に建物と周辺の庭はすべて１階にあり、車椅子利用者でも隅々まで行くことが出来ます。それに加えて、建物内はどこも敷居が非常に低く、行き来する際に隠れた危険が無いようにしています。

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建物内部では主要な通路は広々と作られ、片側の壁づたいに歩行補助のための手すりがずっと取り付けられています。この手すりは、視覚障害者のガイドにもなっています。廊下から部屋へと入る場所では、レイアウトでも壁の色使いの面においても、はっきりとした表示が用いられています。

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各部分（床、木材のパネル、ドアのラミネート、天井）の仕上げの光反射率（Light Reflectance Values ＝ LRV）を研究した結果、このようなアクセスポイントで色を付ける場所のカラー選択を慎重にすることが出来たので、十分な視覚コントラストが得られるように出来ました。

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緑の証明書
スコティッシュ・ウォー・ブランデッドの新しいセンターの設計開始当初から、“持続可能”という考え方に基づいて設計されました。自然に生育している植物が多くの場所で有効活用され、暖房は地熱を利用したヒートポンプを使用しています。エネルギー需要を最小にするため、設計時にはしっかりとした断熱と空気の密閉が考えられました。更に窓ガラスの枚数も慎重に管理され、太陽光の取り入れと熱の喪失の管理の必要と共に採光のバランスも考えられています。

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調達方法： 伝統SBCC方式
価格： 240万ポンド
計画認可： 2009年10月
工事開始： 2010年1月
プロジェクト完成： 2011年1月
所在地： カークニュートン、ウィルキーソン
設計の特色： Sweeping zinc roof, Curving geometry, Designing for the sensory impaired
階数： 1階
資金提供：ロイヤル・ブラインド / スコティッシュ・ウォー・ブランデッド寄付金よる
依頼主： スコティッシュ・ウォー・ブランデッド

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プロジェクト建築家 Jamie Hamilton
監督 Karen Pickering
パートナー David Page
建築エンジニア: SKM Anthony Hunt, Douglas Walker
M&E：Harley Haddow, Chris McLaren
QS： NBM, Bryan Houston
景観設計： Ian White Associates, Sam Shaw
建設業者： Main -Brown Construction, Grant MacIntosh

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Dezeen promotion：ラッセル･ピンチ氏(写真 上)、ラ･デュン/La Dune・ディフュース/Diffuseの家具・照明デザイナーたちは、2011年9月25日から28日までロンドンで開催される見本市、デコレックス･インターナショナル/Decorex Internationalにてプロトタイプを発表する。

写真 一番上・すぐ上：Pinch Designsの家具
年に一度開催されるその見本市では、数々の厳選されたインテリアが展示される。

写真 上：ディフュースの照明

デコレックス･インターナショナルは、2011年9月25日から28日までチェルシー王立病院/The Royal Hospital Chelsea（London SW3）にて開催。

事前登録をすると、10ポンド割引きでチケットを購入できる。チケット購入はこちらから

写真 上：フローメンタル/Fromental のハンドメイドの壁紙

以下はデコレックスからの説明。
‘プロトタイプ’は、模様や柄は丁寧に手描きされデザイン作成にはCADシステムを駆使し物理的にはどのような素材にも対応しうる‘オーダーメイド’のカテゴリーに分類されるのではないかという議論があります。大量生産方式では、工場はデザイナー作成の仕様書と材料リストに沿ってプロトタイプをサンプルとして扱います。

オーダーメイドデザインのデザイナーは、オリジナル商品を制作するためにそのようなプロセスを踏みます。‘プロトタイプ’が完成品となるのです。費やす時間や労力、材料、仕上げの違いによって、オーダーメイドの製品は大量生産品とは一線を画します。

大量生産の時代、オーダーメイドの商品・デザインの需要は低迷しました。イギリスに居を構えるPinch Designsはオーダー制のハンドメイド製品を手がけています。大量生産方式では実現できないクライアントの要望に柔軟に対応しています。また、壁紙専門メーカーのフローメンタルは、手描きや刺繍入りの‘クライアントのためのオートクチュールの壁紙’を提供しています。ディフュースの磁器製照明器具はいかなる大きさやバランスの空間にも適応でき、同社のスタンダードコレクションと並ぶ主力商品となっています。ハンドメイド家具で確固たる地位を築いたBen Whistler社では、ベースとなる標準規格の家具の大きさ・シートの快適性・木材着色剤・木材塗装をアレンジすることでデザイナーのプラン通りにカスタマイズされた家具を制作しています。また、オリジナリティあふれる世界にひとつだけの製品も作ります。オーダーメイドデザインの可能性は大きな広がりを見せています。デコレックスではそのような側面に焦点をあてています。

日程：2011年9月25日(日)～28日(水)
場所：チェルシー王立病院/The Royal Hospital Chelsea（London SW3）
開館時間 - 見本市のみ
9月25日（日）　午前10時～午後6時
9月26日（月）　午前10時～午後7時
9月27日（火）　午前10時～午後7時
9月28日（水）　午前10時～午後5時

開館時間　- 一般者対象
9月27日（火)　午後1時～7時事前登録をすると、1枚15ポンドでチケット購入できます。2枚目以降は1枚10ポンド。当日券は25ポンド。一般者対象のチケットは30ポンド。
www.decorex.com

ＲＣＡ（ロイヤル・カレッジ・オブ・アート）２０１１展示会： ロイヤル・カレッジ・オブ・アートの卒業生であるAttua Aparicioと Oscar Wanlessは新しい製造過程を発明しました。布で出来た型の中にポリエステルのビーズを入れ、蒸気にあてたものです。

この過程をＮＳＥＰＳ(それほどビーズ法発砲スチロールではないもの）と名付けました。この種の家具を作ると、脚がソーセージのようになります。

蒸気にあてることによりビーズが溶けて、拡大して融合します。型を溶かして、曲がりくねりながら力強い形を作ります。

デザイナーは幾何学的なパターンをテーブルの表面に作り上げました。異なった色のビーズを融合し、結果としてできた物を薄く切り、異なった色を明らかにしたのです。

Attua AparicioとOscar WanlessはSiloという名前で共同制作をしています。

RCA 2011展示会に関するDezeenの記事はこちらをご覧ください »

Siloからの詳細な情報は以下の通りです：

NSEPS (Not So Expanded Polystyrene):

拡大することのできるポリスチレンを新しい方法で形作りました。家具にぴったりな、より耐久性のある構造物です。

この行程はとてもシンプルです。このように行います。生地から型を縫って、その中にポリスチレン原料の粒を入れます。それから短い間、蒸気にあてます。そうすると熱を加えたポリスチレンは発砲し、溶けていきます。そして縫い目の細かい部分と布目がつきます。ポリスチレンが発砲するにしたがい、包んでいた型を押して、物そのものを表し、太くて力強い印象を与えます。熱が冷めたら、布地を取り外し、ポリスチレンの奥深くにある本質と、質感が現れます。この技法を使って、金属の型ではできない形を作ることができます。繊維が少しからんだ所や、重なった所があります。いつも、異なった形ができて、一箇所一箇所がユニークなものになります。

私たちは異なった色の粒を使いました。活き活きとした粒のような品質にしたかったのです。他の材質で行うのは難しかったのです。ＮＳＥＰＳは至るところに色彩があるので、材質を切っても色とパターンが続くのです。まるでロックキャンディー（金太郎飴）を作るように、テーブルの板を作ります。

初めに、発泡性ポリスチレンを探索中の材質としてとらえました。たいていはテレビの梱包材や使い捨てのカップの材料と思っています。私たちははこの材質を新しい方法で使ってみようと思い、試してみました。使い捨ての世界から離れて新しい光があることを表現したかったのです。調査を行い、多くの試みをして、発泡性ポリスチレンの型について知るべきことをすべて学ぼうとしました。この知識が強みとなり、後にこの材質の可能性の一端を取り上げることができたのです。

形のデザインは暗く仕上げたのですが遊び心も含まれています。感情的で、私たちが抱きしめるような、まるで手足のような形です。家具や空間をより私たちと私たちの個性を表現するように使いたいのです。

SiloはAttua AparicioとOscar Wanlessによって作られた研究・デザインスタジオです。２人はロイヤル・カレッジ・オブ・アートのプロダクトコースに在籍しています。Siloの業務の核となるものは、産業的な過程と物を見て、スタジオに持ち込み開発することです。実践でのアプローチを採用することにより、私たちは通常見ていない生産ラインに可能性を見つけることができるのです。

RCA2011ショー：ドイツ人デザイナーのマルクス・カイザーは、太陽光と砂を利用して砂漠でガラス状の物体を作る３Dプリンターを制作しました。

Solar Sinter （直訳＝太陽の焼結物）と呼ばれるこの機械は、大きなフレネルレンズを使って太陽光線を集め、1400～1600℃の熱を作り出します。

この温度はシリカ（二酸化ケイ素）の砂を溶かすほど熱く、レンズの下に盛られた砂の箱の中に何層ものガラスを作り上げます。

太陽光で動くモーターが、コンピュータに制御されたX軸とY軸の軌道にそって箱を動かし、光線が通り過ぎるたびに上に砂が降りかかり、新しい層が重なって行きます。

光センサーは空を移動する太陽を追い、機械全体が回転してレンズがいつも確実に最高の熱を発するようにしています。

全ての層を溶かしたら冷やして、砂の箱から出来上がった品を取り出します。

カイザーは、ロイヤル・カレッジ・オブ・アートのデザインプロダクト修士課程で学んでいる間にこのプロジェクトを開発しました。

卒業エキシビションのRCA2011ショーは、ロンドンで7月3日まで開催。
RCA2011ショーについての記事はこちら>>
以下はカイザー本人による解説です：

世界ではエネルギー生産問題と資源不足がますます懸念されています。そんな中、このプロジェクトはエネルギーと資源が豊富に存在する砂漠での製造業の可能性を切り開いています。この実験では日光と砂を原料として３Dプリンターを使ってガラス状の物体を作り出します。３Dプリンターはハイテク技術を用いて自然のエネルギーと素材を結び付けます。Solar Sinter での作品製作は、未来の製造業に問題提起することを目的としていて、また、世界で最も効率的なエネルギー源である太陽が持つ生産性の可能性を最大限に活用するという夢への扉を開いています。この実験は決定的な解決策は提示していない一方で、新しい考え方へ転換するキッカケを与えることを目指しているのです。

世界の砂漠地域では二つの要素、つまり太陽と砂が大半を占めています。前者は大きな可能性を秘めた大きなエネルギー源で、後者には石英の形をしたシリカ（二酸化ケイ素）がほぼ無限に存在しています。シリカの砂を沸点まで熱して冷やすとガラス状に固まります。このような砂状の物質を熱して固形物にすることを焼結と呼び、近年では３DプリントまたはSLS（selective laser sintering＝選択レーザー焼結）として知られる模型デザインの主流になっています。こういった３Dプリンターはレーザー技術を使い、プラスティックや樹脂や金属といった様々な物質の粉から非常に精密な立体物を作り出します。その立体物はデザイナーがコンピュータに入力した３Dデザインをそっくり実物にしたものです。レーザーの代わりに太陽光線、樹脂の代わりに砂を用いることで、私は全く新しい太陽光発電機やガラス状の物体を作るための生産方法の基盤を手に入れたのです。それは太陽と世界中の砂漠にある豊富な砂を活用したものです。

初代の手動 Solar Sinter 機を2011年2月にモロッコの砂漠で試運転すると、良い結果が得られました。そして現在の大きなコンピュータ式の全自動Solar　Sinterの開発へと続いたのです。Solar-Sinter は5月中旬に完成し、5月の下旬に2週間試験期間として、私はこの実験機をエジプトのシワ近くのサハラ砂漠に持って行きました。この機械とここで行った最初の実験結果は、私が思い描く未来への大きな最初の一歩なのです。新しい太陽光を利用した製造機械は非常に大きな可能性を秘めていると私は考えています。

機械について

Solar-Sinter 機のメカニックは、３Dプリンターの原理に基づいています。大きなフレネルレンズ（1.4 x 1.0 メートル）は、電子制御の太陽追跡機器により常に太陽の方向を向いているように取り付けられています。この機器はレンズを垂直方向と水平方向へ動かし、またSolar-Sinter 機全体を一日中回転させています。レンズの焦点は機械の中心に向けられ、砂の入った箱の一番上の高さに合うように調節され、そこに物体が何層も積み重なって行きます。ステッピングモーターは2つのアルミフレームを動かし、砂の箱はX軸とY軸に動きます。箱の中にはプラットフォームがあり、砂の入ったトレイを縦方向のZ軸に沿って動かして箱を設定に沿って降ろして行きます。一層のサイクルが終わると、新しい砂が注ぎ足され焦点が合う高さで平らに伸ばされます。

２つのソーラーパネルが電力を作り出してバッテリーを充電します。そしてモーターと機械の電子回路を動かす動力になります。また、ソーラーパネルは、砂の詰まった瓶で出来たおもりを携えたレンズとバランスを取るためにも役立っています。

砂と日光を使った３D印刷の過程

プリンターは電子基盤で動き、キーパッドとLCDスクリーンで制御されます。製作する物体の原型はコンピュータで描かれ、SDカードでプリンターに入力されます。ファイルにはコードが書かれていて、そのコードに従って砂の箱がX軸・Y軸に沿って、慎重に計算されたスピードで動きます。一方レンズは光線の焦点を合わせ、砂を溶かすのに十分な温度の1400℃～1600℃の熱を発します。何時間もの間に、砂の箱の中に何層も何層も物質が積み重なり、一度に見えるのは一番上の層だけです。印刷が終了すると物体を冷やしてから砂の箱から取り出します。物体の裏側は荒い砂状ですが、一番上の部分は堅いガラス状です。焼結したガラスの色は砂の成分構成によって変わり、別の砂漠に行けば結果も変わってきます。砂を混ぜれば色や材質が組み合わさった物体が出来上がるでしょう。

機械と人

砂漠で一人の人間が機械を使用するという状況を想像して、人間がどのように機械を使って物体を作り出すかという考えを巡らせています。最初の例では、太陽と砂で出来た工芸品の製作は、純粋な実験であり「可能性」を表現したものなのです。でも将来はどうでしょうか？機械とそれが作り出した物体により、太陽光エネルギーとシリカの砂のような豊富な自然資源の大きな可能性に関する議論が巻き起こることを願っています。この始めての実験は、単にこの可能性が初めて明示されたものなのです。

機械とコミュニティ

砂漠を基盤としたコミュニティでは、Solar-Sinter 機は独自の工芸品や実用品を製作するために利用できるでしょう。しかし同時にもっと平凡で今すぐ必要な物を作るための太陽光の革新の触媒ともなるでしょう。更に開発を進めれば、太陽光を使った溶接、裁断、屈曲、溶解などのソーラー装置が開発され、完全にソーラーを動力とした工場が出来上がるでしょう。活気ある世界的な“オープンソース”コミュニティでは、３Dプリンターのソフトウエアとハードウエアの開発がすでに進められていますし、こういった急速な技術開発において重要な役割を果たすかもしれません。Solar-Sinter は今後の様々な応用の単なる始まりにしか過ぎないのかもしれません。

機械と製造業

1933年にW.W.ビーチは「モダン・メカニクス」誌に、巨大レンズで日光を集めて砂漠に運河と「自動車道」を作り出す、という絵をすでに描いていました。この現実離れしたスケールの大きな方法は今の現実に非常に似通っています。日光を有望かつ確実な電力とした「砂漠の工場」のようです。夕暮れから夜明けまでという自然のサイクルの中で働く多様な機械のイメージは、製造業で出来ることの新しいアイディアを提示しています。出来上がった物体はガラスの乗り物から工場の電力源を供給する光起電性パネルの表面などに利用できるかもしれません。そして、78年前にビーチ氏が思い描いたように、運河とガラスの道路にも使えるかもしれません。

建築家の夢

何枚ものレンズを使って砂漠の地面に直接プリントし、砂を溶かして壁にして最終的には砂漠という環境の中に建築物を建てることも実現可能でしょう。３Dプリント技術の実験はすでに建築のスケールにまで達していますし、Solar-Sinter 機を使った太陽焼結を利用すれば、これが新しい砂漠での建築へとつながっていくことは容易に想像できるのです。

New Designers 2011：テキスタイルデザイナー Orawee Choedamphai氏は、結束バンドとレゴの要素を取り入れたモジュール式ニット編みのスクリーンを制作した。

「The Fourth-Dimension/第四次元」とネーミングされたこの作品は、構成単位となるパターンをつなぎ合わせることで間仕切りや壁掛けへと姿を変える。

ロンドンで開催されるNew DesignersのOne Yearにて発表される。

氏は、昨年のNew Designersに初めて参加した。現在は、イギリスのBucks New Universityでテキスタイルズ アンド ファッション プロダクトのMA取得を目指して勉強中。

New Designersは7月6日から9日まで開催。

以下は、デザイナー Orawee Choedamphaiからの説明。
The Fourth-Dimension
「The Fourth-Dimension/第四次元」は３Dのニット編みオーナメントです。構成単位を結合することでより大きな構造体へと変化させるというレゴのコンセプトに影響を受けました。伝統的なクラフトの技にワイヤーや結束バンドというモダンな材料をかけ合わせることで、印象的なコントラストが生まれ、男性的な力強さの中にも女性的な優しさが加わりました。空間のイメージチェンジをはかりたい時、または空間を特定・分割したい時に活躍する実用性を兼ねた室内装飾です。

私は、インテリア装飾・アクセサリー用の３Dニットを専門とするニットテキスタイルデザイナーです。バンコク（タイ）でインダストリアルデザインの学位を取得後、現在はTextiles and Surface DesignのBA（Hons）取得のためBucks New University(イギリス)に在籍中。私がこれまで培ってきたテキスタイルのスキルにインダストリアルデザインの技を融合させることで、ニット製品に新たな可能性と方向性が生まれました。

レゴは幼少時代からのお気に入りの玩具でした。レゴの特徴である‘モジュール性’は、私のデザインの最も重要な要素のひとつです。2年生へ進級するまで、モノ作りに情熱を傾けていました。しかし「これは自分の進む道ではないのではないか」と感じ、手編みから距離を置くようになりました。その後、インダストリアルニッティングに魅了され、編み機を使った作品を作るようになりました。

現在、Bucks New Universityにてテキスタイルズ アンド ファッション プロダクトのMA取得を目指して勉強中です。学内のMAファーニチャーデザイン在籍の生徒たちとの強い繋がりを通して、彼らから大きな影響を受けました。そして、私の作品は家具とリンクした新たな方向へと可能性を広げています。

建築を専攻するベン・カーク氏が設計したコンセプトアートの塔は、減少傾向にあるミツバチにとって代わる人工的な花粉散布装置である。

写真上：キュー・ガーデンズの花粉散布装置から放たれる花粉の風船

キュー・ガーデンズにあるこの塔から放たれる花粉の胞子が詰まったラテックス製の風船は、風に乗ってロンドン市内の公園にたどり着く。

写真上：花粉拡散装置の拡大図

ロンドンに広がるリサイクル施設に蓄積された花粉の胞子が、トランペットのような吹き出し口から放出される。

写真上：ビクトリアパークにある人工衛星型散布装置

個人住宅の庭に利用できる、アセテート製の吹き出し口を備えた既成の散布装置も用意されている。

写真上：ビクトリアパークにある人工衛星型散布装置

カーク氏はウエストミンスター大学（University of Westminster）で研究中に、この装置を開発した。

写真上：庭用の花粉散布装置

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カーク氏からの詳細は次の通りである。

ミツバチを使わない花粉散布装置：緑化に取り組む都市のために

もし、ロンドンからミツバチが消えたらどうなるのでしょうか。花はどのようにして受粉されるのでしょうか。

写真上：庭用花粉散布装置拡大図

キュー・ガーデンズにある花粉散布装置は、ロンドン市内全域に人工の胞子のような大量の花粉を放出します。ハックニーにあるビクトリアパークのように都市を緑化するために、地域独自でミツバチにとって代わる花粉散布装置を設置している所もあります。

写真上：庭用花粉散布装置拡大図

ミツバチがいなければ、ロンドンの庭は殺風景なものになります。夏の暑い日にミツバチが飛び交う姿もなければ、美味な蜜もなくなります。見た目には分かりにくいのですが、美しい花々を生み出す花粉もなくなってしまうのです。

写真上：人口花粉散布装置試作品

氏の花粉散布装置は、受粉という特別な目的を果たすために制作されました。

写真上：人口花粉散布装置試作品

ミツバチの減少に伴い、氏のアイデアを利用することで、ロンドン市内の公園や庭の花々に受粉する方法を見つけ出します。

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庭用の花粉散布装置は、花粉で覆われた空電のパースペックスやアセテートに光が通る時、シャンデリアのようにかすかな光を放ちます。これは既成の平箱包装商品で、愛好家たちによって組み立てられるようにデザインされています。よく見かけるロンドンの裏庭にあるテラスの四隅からワイヤーで中央に吊り下げて、風によって上下に動くアセテートの放出口から花粉が飛び出し受粉がおこなわれます。

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これを基にロンドン花粉散布プロジェクトが発案され、ロンドンの空に向けられた精巧なラテックス製の装置から、風に乗って花粉が目的地へ運ばれます。

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受粉が完了すると、このミツバチの代替装置は「花粉散布人工衛星」としてリサイクルされ、ロンドンに花粉を拡散します。

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この散布設備は、ラテックスの拡散器を作り変えて再利用する施設であり、風を集める機能も果たすことで吹き出し口の風通しがよくなります。これは、横に取り付けられた注入口や通風口によって、空中に向けて花粉が散布されます。

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特色のない銅のメッシュ地に覆われた外観によって、ビクトリアパークにある施設は巨大な様相をあらわし、その全容は花粉の拡散を見守る人の心を引きつけます。

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 ニューヨークのThe High LineのSection 2（左上）とPeter ZumthorのSerpentine Gallery Pavilion（左下）は、今月最も人気のあった記事だ。そこで、Dezeenのアーカイブから公園と庭園について最もクリックされた10の記事をここにまとめる。

1：第1位はHigh Lineで、James Corner Field Operations と Diller Scofidio + Renfroのデザインによる、ニューヨークにある遺棄された鉄道の線路に沿ってつくられた、高架上の公園だ。その長さが倍になったThe High LineのSection 2は、数週間前に一般公開された。

2：2番目は、Anne Holtropの Floating Gardensで、庭園やスパを備えた人工の浮島だ。

3：中庭のあるPeter ZumthorのSerpentine Gallery Pavilionは今週オープンし、Dezeenの公園と庭園についての記事で3番目に多くクリックされた。Dezeen ScreenのZumthor氏のインタビュー動画を見てみよう。

4：第4位は、Chyutin Arhitectsによる、イスラエルのベン・グリオン大学のエントランス・スクエア。

5：イングランド、コーンウォールのEden Projectでの、Bruce MunroのField of Lightは5位になった。

6：6位はWork Architecture Companyの都市農園プロジェクト、Public Farm Oneで、ニューヨークのP.S.1コンテンポラリー・アートセンター外部に食物を栽培している。

7：7番目に人気のあった公園の記事は、LAAC Architekten と Stiefel Kramer Architectureの設計したLandhausplatzで、オーストリアの起伏のあるコンクリートで舗装された広場である。

8：2011年西安世界園芸博物館のためにMartha Schwartz PartnersによってデザインされたMaster Designer’s Garden Plot 6が第8位に。

9：9番目はこの、日本のデザインスタジオEARTHSCAPEによる巨大な旅人を象ったハーブガーデンだ。

10：最後に、Thilo Folkerts and Rodney LaTourelleによる、マッシュルームが古書の壁の周りに育つこの庭園が10番目だ。

公園と庭園に関する全ての記事をみる

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来月は他のトップ１０に戻ります。

ロンドンのデザインコンサルタント会社BERGは、従来のありふれたレシートを一新して、購入した品物の情報が印刷されたレシートをデザインした。

レジから出されるデータによって、レシートは単なる領収書から情報誌に変わる。

この写真は昼食を購入した際のレシートで、タンパク質やカロリーの摂取量を始め、食べた食品の情報が掲載されている。

チェックボックスによって、次の来店時にオーダーメードのレシートが作れる。

BERGは Icon magazineの2011年７月号で、次世代に向けたレシートのデザインを依頼され、クリエイティブデザイン事務所Dentsu Londonと共同でこの企画に取り組んだ。

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BERG社からの詳細は次の通りである

我々が月刊誌Icon Magazineから依頼されたのは、毎月の特集記事Rethinkに掲載する、どこでも見かける普通の商品の斬新なデザインです。そこで我々が考案したのは、Media Surfaceを使ってDentsuと共同開発した新しい型のレシートで、レジと情報システムを接続することでレシート上に情報を掲載することができます。消費者が購入した食料品のレシートに、一目で分かる項目を掲載し、消費者が関心のある項目をチェックすることで、情報を収集できます。これはレシートというありふれた素材を使い、遊び心を備えた情報誌であると考えています。

チリの建築家Elementalがメキシコの巡礼の道La Ruta del Peregrinoに建築された四つ目のあずま屋は、展望台の一部が崖から突き出してバランスを保っている特殊な構造だ。

このあずま屋は、ハリスコ山脈の117キロメートルに及ぶ巡礼の道沿いに建築された建物の中で、一番高い高度に位置する。

シーソーのように先端が崖から突き出たこのあずま屋は、中から雄大な風景が堪能できる。

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Photography is by Iwan Baan.  More images of this project can be found on his website.

プロジェクト全体の詳細は次の通りである。

Ruta del Peregrino巡礼の道　－　メキシコ、ハリスコ
メキシコ各地から、毎年約200万がハリスコの山脈地帯を横断する巡礼の旅に出ます。Amecaの町を出発して海抜2000メートルに位置するCerro de Obispoまで登り、Espinazoの山頂を横断して目的地であるTalpa de Allendeの町にたどり着きます。人々はそこで聖タルパに遭遇し、忠誠・信念・感謝の気持ちを表すのです。

17世紀から行われているこの巡礼の旅は、険しい山道を乗り越えることで、巡礼者の信仰心が試されるのです。この禁欲を伴う犠牲的精神こそが、身を清める儀式の重要な部分です。

このプロジェクトの目的は、歴史ある巡礼の道を整備することにより、巡礼者により良い環境を提供し、同時にこの宗教的儀式を利用して、地域一帯の経済効果を高めることにあります。この体系的な構想に基づいたプロジェクトでは、異なった意味を持つ環境に優しい建造物が構築されています。

総合的な見地から、基本計画では環境に配慮した通路や施設、さらに象徴的な建築物を構築して宗教色を高める一方で、巡礼の道が一般の観光客にも受け入れられるように配慮がなされています。

周囲の風景や宗教的儀式と深く関わる７棟の建造物が、巡礼の道の特色を語りかけ、地域の風景に溶け込んだ空想的な世界を生み出します。異なるデザイナーが手がけた個々の建造物は、土地とのつながりや宗教的意味合いが蓄積されることで、一つの大きなテーマを生み出します。

建築概要

名称：Crosses Lookout Point
所在地：Las Cruces
進捗状況：完成
建築家：Elemental
プロジェクトチーム：Alejandro Aravena, Diego Torres, Victor Oddó, Juan Cerda, Gonzalo Artea, Cristian Martínez, Fernando García

ＲＣＡ（ロイヤル・カレッジ・オブ・アート）２０１１展示会：ロイヤル・カレッジ・オブ・アートより卒業プロジェクトの一環になります。ジャック・スミスによるスツールは、座席を持ち上げると折りたたみます。

スツールの３つの蝶番がついている足は、座席部分にあるＹ型の穴にぴったりとおさまり、固定されます。

この蝶番は重さが上に加わると固く締まり、スツールは安定性を増します。

RCA 2011展示会に関するDezeenの記事はこちらをご参照ください »

デザイナーからのメッセージは以下のとおりです

きっちりと、簡単にしまうことのできる最小限の部品で出来ている予備のスツールです。座席の片側を持ち上げることでしまうことができます。重力と、角度を使ってスツールを下に下げた時に折りたたむことができるのです。脚の角度は最大の力を加えるようにデザインしています。座った時の重さで脚の上部に座席が挟まり、より強力な接続部を作り上げています。荷物が重ければ重いほど、スツールは丈夫になるのです。

日本の帽子デザイナー、平田暁夫の帽子が日本デザイナー、Nendoにより床や天井に浮かんでいるように取り付けられました。

４０００の帽子は目に見えない糸で吊るしていて、訪れる人を囲みます。まるでゴーストのように浮かんで現れるのです。

手作りである帽子の大部分は白で、色を散りばめていたり、模様が施されたりしています。

この展示は、東京・スパイラルガーデンにおいて、平田暁夫作品の回顧的な部分を形成しています。

Nendoに関すDezeenの記事はこちらをご参照ください »
展示に関するDezeenの記事はこちらをご参照ください »

Photography is by Daici Ano.

Ｎｅｎｄｏからの詳細な情報は以下の通りです：

“Akio Hirata’s Exhibition of Hats”

「平田暁夫の帽子展」

国際的帽子デザイナー・平田暁夫氏の70年に及ぶ創作の歴史を凝縮した国内初の大規模な展覧会「ヒラタノボウシ」のグラフィックと会場デザイン。
平田氏が手掛ける帽子が一点一点「手作り」であることから、あえて真逆の要素である、「量産」された不織布の帽子を使って空間を作ることで、平田氏の帽子が周囲から際立ち、より活き活きと見えることを考えた。不織布の帽子の形状は平田氏によって監修され、展示されている帽子の「抜け殻」や「幽霊」のような存在として、ふわふわと揺れて漂いながら、ときには展示台となり、またときには壁や天井に、そして光を拡散させるディフーザーとしての役目も果たすこととなった。
最終的に約4000個の帽子によって満たされた空間は、まるで「雲」に覆われたかのようになり、緩やかに来場者を内部に誘導しながら、明確な順路によってではなく、自由に歩き回りながら作品を発見していくような展示環境となった。そして、それこそが平田氏の「自由な創作」を体現しているかのようであった。

Steven Holl Architectsはブラジルの建築家Solange Fabiãoとコラボレーションをしてフランスのビアリッツに波型をした海の博物館を手掛け、博物館は今週オープンを迎えました。

Cité de l’Océan et du Surf （海と波の街）の窪んだ屋根の上には石畳の広場が広がり、広場はなだらかに下って地上の坂道へと続いています。

博物館のギャラリーは曲線を描くコンクリートのブロックの中にあり、端にある2つのエッチングガラスを使った箱型の建物にはレストランとサーファー向けの売店があります。

博物館では、海と潮に関する自然科学問題についての展示が行われています。

Steven Holl Architects についての記事はこちら »

写真提供：Steven Holl Architects

以下は建築家からの情報です：

Cité de l’Océan et du Surf opens in Biarritz, France

フランスのビアリッツにある Cité de l’Océan et du Surf が2011年6月26日に一般公開されます。

写真提供：Steven Holl Architects

博物館はSteven　Holl　Architects　がブラジルのアーティスト／建築家のSolange Fabião とコラボレーションをして設計し、海洋問題や波と海の自然科学的な側面への意識を高めることを目指しています。

写真提供：Steven Holl Architects

博物館の外観は“空の下”／“海の下”という空間コンセプトの下に作られ、窪んだ外観の中心は人々が集まる広場となって、空や海へと広がり、遠くには水平線が見えます。

写真提供：Steven Holl Architects

中に入ると、反対に凸面の曲線を描いた天井がメイン展示ホールを飾り、“海の下”の雰囲気を醸し出しています。

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入り口を入るとまずこの建物の広々とした空間を感じます。ダイナミックな曲線を描くスロープが続き、そこには映像展示が映し出されて、画像や光が次々と空間を彩っています。

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ふたつの“ガラスの岩”にはレストランとサーファー向けの売店が入っていて、中央の屋外広場は活気づいています。またその形は、遠くに見える浜辺の大きな2つの岩と似通っています。

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広場の南西の角にはサーファーが集えるサーフスケートプールとオープンポーチがあり、その下は博物館の中の講堂と展示室とつながっています。このエリアは雨に濡れないスペースで、屋外での人々のふれあいイベントや集まりなどに利用できます。

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Cité de l’Océan et du Surf の庭は風景と建築の融合を目指し、博物館と水平線をつないでいるのです。

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コンセプトと地形がしっかりと結びつき、この建物をユニークなものにしています。

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誰でも入れる広場にはさまざまなポルトガルの石が敷き詰められ、草や植物の生育の場となっています。

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建物は海へ向かって西に面して建っていて、窪んだ形の広場はあたりの風景に溶け込んでいます。

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端は少し窪んだデザインになっているので、草原や地元の草木が入り混じった周りの風景も博物館の一部となり、全体がフェスティバルやイベントの会場となります。

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建物の外観は、南仏の砂利を使った白いコンクリート加工です。

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広場にはさまざまなポルトガルの石が敷き詰められ、草や植物の生育の場となっています。

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透明なガラスとエッチングガラスを組合せた断熱ガラスユニットによって、内部の快適さを高める視覚効果が演出されています。

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メインホールの内観は白い漆喰とフローリングでまとめられ、床下の配線にも柔軟に対応が出来ます。

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クレジット：
依頼主： SNC Biarritz Ocean

建築事務所： Steven Holl Architects
Solange Fabião, Steven Holl (デザイン建築家)
Rodolfo Dias (プロジェクト建築家)
Chris McVoy (プロジェクトアドバイザー)
Filipe Taboada (アシスタントプロジェクト建築家)
Francesco Bartolozzi, Christopher Brokaw, Cosimo Caggiula,
Florence Guiraud, Richard Liu, Johanna Muszbek, Ernest Ng,
Alessandro Orsini, Nelson Wilmotte, Ebbie Wisecarver, Lan Wu,
Christina Yessios (プロジェクトチーム)
Rüssli Architekten
Justin Rüssli, Mimi Kueh, Stephan Bieri, Björn Zepnik (プロジェクトチームDD/CD)

提携建築事務所： Agence d’Architecture X.Leibar JM Seigneurin
構造コンサルタント： Betec & Vinci Construction Marseille
音響コンサルタント： AVEL Acoustique
HVAC コンサルタント： Elithis
総合建設請負業者： Faura Silva, GTM Sud-Ouest Batiment
展示エンジニア： Cesma
展示コントラクター： Geroari

アムステルダムの自然保護区域を蛇行するこの木材の迷路は、オランダの建築家Anne Holtrop氏が風景画の展示場として設計した施設だ。

ポプラの原木を使用した野外美術館は、６週間限定で設置された。

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Photography is by Bas Princen.

Anne Holtrop氏からの詳細は次の通りである。

Temporary Museum (Lake)
Anne Holtrop

この美術館のデザインは、偶然から生まれたものです。

この建築は、伝統主義の模倣や美でもなければ、モダニズムの論理や比率でもなく、全ての物は様々な知覚や認識が可能であるという単純な発想に基づいて生まれた「あらゆる可能性」を追求した作品です。

特定の形にこだわらない偶然性に支配された構造です。

しかし、私自身も含めて統一性を求める見る側の立場からすれば、まるでロールシャッハ試験のようであり、異なる視点の間を行き来することで、人格が投影されます。

個々の建物や外観は新たな現実です。一つのデザインから新しい形が生まれます。

レゴのようなブロックが壁に沿って積み重ねられた建物は、インドのデザインスタジオMancini Enterprisesがチェンナイに建築したカフェだ。

Mocha Mojoと呼ばれるチェーン店のカフェには、二階建のスペースに110席が収容されている。

壁に沿って積まれた色彩豊かな箱の隙間から、色の帯が照明となって天井や床から広がる。

デザイナーからの説明は次の通りである。

インドのチェンナイにあるカフェMocha Mojo

Mocha Mojoはマドラスにあるカフェで、110の客席を収容しています。

1970年代のデザインを用いた内装には、備品と壁紙によって初期のモダニズム志向が反映されています。

清らかさが生み出す美しい店内は、機能性を重視し、純粋な色の装飾が照明で浮き上がります。

1960年代と70年代に見られた「贅沢な装飾」は、内装に組み込まれることで躍動感溢れる空間を生み出しました。

このプロジェクトで追求したのは、この躍動感です。

大工や塗装業者は、これらの層を構築することに喜びを感じていたのです。

立体的にデザインされた層が各階に設置される様相は、積み重ねられたレゴが子供心に視覚的な充足感を与えるのと似た過程なのです。

内装：Mancini Enterprises（インド、チェンナイ）

プロジェクトチーム：Niels Schoenfelder, Bharath Ram, V.S. Aneesh, R. Velu, Sangeetha Patrick, Natasha Jeyasingh

このメルボルンのカフェはフランスのデザイナーSasufiによるもので、長さ１２メートルの木材の切れ端を壁として覆っているところを特徴としています。

Slowpoke Café（のんびり屋カフェ）のテーブル表面はリサイクルした床板と地元のフリーマーケットから手に入れた家具から出来ています。

より広い木材ブロックが木の壁から突き出ていて、テーブルそれぞれに味を出しています。

cafesに関するDezeenの記事は、こちらをご参照ください »

Sasufiからの詳細な情報は以下のとおりです：

Slowpoke Cafe by Sasufi

Anne-Sophie Poirierさんはフランスで生まれ、メルボルンを基盤としているデザイナーです。デザイナーとしての名前はSasufiです。Slowpoke Espressoというカフェをメルボルン郊外の最も有名な郊外地であるフィッツロイに作り、インテリアデザインとアイデンティティを完成させました。

予算は非常に少なくて、大きくお金をかけることなく、気持ちよく感じることができる空間と強いアイデンティティを与えることへの挑戦でした。

１２メートルの長さが特徴の壁は木材の切れ端を、自らもリサイクル木材を使用しているたくさんの地元の家具メーカーから集めて作り上げました。

さまざまな種類の木材で壁の深さと温かさが際立ち、部屋に自宅のような感じを与えます。

真っ白な壁の部分はまた、空間に木材の要素をより際立たせています。

時々、壁から出ている棚の上にはシュガーボウルや塩がディスプレイされています。

建物にあるもの（タイル、ランプのかさ、道路標識など）は、ほとんど地元のフリーマーケットから手に入れました。

テーブルは床として使われていた木材をリサイクルして作ったものです。

看板は、トーチランプから光を出しています。トーチランプは部屋の中にあり、リサイクルされた木の工具箱の上にあります。

名刺は梱包用の厚紙をリサイクルして、手作業で切ってから押印して、作っています。

このカフェは有機栽培でできた品質の食べ物とコーヒーを笑顔と共に提供します。

ドイツのデザインスタジオ D’artが、デュッセルドルフで開催された国際見本市で、ドイツ製紙連合（German Pulp and Paper Association）向けにデザインしたインスタレーションは、壁全体を覆う白い紙製の箱に黒でレタリングが施してある。

このレタリングには円形の黒いステッカーを使い、ボール紙の拡大に向けてboardの文字がデザインされている。

モノクロの備品で埋め尽くされた会場内にあるこの即席のインスタレーションは、5月12日から18日まで公開された。

Photography is by Lukas Palik Photography.

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デザイナーからの詳細は次の通りである

Paperboard Architecture

2011年5月12日から18日までデュッセルドルフで開催された国際見本市で、ノイスのD’art Design Gruppeは、４度目となるドイツ製紙連合（ＶＤＰ）向けのインスタレーションを制作しました。

ドイツ製紙連合は96平方メートルの展示会場内で、Pro Carton/ the Economic Associations Paper Processing (WPV)/ the Trade Association Folding Cartons Industry (FFI)/ the Trade Association Solid Cardboard Packaging (VVK)/ the Foundation for Paper Technologies (PTS)の各団体と共同で出展しました。

この会場は案内所・展示場・談話室で構成されています。展示会場の中心となる純白のインスタレーションは、厚紙を素材にしています。厚紙の箱を敷き詰めた折りたたみ式の巨大なインスタレーションは、今年の見本市のテーマである包装をイメージしたものです。

敷き詰められた厚紙の箱が、背後の壁に躍動感あふれるコラージュを構成します。これらの箱の上に張り付けられた黒のステッカーが重なり合って、VDPが見本市のテーマとしてデザインしたboardの文字が浮かび上がります。これらのステッカーは、商品を出荷する際のラベルとして通常使用されます。

遠近法を駆使して、厚紙のインスタレーションが立体感を増します。Pro Carton/ECMAを受賞した精巧で厚い包装紙が、デザインを一層引き立てます。

ノイスのD’art Design Gruppeは、10年以上もドイツ製紙連合の見本市用のデザインに取り組んできました。最初のデザインは、連合の創設100周年の節目となる2000年に出展されました。

見本市では素材の特質が重視され、紙・厚紙・段ボールが持つ独自の機能をテーマにした出展が行われます。昨年、D’art Designは、ノイスのProjektpilot GmbHと共同で見本市の向けの紙の木を制作しました。このデザインはADAM賞を受賞し、2009年と2010年の見本市年鑑の表紙として採用されます。

デザイン：D’art Design Gruppe GmbH
依頼主： VDP
プロジェクト：2011年インターパック
種別：インスタレーション
所在地：デュッセルドルフ hall 7a, stand B31
面積：96平方メートル

ポルトガルのデザイナーDidier Faustino氏が考案したマスクは、キスをしているカップルの顔が隠れる大きさだ。

Doppelgängerと呼ばれる立体裁断のマスクは、カップルの頭を一定の角度で固定し、中央の穴からキスができるようになっている。

この作品は、パリのLafayette Maisonで展示されている。

写真はDidier FaustinoとGalerie Michel Rein両氏の好意による。

Didier Faustino氏からの解説は次の通りである:

Doppelgänger

「デザイナーズ・ディ」のコミュニケーション部門の一環としてDidier Faustino氏がLafayette Maisonの「インターゾーン」に展示したDoppelgängerは、この日のために制作された作品です。ニ分割されたこの白いマスクは、接合されている部分がミラーキス用の人工装具になっています。両側の口の部分がカップルの頭を中心に回転し、口が最も接近する位置に来た時、障害物の存在が実感されます。Doppelgängerは口の接触を直接避けながら、完成度の高い裁断された穴に口を入れることにより、お互いの口の感触を確かめることができます。衛生技師が身につける立体裁断のマスクのように、Doppelgängerはキスを操る人工装具のように見えます。Doppelgängerは、自己の分身に出会いその中に埋もれていく危険をはらみながら、カップルを二人だけの秘密の世界に誘います。Didier Faustino氏が今回の制作に使用したSculpteo.comは、3Dデジタルファイルから非常に精巧な作品の制作を可能にするコンピューターソフトです。Lafayette Maisonの展示は、2011年6月16日～20日まで以下の会場で開催されました。

35 bd Haussmann
75009 Paris

イギリスのデザイナー、ルパート・マケルビー（Rupert McKelvie）氏が考案したテーブルは、何千ものジグソーパズルのコマを使って組み立てられている。

Missing Piecesは、コマが無くなったパズルを利用した手製のテーブルである。

Photographs are by James Forshall.

マクレビー氏からの説明は次の通りである。

Missing Pieces

何千ものジグソーパズルのコマを使い、何百時間もかけて手作業で製作したこのテーブルは、コマが欠けたジグソーパズルを利用しています。この作品のテーマは、コマが無くなった不用品のパズルを、新しい有益な製品に作り変えることです。ルパート・マクレビー氏は、イギリスを拠点に活躍するデザイナーです。氏はクラシックボートの製造技師でもあり、現在デボン州ダートムアの中心部で家具のデザインスタジオを経営しています。

Dezeenウオッチ・ストア：イギリスのベストセラーウォッチブランド、Uniform Waresの最新デザイン、150シリーズが、現在Dezeenウオッチ・ストアにて販売中。

厚さわずか6.05mmの、これまでにUniform Waresから発売された中で最もスリムな腕時計だ。

最新情報：150シリーズは、ロンドンのNeal Street 55で、6/29〜7/10まで出店するDezeen ウオッチ・ストア pop-upにて販売予定。詳細はこちら。

以前のシリーズと比較すると、150シリーズは現代的なエレガントさを生み出すラグケースが特徴で、現代的な年代を問わないドレスウォッチになっている。

イギリスでデザインされた150モデルは、エアロスペース・グレード（航空宇宙産業用）316Lのステンレス・スチール・ケースを採用しており、動力は精密な日本製のクオーツ式ムーブメントだ。それにイタリア製の子牛皮のストラップが取り付けられている。

150シリーズは、ストーン・グレー、ローズ・ゴールド、プロセス・ブラックのカラーが用意されている。

See the Uniform Wares 100 series »

See the Uniform Wares 200 Series »

See the Uniform Wares 300 Series »

Dezeen ウオッチ・ストアは、委託したデザイナーとブランドブティックの腕時計を専門に扱う、入念に管理されたオンラインショップだ。

Go to Dezeen Watch Store »

以下、Uniform Wares からの詳細。

150シリーズ　スリム・リストウォッチ

150シリーズは、 わずか6.05㎜の今までで最もスリムな腕時計だ。

個々の2つのハンドデザインは、丹念なデザインと現代的な合理化されたディテールを兼ね備えており、一方でクラシックなドレスウォッチへのオマージュを演出する。

151は、手首の幅のサイズに合わせて、ちょうど繊細にフィットするように作られたスリムラインが特徴だ。それぞれの時計は、エアロスペース・グレード316Lのステンレス・スチールで構成され、日本製のムーブメントを動力としている。

すべてのモデルには、当ブランドのイタリア製の子牛皮ストラップが取り付けられている。新しいラグケースデザインの導入は、NATOスタイルのストラップにフィットすることも考慮に入れている。

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ロイヤル・カレッジ・オブ・アート（Royal College of Art）に在学するダン・ワトソン（Dan Watson）氏は、稚魚や絶滅危惧種をふるいにかける底引き網を考案した。

「セイフティーネット（SatetyNet）」と呼ばれるこの網は、巧妙に配置された穴と照明を組み合わせることで、魚の種類や稚魚を振り分ける。

この技術は魚の習性や成長の度合いを応用したものである。

ワトソン氏がこの網を考案したのは、膨大な量の市場価値のない魚が毎年捕獲され、死に絶えて海中に破棄されているという問題に取り組むためである。

このプロジェクトは、Victorinox – Time to Care competitionの環境に優しいデザインとしてノミネートされた。

ダン・ワトソン氏からの詳細は次の通りである。

ロンドンにあるロイヤル・カレッジ・オブ・アート大学院でイノベーションデザインの修士課程修了を間近に控えたダン・ワトソン氏が考案した「セイフティーネット」は、魚の様々な種の習性や成長の度合を利用した斬新な底引き網で、商品価値のある魚だけを捕獲できるように工夫されています。売り物にならず死に絶えて海中に破棄される運命にある魚までも捕獲することが、魚や漁業に打撃を与えかねないという高まる批判を背景にこの網は考案されました。

毎年７百万トン以上もの商品価値のない魚が、捕獲され海中に破棄されます。現在の漁法は魚を一網打尽にして、市場価値のある魚と一緒に稚魚や絶滅危惧種までも捕獲する点に問題があります。新しい底引き網の「セイフティーネット」を使うことで、漁獲量を抑え、稚魚や絶滅危惧種の捕獲を防ぐことができます。魚の習性や成長の度合いを利用したこの網は、種や稚魚を分別することができます。

この「セイフティーネット」を使用することで、持続可能な漁業が実現します。これによって、魚を主食として消費する世界人口の40％に安定した魚の供給が実現するだけでなく、漁業関係者にとっても持続可能な漁業が可能になります。

デザイナーのリチャード・クラークソンが回転ダイヤル付きのコンセプチュアルなスマートフォンを制作しました。

ダイヤル式スマートフォンの表にはデジタルのタッチスクリーンがあり、裏側には取替えが出来るダイヤルが付いています。

ケースの表面には色が付いていますが、長い間使っているうちに色が剥がれ、下の電気メッキした銅部分が見えてきます。

携帯電話に関するDezeen記事はこちら>>

以下はリチャード・クラークソンによる紹介です：

デジタル vs. 機械　–　回転ダイヤル式スマートフォンはリチャード・クラークソンによるコンセプトデザインです。デジタル技術と機械的なものを結びつけて統合し、私たちの日常にあるモノから更なる価値を引き出そうとしています。

回転ダイヤル式スマートフォンの基礎になっているのは、私たちが日々使っているデジタルグッズにもっと感覚や生命を組み込もうというアイディアです。現代において、こういったモノは私たちを定義するようになりましたが、こういったモノを誰が・何が定義するのでしょうか？私たちはよくある四角いタッチスクリーンが好きなのでしょうか？それとももっと活力やオーラのあって確かなものが欲しいのでしょうか？

私は産業デザインがどこから来たのか、そしてどこへ行くのかを考えました。そうすることで、機械の部品とデジタル技術を上手く組み合わせたモノを制作しようと試みたのです。

ダイヤルは、私たちの生活の中の全てが今までになく「デジタルにとって変わられている」ことへの疑問を投げかけているだけでなく、デジタル化で失われるものについても疑問を投げかけているのです。

取替えが可能な真鍮製のダイヤルが2つあり、一つは本物の回転式のダイヤル、もう一つはボタン式のダイヤルで、カメラのレンズの交換にヒントを得てこのダイヤルの交換を思いつきました。

本体は電気メッキの銅製で、使いこむほどに味が出るように彩色・デザインされています。

この電話は、スチームパンクとミニマルアートのジャンルを参考にしてデザインされ、異なる形や表面の仕上げ方法を組み合わせたり、対比してお互いの良さを引き立てたりしています。

英国出身のデザイナー トム・ディクソンは、カフェのスタッフが動かしやすいようによくあるカフェテーブルに小さな車輪を付けました。

基礎部分は鉄製で天板は頑丈なバーチ（カバノキ）材、縁にはゴム製の緩衝材がほどこされています。

ディクソンは4月にミラノで行われたショーでデザインを発表しました。2011年ミラノについての記事はこちら>> 

トム・ディクソンについてのDezeen記事はこちら>> 

以下はデザイナーによる紹介です：

ロールは壊れない道具の実用性のよい一例です。“働き者のテーブル”シリーズは、働く人々の負荷を減らすことを目指して作られました。鉄製の土台に車輪がついているので、スタッフ一人でも最低限の労力だけでテーブルの配置換えが出来るのです。ゴム製の頑丈な緩衝材の縁取りのお陰で、テーブルは一箇所にまとめられるし、ゴツゴツぶつかっても大丈夫なのです。

オーストラリアを拠点に活躍する建築家 高田浩一氏が手掛けたこちらのシドニー近郊のレストランの中心には、羽根状の板をつかった天蓋が広がっています。

TREEレストランでは、木のような形をした柱を中心にくるくる廻る回転寿司を楽しめます。

照明はすべて羽根板とフィルターに隠れています。

Photography is by Sharrin Rees.

レストランの建築やインテリアに関するDezeen記事はこちら>>

以下は建築事務所による紹介です：

高田浩一建築設計事務所

TREE

現代のインテンリアデザインが自然の特色やよい所をどうすれば上手く具体化できるのか、私達は仕事を通じて探求しています。桜が満開の時期の日本の伝統的なお祭りである「お花見」を再現する、という食のコンセプトをご提案しています。桜の木の下での食事は、春の訪れを祝う社交的イベントです。このコンセプトは日本食をお出ししていることを示しているだけでなく、地域の皆さんにとっては「大きな木」の下に集って食事をする場所を象徴し、またオーナーにとっては木を育てるように事業を育てていく場所の象徴となることを願っています。

私たちは、木陰が作り出す居心地のよさや静けさを目指しています。木材の輪郭が木々の枝のようになり、スシ・トレイン・レストランを自然空間へと変貌させているのです。木材で出来た枝の間に、ところどころ照明がついています。照明はスシ・トレイン（回転寿司）の道を明るく照らし、レストランの中を歩くと照明の具合も変わり、自然光のランダム感を真似たものになっています。

TREEはこの事業の成功のために注がれた労力や努力を象徴するものとなりました。枝は周りに広がり、食事を楽しむ人々と働く人々に囲まれています。木材はCNC技術を使用して加工され、ゴミを最小限に抑え、正確で緻密なデザインを実現しています。ガブーン材のマリン合板を使うことにより木材の暖かさが生まれ、風合い豊かな壁の良さを引き出しています。こういった要素のコントラストが、中央のTREEとその下にあるスシ・トレインを引き立てているのです。

プロジェクト名：TREEレストラン
スシ・トレイン　サザーランド店
オーナー：ウスイ ゴロウ氏
場所：Shop 2 & 3, 570 Presidents Avenue
Sutherland, NSW 2232
Australia
面積：198平方メートル
完成：201012月
設計チーム：高田浩一建築設計事務所
施工チーム：ダレン・サドラー／フィンプロジェクト
写真：シャリン・リーズ
施工：高田浩一建築設計事務所

先週掲載の記事C-X75 by Jaguarが好評だったことを受けて、自動車の記事から人気の高かったトップ･テンを集めた。

第1位に輝いたのはGINA Light Visionary Model by BMW。外観はファブリックで覆われ、その内部に連結式の支持構造体が潜んでいる。

第2位はBMW Art Car by Jeff Koons。

さらにBMWが続く。翼状のドアを持つVision EfficientDynamicsが3位。

第4位は、先月ミラノで発表されたオラ･イト氏がシトロエンのためにデザインした宇宙船のようなMutation。

電池式の電気自動車Peapod by Chryslerが第5位。

6位はHypnos by Citroën。

7番目に人気を博した記事は、快適なコンパクトシティーカーCygnet by Aston Martin。

業界で最もコンパクトな4人乗り自動車iQ by Toyotaが8番目に人気を集めた記事。

我々の最新の自動車記事、クラーケンウェル･デザイン･ウイークにてお披露目されたC-X75 by Jaguarが第9位。

最後に、今回のトップ･テンをMINI Rocketman Conceptで締めくくるとしよう。

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別のテーマのトップ・テンでまた来月お会いしよう。

ブリュッセルのデザイナーであるAlain Gillesは、イタリアブランドのカーサマニアのために、このモジュール式収納システムをデザインしました。

コンテナ・サイドボードという名前の。このデザインは下部に木の台座があり、様々なサイズのボックス、引き出しユニット、折りたたみのキャビネットとファイリングトレイから構成しています。

この収納品は、希望通りに構成を変えることができます。

 Alain Gillesに関する Dezeenの記事はこちらをご参照ください »

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Alain Gillesからの詳細な情報は以下のとおりです：

カーサマニアのためのAlain Gilesによるコンテナ・サイドボード

このコンテナはモジュール式のサイドボードシステムです。通常のサイドボードが異なった役割に分かれて、異なった「コンテナ」になるようなものです。

まさに脱構築と再構築を研究しているものです。まさに異なった収納の機能がある「普通の」サイドボードが、いろいろな役割に分かれます。まさに異なった、様々な方法で作り直されるのです。

建築の一部分における研究は、この構成論理を提案するものです。ある意味、基盤に「ドックの着地場所」があり、数点の「コンテナ」が他のトップに変わってトップの位置に置くことができます。それでこの名前になったのです。

それぞれの作品の要素に含められている異なった物と仕上がりが、作品の要素に加えられ、この作品の構成がより際立っています。

異なったタイプの作品と遊び、いろいろな家具を、各自の個性と機能に合わせて配置することにより、まさにオリジナルの要素を作ることが簡単にできます。そのため、サイドボード・ドレッサー・メディアを保管するキャビネットやテレビスタンドや、それ以上のものに見え、家の異なった部屋での自らの方法を見つけるのです。

様々な要素が一緒になると、システム以上の役割を演出します。

全体寸法

２２８×６０×８９センチ（幅×奥行×高さ）

８９．８×２３．６×３５インチ（幅×奥行×高さ）

材質：基礎はニレ木材、コンテナは中密度繊維板をラッカー塗装

オーストリアの建築設計事務所LAAC ArchitektenとStiefel Kramer Architectureがオーストリア、インスブルクに設計したこの広場は、起伏のある舗装面に特色がある。

Christopher Grüner氏の協力によって完成した公共広場「ランドハウスプラザ」には、４つの記念碑に加え、新たに樹木・ベンチ・照明・噴水・水飲み場が設置されている。

盛り上がった巨大なコンクリート製のスラブがこれらの施設を囲むように配置され、光沢のある滑らかな舗装面全体には模様がデザインされている。

雨水はスラブ状になった舗装面の隙間を通って地面に吸収される。

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Photography is by Günter Richard Wett.
建築事務所からの詳細は以下の通りである。

2011年チロル地方インスブルックに新しく完成したEduard-Wallnöfer-Platz（ランドハウスプラザ）

プロジェクト概要
Eduard-Wallnöfer-Platz（ランドハウスプラザ）の目的は、この敷地特有の複雑な立地条件や制約を統合して現代風の都会的な広場を建築し、多種多様な都会での活動を可能にする新しい空間を構築することです。広さ9.000平方メートルの広場は、模様のついたコンクリートを舗装面に使用している。Eduard-Wallnöfer-Platzは、オーストリアチロル地方のインスブルック市中心部にあり、長い間放置されていた場所です。この敷地内には４つの記念碑があります。1985年地下に駐車場が建設されました。

改装が行われる前の広場全体の雰囲気は、国家社会主義時代から引き継がれたチロル地方庁舎が大きく影を落とし、あたかもファシスト時代の記念碑を連想させるものでしたが、これは同時に国家社会主義に対する抵抗とそこからの解放を象徴するものでもあります。改装の目的は、この誤解を払拭し、記念碑の歴史的意義を強調することです。この広場の新しい構造は、記念碑のために現代的で新しい設置場所を提供するだけでなく、記念碑に親しみやすさと新しい存在意義を与えてくれます。

この広場の構造は周囲の景観を模倣しています。しかし、都市の中心部に建築されるため、機能性の面からコンクリートで仕上げています。歩道の利便性や配置は、空間的制約や機能性、さらに地形的配慮から生まれた舗装面と一体化しています。

記念碑だけでなく、歩行者や利用者も新しい町の主人公であり、これらの構成要素によって駅と古い街並みの間に活気あふれる公共の空間が生まれます。広場の明るい舗装面には、行き交う人々と樹木が日中に織りなす光と影の躍動感あふれるコントラストによって、三次元の世界が映し出されます。この世界の中に、季節の移り変わりが浮かび上がります。模様がデザインされた舗装面からの柔らかな照明が、夜の風景を演出します。

敷地の北側に位置する「ランドハウス」正面の広々とした平らな空間は、整備が行き届き様々なイベントが可能になります。巨大な噴水は広場全体に躍動感を与えると同時に、夏には涼しさをもたらします。

解放の象徴である記念碑の南側は、多種多様な空間を構築することで、多目的スペースとして利用できます。コンクリートの舗装面は、幾何学模様によって様相が変化します。多くの樹木を囲む舗装面は、テラゾーのような光沢仕上げによって、ベンチの舗装面と一体になっています。

記念碑の彫像は新しい噴水の土台に組み込まれ、そこから階段状になったスロープを水が流れ落ちます。「ランドハウス」の噴水と周囲の水辺は、子供たちの格好の遊び場であり、地元の人々が夏になると涼を求めて集まります。子供と大人用の高さが異なる水飲み場も設置されています。

場所打コンクリートをスラブ状にした広場の舗装面は、ひずみに耐えられるようボルトで接合させています。様々なイベントに要求される基盤は、最大100平方メートルのスラブ状になった舗装面に組み込まれています。噴水からの水も含めた全ての排水設備は、舗装面の隙間に設置されているため、敷地内にはその影すらありません。画期的な緩衝システムによって、地下に駐車場があるにも関わらず、排水は全て敷地内で処理されます。

Architects:
建築家：LAAC Architects/stiefel kramer architecture
協力：Christopher Grüner

現在、dezeen watch storeでは、香港の腕時計ブランドZiiiroの最新デザイン「オービット/Orbit」を販売している。

｢オービット｣のデザインは太陽系をイメージしており、盤面に記された軌道に沿って周る2つの惑星が長針と短針の役割を果たす。

公転している色つきの丸が「時間」を、白い丸が｢分｣を表わしている。

Ziiiro社で最もよく売れているデザイン「グラヴィティ/Gravity」と同様、「オービット」のシリコン製ベルトにも留め具はなくシンプルに手首に巻きつけるタイプ。

バンドの内側にあるステンレス部分を曲げることでサイズの調整が可能。盤面は取り外すことができ、Ziiiro社のどのシリコン製ストラップとも交換が可能。

「オービット」は青・黄・グレイ・白の4色展開。

Ziiiro社のシリコン製バンドの「グラヴィティ」についてはこちらへ。
Ziiiro社のステンレス製バンドの「マーキュリー/Mercury」についてはこちらへ。

ディジーン･ウォッチストアは、有名なデザイナーやブランドの選りすぐりの腕時計を専門に扱うオンラインストア。

Ziiiro社からの説明は以下のとおり。

Ziiiro社の「オービット」

「時間」と「分」を表わす惑星が親星Ziiiroを中心に公転している「Ziiiro銀河系」へようこそ。「オービット」は、｢時間｣を表わす色つきの惑星と｢分｣を表わす白い惑星によって時が刻まれます。盤面は、柔軟性をもたせるためにシリコンとメタルを組み合わせたブレスレットタイプのバンドに埋め込まれています。このモデルは、ゴム製のブレスレットシリーズの他のどのバンドとも交換が可能です。Ziiiro社の｢オービット｣はバナナ・オーシャン・ホワイト・グレイの4色展開。

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スイスの建築事務所HHF (HHF)が設計した展望台「ルックアウトポイント」は、メキシコの117キロメートルに及ぶLa Ruta del Peregrino（巡礼の道）に沿いにある新たな８つの建造物の一つである。

ハリスコの山岳地帯を抜けるこのルートは、17世紀以来巡礼者に人気があり、新たに建設される施設は、休憩所としての役目を果たすと同時にこのルートのシンボルでもある。

今年の巡礼から、ルックアウトポイントが休憩所として利用可能になった。

このうち６棟は完成し、残る２棟は現在建設中である。

このプロジェクトに携わった建築家は次の通りである。

Fake Design, Luis Aldrete, Christ & Gantenbein, Dellekamp Arquitectos, Elemental, Godoylab, Omar Orlaineta, Periférica and Tatiana Bilbao.

2009年にDezeenが公表した「ルックアウトポイント」の完成予想図はこちら。 (see our earlier story).

Photography is by Iwan Baan.

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建築事務所からの説明は次の通りである。

Ruta del Peregrino
Jalisco, Mexico

La Ruta del Peregrinoは、聖タルパへの崇敬をモチーフにした、宗教色の強い建造物です。

La Ruta del Peregrino（巡礼の道）は、全長117キロメートルに及びます。

メキシコ各地から、毎年約200万がハリスコの山脈地帯を横断する巡礼の旅に出ます。Amecaの町を出発して海抜2000メートルに位置するCerro de Obispoまで登り、Espinazoの山頂を横断して目的地であるTalpa de Allendeの町にたどり着きます。人々はそこで聖タルパに遭遇し、忠誠・信念・感謝の気持ちを表すのです。

17世紀から行われているこの巡礼の旅は、険しい山道を乗り越えることで、巡礼者の信仰心が試されるのです。

この禁欲を伴う犠牲的精神こそが、身を清める儀式の重要な部分です。

このプロジェクトの目的は、歴史ある巡礼の道を整備することにより、巡礼者により良い環境を提供し、同時にこの宗教的儀式を利用して、地域一帯の経済効果を高めることにあります。

この体系的な構想に基づいたプロジェクトでは、異なった意味を持つ環境に優しい建造物が構築されています。

総合的な見地から、基本計画では環境に配慮した通路や施設、さらに象徴的な建築物を構築して宗教色を高める一方で、巡礼の道が一般の観光客にも受け入れられるように配慮がなされています。

周囲の風景や宗教的儀式と深く関わる７棟の建造物が、巡礼の道の特色を語りかけ、地域の風景に溶け込んだ空想的な世界を生み出します。

異なるデザイナーが手がけた個々の建造物は、土地とのつながりや宗教的意味合いが蓄積されることで、一つの大きなテーマを生み出します。

スウェーデンの建築事務所Cyrén & Cyrénが樹上に設計したホテルルームは、森の小高い丘と屋根に取り付けられたデッキを結ぶ「歩道橋」を使って出入りをする。

周囲の樹木から吊り下げられている「キャビン」には、屋根上に森を見渡すテラスが設置されている。

 「キャビン」は、スウェーデン北部のハラッドで計画されているTree Hotelという５部屋で構成されるプロジェクトの一環である。

計画中の２５部屋の中で、５部屋はすでに完成し一般に公開されている。

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プロジェクトの詳細は次の通りである

「キャビン」の建設予定地は、ルール川を見渡せる急斜面の高台という理想的な立地条件にあります。

ハラッドの建設予定地を見た時、「歩道橋」を建築して広いデッキと水平にアクセスする方式が理想的であると考えました。これによって、部屋や歩道橋、さらにテラスや休憩室の増築が可能になります。

デッキの構造は、斜面にある支柱の樹木をイメージしています。実際の部屋は、このデッキから吊り下げられています。このデッキによって、建物本体がある程度隠れる構造になります。

このデッキを建物本体からわずかに分離し、小さく見えるように設計することで、建物本体が浮かび上がります。外側の四隅を丸くすることで、カプセルかキャビンのような形をした快適な外観が生まれます。

「キャビン」の外装には、通常とは異なり、トラックやトレーラーの車体に使用する素材を使っています。この分野を専門とする製造業者が、樹上の家に最も相応しく魅力的な部品や備品、そして技術を駆使して「キャビン」を建設します。

スウェーデンのデザイナーInrednin Gsgruppen氏がスウェーデン北部の樹上に設計した鳥の巣のような形をしたホテルの一室は、簡易梯子で出入りする。

「ツリーホテル（Tree Hotel）」の一部を成すこの「鳥の巣」は、周囲の樹木に支えられ、外観は小枝で覆われている。

内部全体には木製パネルを使用し、小さな丸い窓は部分的に外の小枝に覆われている。

「鳥の巣」はこの敷地内に建築された５つのホテルルームの一つである。このプロジェクトの詳細はこちら。

今後５年間で、２５部屋が建設される予定である。

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ツリーホテルからの説明は以下の通りである。

「鳥の巣」
建築施工：INREDNINGSGRUPPEN
Bertil Harström

この建築の特色は、内部と外部のコントラストにあります。外から見ると鳥の巣のような形をしていますが、大きさという点では周囲の巣とは比較になりません。小窓はほぼ全体が周囲の小枝に隠されています。

しかし、内部は最新のデザインを駆使した高級感あふれる部屋になっています。壁は、自動車の車内に使用するパネルで覆われています。子供２人の家族用として、十分なスペースと寝室が用意されています。寝室は可動式のドアで仕切られています。この部屋には、簡易梯子で出入りをします。

完成：2010年
建築施工：Inredningsgruppen | Bertil Harström
ベッド数：４人用（ダブル１/子供用シングル２）

アメリカのグラフィックデザイナーBen Hermelは、クラシックなスクリプト文字にブレンドされたレイヤーをかけることで、このタイプフェース（活字の書体）を作成した。

ゴーストスクリプトと呼ばれるこのデザインは、必要に応じて拡大縮小でき、レイヤーを加えたり削除して変更できるベクターファイルを作成する。

Dezeenのさらなるタイプフェース

デザイナーからのコメント

ゴーストスクリプトは、 より一般的に「クラシック」で「上品」な、伝統的な伝達の様式として使用される活字書体であるスクリプト書体に、現代的な美的感覚をもたらす試みである。

ゴーストスクリプトは、 こうした特質を失うことなく、より現代的な適用性を目的としている。

目的は、全くの目新しさを持ちながら、時間を超越した感覚とのバランスを見出すことだった。

この目的のため、字体の均衡に影響することなく、それぞれ奥行きや変化を加えるレイヤーを用いて複合された形状が、古典的な調和のとれた活字体の上に 重ねられた。

ゴーストスクリプトは、 アドビイラストレーターで複合性と透過性を利用して作成され、必要に応じて拡大縮小できるベクターファイルになる。

レイヤーを用いた字体を作ることで、様々な方法で書体を調整できる適応性が生まれる。

タイプフェースの軽量版はレイヤーを削除することで作成され、シンプルにはなったが、字体の本質は維持している。色も追加でき、レイヤーを重ねていくことで深い奥行きを生み出すことができる。

こうしたタイプフェースにインスパイアされた新手法は、レイヤーと複合性を用いてヘルベチカ体に生命を吹き込む試みである。

私は、オレゴン州ポートランドに拠点を置くデザイナーで、グラフィックとプロダクトデザイン両方を専門としている。

ロンドンを拠点とするデザイン事務所ポストラー・ファーガソン（Postler Ferguson）は、先月開催されたベオグラード・デザイン・ウィークでこのコンセプチュアルな機内食トレーを発表しました。

この作品はドイツ語で「軽食」を意味するブロートツァイト（Brotzeit）と名付けられ、小石のようなカプセルに詰められた地元で生産された生鮮食品もデザインの一部で、小石型カプセルは木箱に入れて持ち運ぶことが出来ます。

ベオグラード・デザイン・ウィークは2011年5月23～25日に開催されました。

フード＆デザインレポートはこちら >>> 

パッケージに関するDezeen記事はこちら >>> 

ポストラー・ファーガソンに関するDezeen記事はこちら>>> 

以下はデザイナーによる紹介です。

ブロートツァイト
エコノミークラスの食事を再考
LH466　エコノミークラス
デュッセルドルフからマイアミ　／　2011年2月3日
飛行時間：10時間15分
チキンライス野菜添え、海老のサラダ、アプリコットケーキ

エコノミークラスの旅行者が「いい機内食だったなぁ」と覚えていてもらうために、デザインはどうやって貢献できるでしょうか？航空会社は利用者と最も接点のある場面で、どうやって自分達のブランドを再構築できるでしょうか？ルフトハンザ航空の利用者がまるでブランドそのものの香りや味を楽しむように、機内食の味や食感や香りでフライトを覚えていたとしたら、素晴らしいチャンスではないでしょうか。

私たちポストラー・ファーガソンは、「ブロートツァイト」デザインを作り上げました。これは利用者にどのように機内食を届け提供するか、そしてどのような製品が選ばれているのかを、航空会社のトップ達に今一度考え直してもらうことを目的としています。

食品はすべて地元の専門業者から航空会社に届けられ、それぞれのブロートツァイトボックスに詰めることが可能です。世界中どの地域にもお惣菜、生鮮食品、サラダ、ピクルス、ジャムなどの「簡単に持ち運べる」食べ物がたくさんあります。こういった食品は持ち運ぶために作られているのですから、未来の航空会社はこのヘルシーで多種多様な食文化を活用すべきだと思っています。ブロートツァイト（軽食）ですよ！

イタリアとシンガポールのアーティストによるユニット　Lanzavecchia + Wai は、シンガポール伝統の獅子舞面を作る職人とコラボレーションをして制作した紙製のランプを発表しました。

Leoneシリーズ01と呼ばれるこのランプには竹ひごと紙が用いられ、内側はオレンジ色の彩色が施されています。

紙を使ったプロジェクト トップ20 by Dezeen »
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写真の著作権はLanzavecchia + Wai と Daniel Peh K.L.に帰属します。

以下はデザイナーによる解説です。

LEONEシリーズ01　-　手細工仕上げの照明器具
シンガポール最後の獅子舞面職人とのコラボレーション
サロン・サテライト2011（Salone　Satellite 2011）で発表

ミラノ・デザイン・ウィーク2011の期間中に、Francesca　Lanzavecchia と Hunn　Waiによるクリエイティブスタジオ　Lanzavecchia + Wai は、手細工仕上げの照明器具シリーズのLEONE　－　シリーズ01をサロン・サテライトで発表しました。

Lanzavecchia + Wai はシンガポール最後の獅子舞面職人とコラボレーションをし、ランプのシリーズ作品Leoneライトを制作し、東南アジアの職人の類稀な技術をインテリアの世界へ紹介することになりました。

柔軟な竹ひごを用いた竹細工にライスペーパーを貼り付け、その内側に伝統色である炎のようなオレンジ色で彩色しています。この作品により獅子舞面を作る技術が、文字通り新たな日の目を見ることになり、全く新しい舞台や表現方法の下で人々の目に触れることとなりました。

巨匠　ヘンリー・エング（Henry　Ng）　経歴紹介

職人のヘンリー・エング氏は、獅子舞の舞踏家として長年活躍し、舞踏への情熱を獅子舞面の制作へと注ぎました。

情熱と好奇心から腕を上げ、この仕事を真剣に考え始めた彼は、90年代半ばに（金属機器修理工だった仕事から転職し）専業の職人となり、シンガポールの多くの武道会に尽くすことにしました。

シンガポールにはおよそ20名の獅子舞面職人がいますが、90年代後半には中国で大量生産された安価な製品との競争が始まりました。

利益率が低くなった結果、職人達は皆去っていき、彼はシンガポール最後の獅子舞面職人となりました。つまり20世紀初頭にシンガポールへやってきた中国南部からの移民の文化を伝えているのは、今や彼だけなのです。

Photography © Lanzavecchia + Wai
Photography © Daniel Peh K.L.

階段状の背もたれが空高く伸びるこの椅子は、オランダのデザイナー、マーティン・バース（Maarten Baas）氏が国際人権擁護団体アムネスティ・インターナショナル（Amnesty International）のためにデザインした。

高さ5メートルにも及ぶ「空席」と名付けられたこの椅子は、昨年のノーベル平和賞受賞者で、投獄されているため授賞式に出席できなかった中国の民主活動家劉暁波氏を称えて制作された。

バース氏は、アムネスティ・インターナショナル創設50周年記念式典に合わせて、この作品をアムステルダムで公開した。

マーティン・バース氏の関連記事はこちら。

写真：Frank Tielemans.

マーティン・バース氏からの説明は次の通りである。

マーティン・バース氏は、この度アムネスティ・インターナショナルの依頼により、中国の民主活動家、劉暁波氏を称える「空席」を制作しました。

アムネスティ・インターナショナルは、ますます深刻化する作家・ジャーナリスト・芸術家・活動家に対する弾圧への抗議活動として、マーティン・バース氏にデザインを依頼しました。

2010年に劉暁波氏は、平和的な人権擁護活動が評価され、ノーベル平和賞を受賞しました。しかし、劉暁波氏自身は、国家転覆を謀った罪で11年間の獄中生活を送っているため、授賞式に出席できませんでした。

劉暁波氏が座ることのなかったこの「空席」は、弾圧の象徴なのです。

マーティン・バース氏がデザインした「空席」は高さ5メートルにも及び、今年の5月28日に行われたアムネスティ・インターナショナル創設50周年記念式典で、アムステルダムのPakhuis De Zwijgerで公開されました。

「空席」のデザインは、限定品のピンとして近日中に発売されます。

デンマークのNorm Architects（ノーム・アーキテクツ）による、これらの腰掛けの丸みがかった木製の脚部と上部は、真鍮または鋼の管で接合されている。

Raftと呼ばれる、デザインブランド＆tradition（アンド・トラディション）のコレクションは、砂吹きで磨かれたオークまたは着色したアッシュ材の腰掛けに、同じ素材を組み合わせたテーブルを加えて構成される。

Dezeen関する家具の詳細 » 

以下、デザイナーからの情報:

Raftのテーブル、Raftのスツール（腰掛け）は、枯れた美しさを持つ自然素材の荒々しさと、金属構造の生産の効率性を調和させている。

現代的なスカンジナビアの、流木からインスピレーションされたアプローチで、テーブルと腰掛けは、飾り気のない純粋さと控えめで感覚的な外観を合わせ持つ、個性的な家具のセットになっている。

砂吹きで磨かれたテーブルトップの表面は、古びた味わいを加える一方、丸みがかった木製の3本の脚は、動いている生き物のような、遊び心に溢れた外観をもっている。

そして、テーブルトップや座席の下の丸みを帯びた縁は、手がテーブルに触れる時、柔らかくて心地の良い感覚にさせる。

素材：

漆塗りの鋼または真鍮、砂吹きで磨かれた硬いオークまたは黒く塗ったアッシュ材の脚部。砂吹きで磨かれた硬いオークのトップ部分、白または黒灰のラミネート加工。

ドイツ人デザイナーのティム・マックロッドは、来月ベルリンで開催されるDMY国際デザインフェスティバルで、コンクリートを加工して制作したこちらのランプとスツールを発表します。

FALTシリーズと命名されたこの作品は、繊維強化された薄いコンクリートで作られており、コンクリートは伸ばされ、型の上を覆うように付けられています。

マックロッドは、ドイツのカッセル芸術大学在学中にこのプロジェクトを完成し、今回、DMYベルリンでは仲間達と共同出展します。

以下、デザイナーからの情報です。

FALTランプとFALTスツールを制作するにあたり、g.tecz という企業の繊維強化コンクリートを伸ばして、弾力性のある型に手で付けました。

薄い壁をくっつけたようなFALTシリーズの作品は、その形も表面の仕上げも、既存のコンクリート製造方法を使っては複製できません。FALTランプのランプシェードはわずか2.7ミリメートルという薄さですから、重さも1.400グラム以下なんです。

それに対し、FALTスツールには、折り曲げたコンクリートの構造的な強さがあります。

スツールの脚はすべて、薄さ5ミリメートルの繊維強化コンクリートだけで支えられています。コンクリートを折り曲げる技術は、高性能なコンクリートをデザインに応用するという新しい分野を開きました。

FALTシリーズはマテリアル・ヴィジョン 2011内のG.tecz (ホール 4.1 L32)のブースにて展示予定で、DMY2011でも “Liebling, lass uns nach Kassel fahren”　のカッセル芸術大学の学生たちの作品と一緒にご覧いただけます。

オランダのデザイナー Pepe Heykoopが作った家具のコレクションは古い椅子に余った皮の断面を集めて覆ったものです。

皮の切れ端を大胆に縫い合わせて、それぞれの椅子全体を覆います。

Photography by Annemarijne Bax.

Pepe Heykoopに関するDezeenの記事はこちらをご参照ください »

家具に関するDezeenの記事はこちらをご参照ください »

デザイナーからの詳細は以下の通りです。

Skin Collection（皮のコレクション）

残り物の皮で覆った家具になります。家具業界での皮の廃棄は２５～３０パーセントになり、これを使って何か美しいものを作ろうと思いつきました。廃棄物で覆いをするのです。

このプロジェクトは皮の切れ端を得て、ランダムな皮のパターンを変化させ、区分化された切れ端と、自然における成長を表しています。

この中古の家具は既存のもので、改造されているので、ときどき成長しているように見えます。

中古の家具と皮の切れ端をリサイクルし、おとぎ話の家具に変えます。

デザイン、創作：Studio Pepe Heykoop
材質：主として中古椅子、木材、金属、発泡剤、接着剤、皮
寸法：家具により異なる
製作年：２０１１年

サンフランシスコのデザイナー集団　フューズ・プロジェクトは、固形化した純カカオのパッケージとグレイター（削り器）のデザインを手掛けました。カカオはコスタリカの熱帯雨林の自然な生態系の中で栽培されたものです。

タラマンカ・ココアという名のこの製品は、麻袋のパッケージ入りでグレイター付き。グレイターは熱いココアを淹れる時にはマグカップの縁に引っ掛けられます。

カカオの栽培は、その地域の自然保護に役立っています。

このデザインは、シカゴのフィールド・ミュージアムで今日から2011年11月13日まで開催中のデザイン・フォー・ザ・リビング・ワールド展で展示されています。

Dezeenサイト内のフューズ・プロジェクトについての記事はこちら　>>

以下、デザイナーからの情報です：

自然保護　タラマンカ・ココア

コスタリカでは、タラマンカのブリブリ族の女性が有機栽培のカカオとチョコレートを作っています。ここのカカオの木は単一作物栽培ではなく、生物多様性に富んだ自然な生態系の中で育てられており、周辺の土地と自然を守っています・・・。ココア農園が広がれば、自然熱帯雨林の保護地域も広がります。主要製品はカカオのエッセンスを盛り込んだ「削りカカオのパティ」。手作りでハンバーガーサイズにまとめられ、砂糖無添加の100％カカオを使用しています。美味しいホットココアを作るために必要なのは、これだけなのです。

このカカオパティには大きな可能性がありました。しかし、商品のパッケージや保管方法からホットココアの淹れ方に至るまで、製品を魅力的に見せるようなデザインをする努力が必要でした。一方で、すべての手順をセレモニーのように儀式化する必要もありました。

私達は、ロゴや再販可能なパッケージ（生のカカオ豆の保存に使用されている麻の布袋にヒントを得ました。その袋は、自然素材で、生物分解が可能で、再利用可能、さらに有機素材を使って現地で作られています）を含めた商品の生態系を作り上げました。そして固形化したパティを砕き、熱々のココアを淹れるためのアクセサリーツールも製作しました。

このツールはカカオを削り、その後熱々のココアを混ぜられるように特別にデザインされています。フックが付いているので、使用の前後にはマグカップの縁に掛けることができますし、ココアを淹れる際に自然にきれいになります。

私達は、このプロジェクトがココアの有機栽培に対して積極的な意識を持てるようなものになることを願っています。消費者にであれパートナーにであれ、結局のところこの努力は物語っているのです　：　カカオの有機栽培が熱帯雨林を救う、と。

ニューヨークのデザイナー、ラファエル・デ・カルデナス氏は、反対色どうしが重なり合うような色彩の棚を用いて、このケープタウンのメンズウエアショップ、Unknown Unionのインテリアを作成した。

ケープタウン中心部の18世紀の建物内にあるこのショップは、収納ボックスや支柱、棚といったものが色とりどりのグラデーションで統一されているのが特徴だ。

露出した蛍光管の照明は、天井の装飾にアレンジされ、シャンデリアのような効果を生み出すのに使われている。

さらなる南アフリカ共和国のプロジェクト>>

さらなる小売店舗のプロジェクト>>

Photographs are by Inge Prins.

以下デザイナーより

ラファエル・デ・カルデナス氏のデザインによるUnknown Union: Cape Town’s Newest Men’s Boutique Designed（ケープタウンの最新メンズブティック）

南アフリカ共和国、ケープタウン-ニューヨークを拠点とする Architecture At Largeの建築家、インテリアデザイナーであるラファエル・デ・カルデナス氏は、ケープタウンの最も新しいメンズストア、 Unknown Union (UU)をデザインした。ケープタウン中心部にある18世紀の歴史的な建物に本拠を置くUUは、インターナショナルな共同体であり、世界的なファッションコレクションのリストが、アフリカではUUのみで入手できるというのも大きな目玉として、 創造性の中心地となっている。なかでも ANYthing, Pendleton, Surface to Air, and Penfield USA,等が代表的なブランドである。

メンズウェアのブティックで流行の、ダークで堅いデザインに代わるものを求め、デ・カルデナス氏は、UUのオーナーであり管理人である、Sean Shuter氏とDaniel Jackson氏の商品のショーケースのために、きらめく万華鏡のような空間を作り上げた。

2階層のフロアは、暖かみのあるテラコッタタイルの床と白い壁を下地として、鮮やかな青緑、緑色、黄色、ピンクといった色とりどりのグラデーションが施された迷路のような商品棚が大きな特徴である。天井は、デ・カルデナス氏のトレードマークである蛍光灯が張り巡らされていて、目映いシャンデリアのような効果を生んでいる。これらは、様々な高さや幅の立体が積み重なってできている商品棚の統合性を引き立たせ、思いもよらない方法で、奥行き感と、視覚的な遊び心を与えている。

白い光沢の螺旋階段で繋がった店舗の2階部分は、期間限定で出店されるアーティストやデザイナーをフィーチャーしたブティックが集り、そこはずっと変化し続ける環境であり、地元はもちろん、世界中のクリエイター達の企画、アイデアスペースとして設置されている。Unknown Unionの公式オープンを記念して、 Shuterと Jacksonはこのイベントのため特別に作られた限定版のTシャツを販売している。主な参加アーティストとして、ラファエル・デ・カルデナス氏/Architecture at Large、Gazelle、Surface to Air、Milkbeard、Cornrow Rider、THE CASTなどが含まれる。

24クルーフストリート、8008　ケープタウン、南アフリカ共和国

デザイナーのドミニック・ウィルコックス（Dominic Wilcox）氏は、先頃ロンドン市内にある解体中のビルのオフィス内部を白一色に塗り替えた。

このビルに唯一残された「ウエイティングルーム（解体を待つ部屋）」と呼ばれる一室には、まだ部屋の備品類が使用されていた状態で残されており、それら全てに白い塗装を施した。

かつて病院だったSt Phillips Buildingは、解体された後ロンドン・スクール・オブ・エコノミクスの新しい学生会館として生まれ変わる。

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このプロジェクトに関する詳細は次の通りである。

ドミニック・ウィルコックス氏は、先頃解体が決まったSt Philips Buildingを祝うために企画された即席のインスタレーションを依頼されました。この建物は、1903年に救貧院の保養施設として建設され、その後ロンドン・スクール・オブ・エコノミクスに買収されるまで女性のための病院として使われてきました。この度、LSEの新しい学生会館を建設するために、取り壊すことになりました。

氏はこの部屋を見た時の印象を次のように述べています。「私はビルの内部を案内された時に、備品が残ったまま放置された鍵の掛ったオフィスに気づいたのです。そこには、まるで解体を待ち望んでいるかのような雰囲気があり、私は思わず手を差し伸べたくなったのです。

私は備品類をそのまま残した状態で、内部全体を白一色に統一することによって、この部屋が現世のしがらみを断ち、来世へ向かう準備の手助けをしようと思いついたのです。」

日本のデザインオフィスNendoがデザインした半透明なヘッドホーン一式は、クラゲのような形が特徴的だ。

色も豊富で、プラスチック製の小さな容器に収納されている。

Photography is by Hiroshi Iwasaki and Masayuki Hayashi.

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デザイナーからの詳細は次の通りである。

ヘッドホーン「オトクラゲ」は、日本のパソコン周辺機器メーカー、エレコム社向けにデザインされたものです。

「オト（音）クラゲ」

“otokurage(oto=sound, kurage=jellyfish)”

デザインコンセプト

シリコン製のイヤーキャップがヘッドホーン全体を覆うこのイヤホーンは、クラゲのような半透明のデザインで、柔らかい感触が快適な装着感を生み出します。

イヤホーン部は本体と一体になっているので、イヤーキャップの色や大きさを変えると、全く違った雰囲気が生まれます。

水中に浮いているクラゲをイメージするために、容器はペットボトルをヒントにしています。

この製品は５月下旬に日本で発売予定です。